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Oscar Peterson

Oscar Peterson

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Oscar Peterson

Oscar Emmanuel Peterson CC CQ OOnt (15 août 1925 – 23 décembre 2007) était un compositeuret un pianiste de jazz canadien . Il fut appelé le «Maharaja du clavier « par Duke Ellington, « O.P. » par ses amis. [] 1] [] 2] Il a publié plus de 200 enregistrements, a remporté huit Grammy Awardset a reçu d’autres nombreux prix et distinctions au cours de sa carrière. Il est considéré comme l’un des pianistes de jazz plus grands de tous les temps,[] 3] , après avoir joué des milliers de concerts publics dans le monde entier dans une carrière de plus de 60 ans.

 

Biographie

 

Peterson est né aux immigrants des Antilles; son père travaille comme porteur de Chemin de fer Canadien Pacifique. [[ [] 4] Peterson a grandi dans le quartier de la Petite-Bourgogne , à Montréal, Québec. C’est dans cette prédominance noire quartier qu’il a trouvé lui-même entouré par la culture de jazz qui a prospéré dans le début du XXe siècle. [[ [] 5] À l’âge de cinq ans, Peterson a commencé à perfectionner ses compétences avec la trompette et le piano. Cependant, un bout de la tuberculose à l’âge de sept ans l’a empêché de jouer de la trompette à nouveau, et ainsi il dirige toute son attention au piano. Son père, Daniel Peterson, un trompettiste amateur et un pianiste, était un de ses premiers professeurs de musique, et sa soeur Daisy a enseigné le piano classique de jeune Oscar. Jeune Oscar est persistant à pratiquer les écailles et les etudes classiques tous les jours et grâce à une telle pratique ardue, il a développé sa virtuosité étonnante.

Comme un enfant, Peterson a également étudié avec le pianiste hongrois Paul de Marky, un étudiant de István Stephan, qui était lui-même un élève de Franz Liszt, ainsi que sa formation était fondée principalement sur le piano classique. Pendant ce temps, il était fasciné par le jazz traditionnel et a appris plusieurs pièces de ragtime et surtout le boogie-woogie. À cette époque, Peterson a été appelé « le Bombardier brun du Boogie-Woogie. »[6]

À l’âge de neuf Peterson joue du piano avec le contrôle qui a tant impressionné les musiciens professionnels. Pendant de nombreuses années, ses études de piano incluaient quatre à six heures de pratique quotidienne. Dans ses dernières années il diminue sa pratique quotidienne à seulement une ou deux heures. En 1940, à l’âge de quatorze ans, Peterson a remporté le concours national de musique organisé par la Société Radio-Canada. Après cette victoire, il abandonna l’école et est devenu un pianiste professionnel travaillant pour une émission de radio hebdomadaire et jouant dans les hôtels et les salles de musique.

 Influences

 

Certains de ces artistes qui ont influencé la musicalité de Peterson pendant le type plus tôt d’années étaient Teddy Wilson, Nat « King » Cole, James P. Johnson et Art Tatum, dont beaucoup ont tenté de comparer Peterson quelques années plus tard. [7] Une de ses premières expositions de talents musicaux de Tatum est venu au début de son adolescence, quand son père lui a joué de Art Tatum Tiger Rag , et Peterson était tellement intimidé par ce qu’il a entendu qu’il est devenu désillusionné sur son propre jeu, dans la mesure où de refuser de jouer du piano du tout pendant plusieurs semaines. Dans ses propres mots, « Tatum scared me à mort » et Peterson était « cocky jamais encore » sur sa maîtrise au piano. [8,] Tatum était un modèle pour la musicalité de Peterson durant les années 1940 et 1950. Tatum et Peterson finalement est devenu de bons amis, bien que Peterson a toujours été timide sur comparées avec Tatum et rarement jouent du piano en présence de Tatum.

Peterson a également crédité de sa sœur Daisy Sweeney un célèbre professeur de piano à Montréal qui a également enseigné plusieurs autres musiciens de jazz canadiens de noter — avec un enseignant important et influence sur sa carrière. Sous tutelle de sa sœur, Peterson, étendu à la formation de piano classique et a élargi sa gamme tout en maîtrisant la sa classique base d’échelles de préludes et fugues de Johann Sebastian Bach.[9]

S’appuyant sur sa et de l’esthétique d’Art Tatum, Peterson a aussi absorbé influences musicales de Tatum, notamment des concertos pour piano de Rachmaninov. Harmonisations de Rachmaninov, ainsi que son 2e Concerto de Piano, citations directes sont jetés ici et là de nombreux enregistrements par Peterson, y compris son travail avec la formulation plus familier du Oscar Peterson Trio, avec le bassiste Ray Brown et le guitariste Herb Ellis. Durant les années 1960 et 1970 Peterson fait de nombreux enregistrements de trio mettant en évidence ses spectacles piano qui révèlent plus de son style éclectique qui a absorbé des influences de divers genres de musique jazz, populaire et classique.

 Norman Granz

Une étape importante dans sa carrière a été rejoindre imprésario Norman Granzd’étiquettes (surtout à la Verve) et le projet de «Jazz at the Philharmonic» de Granz. Peterson a Granz découvert d’une manière particulière. Comme l’imprésario a été prise à l’aéroport de Montréal par l’ACR, la radio joue une diffusion en direct de Peterson dans un club local de nuit. Granz a été tellement frappé par ce qu’il a entendu qu’il a ordonné le pilote de l’emmener au club de sorte qu’il pouvait respecter la pianiste. En 1949, Granz introduit Peterson lors d’un show de Carnegie Hall Jazz at the Philharmonic de New York.[10]

Ainsi est né un durable relation et Granz restaient directeur de Peterson pour la plupart de sa carrière. Une illustration poignante : au cours des deux dernières années de sa vie, Peterson enfiché sur un chien boxer, qu’il nomma « Smedley, » surnom de Peterson pour Granz. Le jour de la mort de Peterson, Smedley gisait sur le lit avec lui et ne laisserait pas.[11]

C’était plus qu’un rapport de gestion ; Peterson a loué Granz pour debout pour lui et autres musiciens de jazz noirs dans les ségrégationnistes au sud des années 1950 et 1960. Par exemple, à la Canadian Broadcasting Companydu documentaire en deux parties que vidéo musique à la clé de OscarPeterson raconte comment Granz debout à un policier Sud transportant des armes à feu qui voulait arrêter le trio d’utiliser les taxis « blanc seulement ». L’ensemble documentaire est un récit fascinant de la vie de Peterson dans son enfance de Montréal, de sa carrière, ses relations familiales et comprend des entrevues avec Peterson, Herbie Hancock, Quincy Jones et Ella Fitzgerald. Son récit se termine en 1993, juste avant les maladies débilitantes de Peterson.[12]

Au cours de sa carrière, Peterson a développé une réputation de pianiste techniquement brillant et inventif sa et est devenu un régulier sur Canadian radio depuis les années 1940. Son nom était déjà reconnu aux États-Unis. Toutefois, ses débuts au Carnegie Hall, New York City, arrangé par Norman Granz, en 1949 était non crédité ; en raison de restrictions union, son apparence ne pourrait pas facturé.[citation nécessaire]

Par le biais de Granz Jazz at the Philharmonic , il était capable de jouer avec les grands artistes jazz de l’époque. Certains de sa comédie musicale associates Ray Brown, Coleman Hawkins, Roy Eldridge, Ben Webster, Milt Jackson, Herb Ellis, Barney Kessel, Ed Thigpen, Niels-Henning Ørsted Pedersen, Louis Armstrong, Stéphane Grappelli, Ella Fitzgerald, Billie Holiday, Clark Terry, Joe Pass, Anita o ‘ Day, Fred Astaire, Count Basie, Dizzy Gillespie, et Stan Getz.

 

 Duos

 

Peterson a fait de nombreuses représentations de duo et enregistrements avec les bassistes, Ray Brown, Sam Joneset Niels-Henning Ørsted Pedersen, guitaristes Joe Pass, Irving Ashby, Herb Elliset Barney Kessel, pianistes, Count Basie, Herbie Hancock, Benny Greenet Keith Emerson, trompettistes Clark Terry et Louis Armstronget nombreux autres joueurs importants de jazz. Ses enregistrements de duo des années 1950 avec le bassiste Ray Brown marquent la formation de l’un des partenariats plus durables dans l’histoire du jazz. Duo des années 1970 de Peterson avec le guitariste Joe Pass a été considérée comme une des normes plus élevées dans le genre.

Selon pianiste et pédagogue Mark Eisenman, de jouer au meilleur de Peterson était comme accompagnateur discret à la chanteuse Ella Fitzgerald et le trompettiste Roy Eldridge.[13]

 

 Trio

 

Peterson a redéfini le trio de jazz en apportant la musicalité de trois membres au plus haut niveau. Le trio définitif avec Ray Brown et Herb Ellis a été, selon ses propres mots « le plus stimulants » et productif pour des spectacles publics ainsi que dans les enregistrements en studio. Dans les années 1950, Peterson a commencé avec Ray Brown et Charlie Smith, Oscar Peterson Trio. Peu de temps après le batteur Smith a été remplacé par le guitariste Irving Ashby, anciennement de la Trio de Nat King Cole . Ashby, qui était un guitariste swing, fut bientôt remplacé par Barney Kessel. [[ [] 14] Kessel fatigué de tournée après un an et a été remplacé par Herb Ellis. Ellis était blanc, trios de Peterson ont été intégrés sur le plan racial, un geste controversé à l’époque c’était parsemé de difficultés avec des ségrégationnistes blancs et noirs.

Oscar Peterson Trio au Festival shakespearien de Stratford , est largement considéré comme l’album de point de repère dans la carrière de Peterson et l’un des plus influents trios de jazz. Leur dernier enregistrement, Sur la ville avec l’Oscar Peterson Trio, enregistré en direct à la taverne de la ville de Toronto, a capturé un remarquable degré de compréhension émotionnelle ainsi que musicale entre trois joueurs. [[ [] 15] Tous les trois musiciens ont été égales contributeurs impliqués dans un jeu d’improvisation très sophistiqué. Quand Herb Ellis a quitté le groupe en 1958, Peterson et Brown croyaient qu’ils ne pourraient pas adéquatement remplacer Ellis. Ellis a été remplacé par le batteur Ed Thigpen en 1959. Brown et Thigpen travaillaient avec Peterson sur ses albums célèbres Train de nuit et de la réussite Canadiana Suite. Brown et Thigpen a quitté en 1965 et ont été remplacés par le bassiste Sam Jones et le batteur Louis Hayes (et plus tard, batteur Bobby Durham). Le trio joué ensemble jusqu’en 1970. Leurs albums a inclus des chansons pop tels que The Beatles’ « hier » et « Eleanor Rigby ». À l’automne 1970, trio de Peterson ont réussi dans leur album Tristeza au Piano , qui est un éloge de la récemment décédé, Jimi Hendrix et Janis Joplin, les étoiles de Monterey Pop Festival . Cet enregistrement a été publié sur CD en 1985, a épuisé et puis revint remasterisé en 2005 : une édition anniversaire. Sélections du travail de ce trio ont été utilisées accessoirement pour anime japonais et d’autres films d’action en direct . Jones et Durham gauche en 1970.

Dans les années 1970 Peterson a formé un autre trio de point de repère avec le guitariste virtuose Joe Pass et Niels-Henning Ørsted Pedersen à la basse. Ce trio imité le succès du trio des années 1950 avec Brown et Ellis, a donné des spectacles acclamés lors de nombreux festivals et fait plus vendu d’enregistrements, notamment le 1978 double album enregistré en public à Paris. En 1974, Oscar a ajouté batteur, Martin Drew, et ce quartet et enregistrera beaucoup dans le monde entier. Pass a déclaré dans une interview en 1976: « Les seuls gars j’ai entendu arrivé proche de la maîtrise totale de leurs instruments Art Tatum et Peterson ».

 Quatuor à cordes

Un quartet est un paramètre moins permanent de Peterson, après le trio ou duo, comme il était difficile de trouver des musiciens puissants disponibles également pour un arrangement très unie avec lui. Après la perte de Ellis son prochain trio finalement transformé en un quatuor après il a ajouté un batteur — premier Gène Gammage pour une courte période, puis Ed Thigpen. Dans ce groupe Peterson est devenu le principal soliste. Membres du groupe ont été Louis Hayes, Bobby Durham, Ray Price, Sam Jones, George Mraz, Martin Drew et Lorne Lofsky.[3]

Peterson a souvent formé un quatuor en ajoutant un quatrième joueur à ses trios existants. Il a été ouvert aux collaborations expérimentales avec stars jazz, comme le saxophoniste Ben Webster, trompettiste Clark Terryet vibraphoniste Milt Jackson parmi d’autres. En 1961, le trio Peterson avec Jackson a enregistré un album très apprécié, Très grand.

Carrière plus

Depuis la fin des années 1950, lorsque Peterson reconnue dans le monde entier comme l’un des plus grands pianistes de jazz, il a joué dans divers milieux : solo, duo, trio, Quatuor, petites bandes et big bands. Cependant, ses récitals de piano solos, ainsi que ses enregistrements solos de piano étaient rares, jusqu’à ce qu’il a choisi de faire une série d’albums solo intitulé « exclusivement pour mes amis. » Ces séances de piano solos, faites pour le label Musik Produktion Schwarzwald ((MPS)) , ont été la réaction de Peterson à l’émergence de telles étoiles comme Bill Evans et McCoy Tyner.

Certains connaisseurs affirment que les meilleurs enregistrements de Peterson ont été faites pour les députés dans la fin des années 1960 et début des années 1970. Depuis quelques années par la suite, il a enregistré pour Pablo Records de Granz après que le label a été fondé en 1973.[citation nécessaire] Dans les années 1990 et 2000, il a enregistré plusieurs albums, accompagnés d’une zone de liste déroulante pour Telarc.

Dans les années 1980 il a joué avec succès en duo avec le pianiste Herbie Hancock. Dans les années 1980 et 1990, après l’accident vasculaire cérébral, Peterson a fait des concerts et enregistrements avec son protégé, Benny Green.

 Compositeur et professeur de

Peterson a écrit des pièces pour piano, pour trio, pour quatuor à cordes et pour big band. Il a écrit plusieurs chansons et fait des enregistrements en tant que chanteuse. Ses compositions les plus connues sont « Canadiana Suite » et « Hymn to Freedom, » ce dernier composé dans les années 1960 et probablement inspirant par le mouvement des droits civiques U.S..

Peterson enseigne le piano et l’improvisation au Canada, principalement à Toronto. Et associés, il a commencé et a dirigé l’Advanced School of Contemporary Music à Toronto pour les cinq années durant les années 1960, mais il fermé parce que les tournées de concert appelé lui et ses associés plus loin, et il n’a pas d’aide financière du gouvernement. [16] Plus tard, il a guidé le programme jazz de l’Université York et a été le chancelier de l’Université ensemble pendant plusieurs années dans le début des années 1990. Il a également publié ses etudes de piano jazz originales pour la pratique. Cependant, il a demandé à ses élèves à étudier la musique de Johann Sebastian Bach, surtout Le clavier bien tempéré, les Variations Goldberget L’Art de la Fugue, compte tenu de ces pièces pour piano essentiels pour chaque pianiste de grave. Pianistes Benny Green et Oliver Jones étaient parmi ses élèves.[17]

 Accident vasculaire cérébral, plus tard années et mort

Peterson souffrait d’arthrite depuis sa jeunesse et quelques années plus tard pourrait difficilement bouton sa chemise. Jamais mince, son poids a augmenté de 125 kg (280 lb), entraver sa mobilité. Il avait la hanche dans le début des années 1990. [[ [] 18] Bien que l’opération a réussi, sa mobilité est encore inhibée. Un peu plus tard, en 1993, Peterson a subi un accident vasculaire cérébral grave qui affaibli son côté gauche et lui mis de côté pendant deux ans. Également en 1993 ministre entrant et fan depuis longtemps de Peterson et ami de Jean Chrétien offert Peterson au poste de Lieutenant-gouverneur de l’Ontario, mais selon Chrétien il refusa, invoquant des problèmes de santé de son accident vasculaire cérébral récent.[19]

Après l’accident vasculaire cérébral, Peterson a récupéré pendant environ deux ans. Il regagne progressivement la mobilité et le contrôle de sa main gauche. Cependant, sa virtuosité n’a été jamais restaurée au niveau initial, et son jeu après que son accident vasculaire cérébral s’est appuyé principalement sur sa main droite. [[ [] 20] En 1995, il revient aux représentations publiques sur une base limitée et a également fait plusieurs vivent et enregistrements en studio pour Telarc. En 1997, il reçoit un Grammy Lifetime Achievement et un International Jazz Hall of Fame Award, une autre indication que Peterson continue à être considéré comme l’un des plus grands musiciens de jazz jamais à jouer. Pianiste amateur, Bob Rae , ami et homme politique canadien soutient que « un Oscar une main était mieux à peu près n’importe qui avec les deux mains ».[21]

En 2003, Peterson a enregistré pour Verve, avec Niels-Henning Ørsted Pedersen (NHØP), Ulf Wakenius et Martin Drewle DVD D’une nuit à Vienne . Il a continué à visiter les États-Unis et en Europe, mais au maximum un mois par an, avec un couple de repos des jours entre les concerts pour récupérer sa force. Ses accompagnateurs se composait de Ulf Wakenius (guitare), NHØP ou David Young (basse),[22] et Alvin Queen (batterie), tous les dirigeants de leurs propres groupes.

La santé de Peterson ont rapidement décliné en 2007. Il a dû annuler sa prestation au Festival de Jazz de Toronto 2007 et sa participation à un 8 juin 2007 performance All-Star Game de Carnegie Hall en son honneur, en raison de la maladie. Le 23 décembre 2007, Peterson est décédé d’ une insuffisance rénale à son domicile à Mississauga, en Ontario. [[ [] 23] [[ [] 24] Il a quitté sept enfants, sa quatrième épouse, Kelly et leur fille, Céline (né en 1991).

 Prix et reconnaissance

 

 Reconnaissance et récompenses musicales

Begone Dull Care est une présentation de film abstrait de la musique de Oscar, sortie en 1949.

Son travail lui a valu huit Grammy awards au cours des années et il est élu à la Canadian Music Hall of Fame en 1978. Il appartient également à la Remise des prix Juno Hall of Fame et canadienne de Jazz et de Blues Hall of Fame.

Peterson a reçu le premier, Dr. Martin Luther King Jr. Prix d’excellence du Black Theatre Workshop (1986), Roy Thomson prix (1987), un Toronto Arts Award for lifetime achievement (1991), Prix des Arts de la scène du gouverneur général (1992), le Prix de Glenn Gould (1993), le prix de la Société internationale d’artistes (1995), la Médaille de Loyola de l’ Université Concordia (1997), Grammy Lifetime Achievement Award (1997), le Praemium Imperiale World Art Award (1999), le Prix de musique de l’UNESCO (2000), musicien de la Toronto Musicians’ Association of the Year award (2001) et un honoraire LLD de l’ University of the West Indies (2006).

En 1999, l’ Université Concordia de Montréal renommé leur salle de concert Oscar Peterson Concert Hall -campus Loyola en son honneur.[25]

En 2005, Peterson a célébré son 80e anniversaire au magasin phare de HMV à Toronto, où une foule d’environ 200 se sont rassemblée pour célébrer avec lui. Admirateur de longue date et membre canadienne Diana Krall, chantent « Joyeux anniversaire » à lui et aussi réalisé une version vocale d’une des chansons de Peterson, « Lorsque l’été arrive ». Les paroles de cette version ont été écrites par Elvis Costello, mari de Krall. Postes Canada a dévoilé un timbre-poste commémoratif en son honneur. L’événement était couvert par une radio en direct diffusée par la station jazz de Toronto, JAZZ.FM.

Peterson a reçu la Radio de la BBC Lifetime Achievement Award, Londres, Angleterre.[26]

« Technique est quelque chose qui que vous permet de faire vos idées listenable, » lui dit une fois jazz écrivain Len Lyons. « On apprend à jouer de l’instrument ainsi vous avez un vocabulaire musical et pratique vous pour obtenir votre technique au point, que vous avez besoin de s’exprimer, selon comment lourd vos idées sont. »

« Certains peuvent critiquer Peterson pour ne pas faire progresser, de trouver son créneau et de rester avec elle pendant toute sa carrière, mais bien qu’il ne peut pas être l’artiste la plus révolutionnaire dans le jazz, le documentaire de musique dans la clé de Oscar montre que faire tomber les barrières peut être accompli en plus d’un. » [] 27] « Il était un cristalliseur, plutôt qu’un innovateur ».[20]

« « Ses mains pouvaient faire des choses que peuvent faire les quelques joueurs de piano, » dit la pianiste Bill King, qui a étudié avec Peterson dans son école de musique. Parce que Peterson était un grand homme — six pieds trois pouces — il pourrait étirer ses mains sur un clavier d’une façon peu de musiciens peut correspondre.[28]

Ray Charles, de que Martin Scorsese présente le Blues – Piano Blues (2003), dit « Oscar Peterson est une mère fucking joueur de piano! »

 Reconnaissance au Canada

Tandis que Peterson a été reconnu comme un grand pianiste de jazz deux à domicile au Canada et à l’étranger, il était aussi considéré au Canada comme un personnage public distingué. Son personnage notable est évidente dans les éloges et récompenses, qu’il a reçu, en particulier dans les dernières deux décennies de sa vie.

Il a été fait officier de l’ Ordre du Canada (du pays État civil ordre plus élevé pour le talent et le service) en 1972 et promu Compagnon de l’ordre (le plus haut degré de mérite et de l’humanité), en 1984. Il était également membre de l’ ordre de l’Ontario, Chevalier de l’ Ordre National du Québecet un agent de la Ordre des Arts et des Lettres de la France.

De 1991 à 1994, Peterson a été chancelier de l’ Université York à Toronto. Le chancelier est le chef titulaire de l’Université. Semaines après que sa mort, la Province de l’Ontario a annoncé une bourse C$4 millions pour le « Oscar Peterson Chair » pour Performance Jazz à l’Université York avec une supplémentaire C$1 million à être décerné chaque année dans les bourses de la musique aux élèves défavorisés de York en hommage à Peterson.[28]

Nièce de Peterson, Sylvia Sweeney, journaliste de la télévision a produit un film documentaire primé, Dans la clé d’Oscar, de Peterson en 1992.

Contrairement à la plupart des autres musiciens de jazz, Oscar Peterson a été mis en réseau avec les élites canadiennes dans les dernières années de sa vie. Par exemple, l’ancien premier ministre de l’Ontario Bob Rae a rappelé qu’en 2007, lui-même, de l’Ontario le juge en chef Roy McMurtryet ancien de l’Ontario, le premier ministre Bill Davis célébré retraite de McMurtry Peterson, son épouse et leurs épouses.[30]

Peterson a reçu des doctorats honoris causa de nombreuses universités canadiennes : L’Université Carleton, l’Université Queen, Université Concordia, Université McMaster, Mount Allison University, l’ Université de Victoria, l’ Université de Western Ontario, Université York, l’ Université de Torontoet l’ Université Laval, ainsi que de la Northwestern University et L’Université Niagara aux États-Unis.

En 2004, la ville de Toronto, nommé la Cour du Centre Toronto-Dominion Square de Oscar Peterson.

En 2005, du Peel District School Board, en banlieue de Toronto a ouvert l’école Oscar Peterson à Mississauga, en Ontario, deux kilomètres de son domicile. Peterson a déclaré: « C’est un hommage de plus inattendu et émouvant. » [[ [] 31] Il a visité l’école plusieurs fois et a fait don de matériel musical électronique à elle. [[ [] 20] Peu de temps après la mort de Peterson, l’ Université de Toronto Mississauga a ouvert une résidence pour étudiants majeurs en mars 2008 comme « Oscar Peterson Hall ».[32]

Ancien premier ministre canadien Jean Chrétien veut en 1993 pour mettre Peterson avec impatience à la Gouverneure générale du Canada pour la nomination au poste de Lieutenant-gouverneur de l’Ontario, mais ressenti Peterson que sa santé ne pouvait pas être maintenue des fonctions cérémonielles beaucoup que cette position aurait besoin. « Il était le plus célèbre canadien dans le monde, » a déclaré Chrétien. Chrétien dit aussi que Nelson Mandela rayonna lors de la réunion de Peterson. « C’était très émouvant. Elles ont été déplacées tant pour répondre à l’autre. Il s’agissait de deux hommes avec ses débuts modestes qui ont augmenté à des niveaux très illustres. »[33]

Un concert commémoratif majeur, tenu le 12 janvier 2008, remplis le de 2500 places Roy Thomson Hall de Toronto. Personnes avaient en attente pendant plus de trois heures obtenir. La gouverneure générale Michaëlle Jean a signalé lors du concert que plus « des milliers » ne pouvaient pas se rendre dans. Parmi les interprètes étaient Grégory Charles, Herbie Hancock, Quincy Jones, Phil Nimmons et chanteurs Audrey Morris et Nancy Wilson. Le Quatuor à cordes « Oscar Peterson » a joué des pièces principales ; ils sont Monty Alexander, Jeff Hamilton, Ulf Wakenius et Dave Young. Tout tourne avec Peterson durant sa période « une main » fin « sauf Alexander. La Nathaniel Dett Chorale, Gospel Choir de l’Université de Toronto[[[] 34] et Sharon Riley et la Chorale de la foi, sous la direction de Andrew Craid avec soprano d’opéra Measha Brueggergosman a fermé le show, chantant un extrait de Peterson « Hymn to Freedom ». Le spectacle a été mis en téléchargement.[21][35]

En 2008, un jeune pianiste nommé Connor Virginia à Winnipeg, au Manitoba, a écrit une chanson hommage à Oscar Peterson. Il plus tard il jouera lors d’un concert hommage de Oscar Peterson à une église locale et recevoir une standing ovation. L’événement a été diffusé sur Radio-Canada.

Un mouvement a commencé sur Facebook pour renommer la station de métro Lionel-Groulx, une station de transfert entre la Ligne verte et la Ligne Orange, de Montréal, en hommage à Oscar Peterson. La Société de transport de Montréal, cependant, a refusé de mettre fin à son moratoire sur l’attribution des stations de métro. Politique de la ville sur les hommages de point de repère est d’attendre au moins un an après la mort d’un personnage public.[36][37][38][39]

Les écoles de l’Ontario nommé Oscar Peterson Public School a été ouvert à Stouffville dans Municipalité régionale de York le 30 avril 2009,[40] et l’exploitation a commencé dans l’année scolaire 2009-2010.

 

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Statue of Peterson at the National Arts Centre in Ottawa, unveiled in June 2010 by the reigning sovereign of Canada, Queen Elizabeth II[29

Cérémonie des Grammy Awards

 1974 Meilleure Performance Jazz par un groupe du Trio – Oscar Peterson, Joe Pass et Niels-Henning Orsted Pedersen

 1977 Meilleure Performance Jazz par un soliste les géants – Oscar Peterson

 1978 Meilleur Jazz Performance instrumentale, soliste Oscar Peterson Jam – Montreux 77

1979 Meilleur Jazz Performance instrumentale, soliste, Oscar Peterson et les rois de la trompette – joutes – Oscar Peterson

 1990 Best Jazz Instrumental Performance, groupe le légendaire Trio d’Oscar Peterson : Live at the Blue Note

1990 Best Jazz Performance instrumentale, soliste le légendaire Trio d’Oscar Peterson : Live at the Blue Note

1991 Best Jazz Instrumental Performance, groupe Saturday Night at the Blue Note

1997 Lifetime Achievement Award instrumentale soliste Lifetime Achievement

 Doctorats conférés

 1973 L’Université Carleton – docteur en droit

 1976 Université queen – docteur en droit

 1979-Université Concordia – docteur en droit

 1980 Mount Alison, Sackville, N.B. – docteur en musique

 1981, Université McMaster – docteur en droit

 1981 Université de Victoria, Colombie-Britannique – docteur en droit

 1982, Université York – docteur en lettres

 1983 Northwestern University (Illinois) – docteur en Arts plastiques

 Université de Toronto de 1985 – docteur en droit

 1985, Université Laval – docteur en musique

 1991 Université de York : installé comme chancelier par le Conseil des gouverneurs

 Université de York 1994 : chancelier émérite

 1994 Western Ontario Conservatory of Music – licencié en diplôme de musique

 1994 Université de la Colombie-Britannique – docteur en droit

 1996 Université de Niagara, New York – docteur en Arts plastiques

 1999 University of Western Ontario – docteur en droit

 ANGLAIS TRADUIRE  EN Français

SOURCE : Article de WIKIPEDIA

http://en.wikipedia.org/wiki/Oscar_Peterson

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LANGUE ANGLAIS

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Oscar Emmanuel Peterson

Oscar Emmanuel Peterson CC CQ OOnt (August 15, 1925 – December 23, 2007) was a Canadian jazz pianist and composer. He was called the « Maharaja of the keyboard » by Duke Ellington, « O.P. » by his friends.[1][2] He released over 200 recordings, won eight Grammy Awards, and received other numerous awards and honours over the course of his career. He is considered to have been one of the greatest jazz pianists of all time,[3] having played thousands of live concerts to audiences worldwide in a career lasting more than 60 years.

 

Biography

Peterson was born to immigrants from the West Indies; his father worked as a porter for Canadian Pacific Railway.[4] Peterson grew up in the neighbourhood of Little Burgundy in Montreal, Quebec. It was in this predominantly black neighbourhood that he found himself surrounded by the jazz culture that flourished in the early 20th century.[5] At the age of five, Peterson began honing his skills with the trumpet and piano. However, a bout of tuberculosis at age seven prevented him from playing the trumpet again, and so he directed all his attention to the piano. His father, Daniel Peterson, an amateur trumpeter and pianist, was one of his first music teachers, and his sister Daisy taught young Oscar classical piano. Young Oscar was persistent at practising scales and classical etudes daily, and thanks to such arduous practice he developed his astonishing virtuosity.

As a child, Peterson also studied with Hungarian-born pianist Paul de Marky, a student of István Thomán, who was himself a pupil of Franz Liszt, so his training was predominantly based on classical piano. Meanwhile he was captivated by traditional jazz and learned several ragtime pieces and especially the boogie-woogie. At that time Peterson was called « the Brown Bomber of the Boogie-Woogie. »[6]

At age nine Peterson played piano with control that impressed professional musicians. For many years his piano studies included four to six hours of practice daily. Only in his later years did he decrease his daily practice to just one or two hours. In 1940, at age fourteen, Peterson won the national music competition organized by the Canadian Broadcasting Corporation. After that victory, he dropped out of school and became a professional pianist working for a weekly radio show, and playing at hotels and music halls.

[edit] Influences

Some of the artists who influenced Peterson’s musicianship during the earlier type of years were Teddy Wilson, Nat « King » Cole, James P. Johnson and Art Tatum, to whom many have tried to compare Peterson in later years.[7] One of his first exposures to Tatum’s musical talents came early in his teen years when his father played Art Tatum’s Tiger Rag for him, and Peterson was so intimidated by what he heard that he became disillusioned about his own playing, to the extent of refusing to play the piano at all for several weeks. In his own words, « Tatum scared me to death » and Peterson was « never cocky again » about his mastery at the piano.[8] Tatum was a model for Peterson’s musicianship during the 1940s and 1950s. Tatum and Peterson eventually became good friends, although Peterson was always shy about being compared with Tatum and rarely played the piano in Tatum’s presence.

Peterson has also credited his sister Daisy Sweeney a noted piano teacher in Montreal who also taught several other noted Canadian jazz musicians — with being an important teacher and influence on his career. Under his sister’s tutelage, Peterson expanded into classical piano training and broadened his range while mastering the core classical pianism from scales to preludes and fugues by Johann Sebastian Bach.[9]

Building on Art Tatum’s pianism and aesthetics, Peterson also absorbed Tatum’s musical influences, notably from piano concertos by Sergei Rachmaninoff. Rachmaninoff’s harmonizations, as well as direct quotations from his 2nd Piano Concerto, are thrown in here and there in many recordings by Peterson, including his work with the most familiar formulation of the Oscar Peterson Trio, with bassist Ray Brown and guitarist Herb Ellis. During the 1960s and 1970s Peterson made numerous trio recordings highlighting his piano performances that reveal more of his eclectic style that absorbed influences from various genres of jazz, popular and classical music.

[edit] Norman Granz

An important step in his career was joining impresario Norman Granz’s labels (especially Verve) and Granz’s « Jazz at the Philharmonic » project. Granz discovered Peterson in a peculiar manner. As the impresario was being taken to the Montreal airport by cab, the radio was playing a live broadcast of Peterson at a local night club. Granz was so smitten by what he heard that he ordered the driver to take him to the club so that he could meet the pianist. In 1949, Granz introduced Peterson at a Carnegie Hall Jazz at the Philharmonic show in New York.[10]

So was born a lasting relationship and Granz remained Peterson’s manager for most of his career. One poignant illustration: in the last two years of his life, Peterson doted on a boxer dog that he named « Smedley, » Peterson’s nickname for Granz. On the day of Peterson’s death, Smedley lay on the bed with him and would not leave.[11]

This wasre than a managerial relationship; Peterson praised Granz for standing up for him and other black jazz musicians in the segregationist south of the 1950s and 1960s. For example, in the Canadian Broadcasting Company’s two-part documentary video Music in the Key of Oscar, Peterson tells how Granz stood up to a gun-toting southern policeman who wanted to stop the trio from using « white-only » taxis. The entire documentary is a fascinating account of Peterson’s life from his Montreal childhood, to his career, to his family relations and includes interviews with Peterson, Herbie Hancock, Quincy Jones and Ella Fitzgerald. Its narrative ends in 1993, just before Peterson’s debilitating stroke.[12]

In the course of his career, Peterson developed a reputation as a technically brilliant and melodically inventive jazz pianist and became a regular on Canadian radio from the 1940s. His name was already recognized in the United States. However, his 1949 debut at Carnegie Hall, New York City, arranged by Norman Granz, was uncredited; owing to union restrictions, his appearance could not be billed.[citation needed]

Through Granz’s Jazz at the Philharmonic he was able to play with the major jazz artists of the time. Some of his musical associates included Ray Brown, Coleman Hawkins, Roy Eldridge, Ben Webster, Milt Jackson, Herb Ellis, Barney Kessel, Ed Thigpen, Niels-Henning Ørsted Pedersen, Louis Armstrong, Stéphane Grappelli, Ella Fitzgerald, Billie Holiday, Clark Terry, Joe Pass, Anita O’Day, Fred Astaire, Count Basie, Dizzy Gillespie, and Stan Getz

[edit] Duets

Peterson made numerous duo performances and recordings with bassists Ray Brown, Sam Jones, and Niels-Henning Ørsted Pedersen, guitarists Joe Pass, Irving Ashby, Herb Ellis, and Barney Kessel, pianists Count Basie, Herbie Hancock, Benny Green, and Keith Emerson, trumpeters Clark Terry and Louis Armstrong, and many other important jazz players. His 1950s duo recordings with bassist Ray Brown mark the formation of one of the longest lasting partnerships in the history of jazz. Peterson’s 1970′s duo with guitarist Joe Pass has been considered one of the highest standards in the genre.

According to pianist/educator Mark Eisenman, some of Peterson’s best playing was as an understated accompanist to singer Ella Fitzgerald and trumpeter Roy Eldridge.[13]

[edit] Trio

Joe Pass and Oscar Peterson at Eastman Theatre Rochester in N.Y.

 

Peterson redefined the jazz trio by bringing musicianship of all three members to the highest level. The definitive trio with Ray Brown and Herb Ellis was, in his own words « the most stimulating » and productive setting for public performances as well as in studio recordings. In the early 1950s, Peterson began performing with Ray Brown and Charlie Smith as the Oscar Peterson Trio. Shortly afterward the drummer Smith was replaced by guitarist Irving Ashby, formerly of the Nat King Cole Trio. Ashby, who was a swing guitarist, was soon replaced by Barney Kessel.[14] Kessel tired of touring after a year, and was succeeded by Herb Ellis. As Ellis was white, Peterson’s trios were racially integrated, a controversial move at the time that was fraught with difficulties with segregationist whites and blacks.

Oscar Peterson Trio at the Stratford Shakespearean Festival is widely regarded as the landmark album in Peterson’s career, and one of the most influential trios in jazz. Their last recording, On the Town with the Oscar Peterson Trio, recorded live at the Town Tavern in Toronto, captured a remarkable degree of emotional as well as musical understanding between three players.[15] All three musicians were equal contributors involved in a highly sophisticated improvisational interplay. When Herb Ellis left the group in 1958, Peterson and Brown believed they could not adequately replace Ellis. Ellis was replaced by drummer Ed Thigpen in 1959. Brown and Thigpen worked with Peterson on his famous albums Night Train and the successful Canadiana Suite. Brown and Thigpen left in 1965 and were replaced by bassist Sam Jones and drummer Louis Hayes (and later, drummer Bobby Durham). The trio performed together until 1970. Their albums included pop songs such as The Beatles’ « Yesterday » and « Eleanor Rigby ». In the fall of 1970, Peterson’s trio were successful in their album Tristeza on Piano which was a eulogy of the recently deceased Jimi Hendrix and Janis Joplin, the Monterey Pop Festival stars. This record was released on CD in 1985, went out of print, and then came back remastered in 2005 as an anniversary edition. Selections from this trio’s work have been incidentally used for Japanese anime and other live action films. Jones and Durham left in 1970.

In the 1970s Peterson formed another landmark trio with virtuoso guitarist Joe Pass and Niels-Henning Ørsted Pedersen on bass. This trio emulated the success of the 1950s trio with Brown and Ellis, gave acclaimed performances at numerous festivals, and made best-selling recordings, most notably the 1978 double album recorded live in Paris. In 1974 Oscar added British drummer, Martin Drew, and this quartet toured and recorded extensively worldwide. Pass said in a 1976 interview: « The only guys I’ve heard who come close to total mastery of their instruments are Art Tatum and Peterson ».

[edit] Quarte

A quartet was a less permanent setting for Peterson, after the trio or duo, as it was hard to find equally powerful musicians available for a tightly knit arrangement with him. After the loss of Ellis his next trio eventually turned into a quartet after he added a drummer — first Gene Gammage for a brief time, then Ed Thigpen. In this group Peterson became the dominant soloist. Later members of the group were Louis Hayes, Bobby Durham, Ray Price, Sam Jones, George Mraz, Martin Drew and Lorne Lofsky.[3]

Peterson often formed a quartet by adding a fourth player to his existing trios. He was open to experimental collaborations with jazz stars, such as saxophonist Ben Webster, trumpeter Clark Terry, and vibraphonist Milt Jackson among others. In 1961, the Peterson trio with Jackson recorded a highly praised album, Very Tall.

SOURCE : Article de WIKIPEDIA

POUR EN SAVOIR PLUS CLIQUE ICI

http://en.wikipedia.org/wiki/Oscar_Peterson

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Mamadou Barry – Nou Ka Sonjé

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 Mamadou Barry – Nou Ka Sonjé

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Mamadou Barry

Saxophoniste réputé dans son pays et ancien patron de l’orchestre fédéral Kaloum Star de Conakry, le sexagénaire Mamadou Barry restitue à travers Niyo, premier album sous son nom, les différents éléments qui ont fait l’originalité et le succès de la musique guinéenne.
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Pendant les années soixante et soixante-dix, les orchestres guinéennes, essentiels pour Sekou Touré pour le projet Authenticité, ont été le plus précieux bijoux sur la scène de la musique africaine. Traore Balla et ses Balladins, Balla Onivogui et ses Balladins et – surtout – Bembeya Jazz est devenu dans les icônes de véritables continent entier de la nouvelle culture africaine, alors même que la majorité des pays africains, ayant obtenu l’indépendance, était occupée reconstruire une identité fier de leurs racines.

En 1969 institué un groupe de jeunes musiciens qui étaient près de 20 ans, à Conakry un orchestre de nouveau, la Star de Kaloum. Au sein du groupe, il n’y avait Mamadou Barry sur le saxophone et Mamadou Camara sur la guitare.

Mamadou Barry est né en 1947 à Kindia, une ville près de la frontière avec la Sierra Leone. Il a été de l’ethnique Peuls, il a été nommé « maître Barry », parce qu’il avait un diplôme comme professeur à l’école et il consacre à la musique contre la volonté de sa mère. Au lieu de cela, son père était aussi un musicien et joué la boîte squeeze et les fûts dans l’Orchestre pre-colonial : le pavillon Bleu de Kindia.

Exécution après sa passion gamin Barry jeune rejoint le Conakry de ballets comme percussionniste. «Être un joueur de Djembé dans un ballet traditionnels a fortement influencé ma musique. Lorsque je joue la première chose que j’entends est au rythme des percussions à l’intérieur, et dans mon arrangements musicaux, j’essaie toujours de réserver un solo pour les percussionnistes ». Plus tard, il a appris à lire le saxophone, prendre des leçons de l’enseignant des Caraïbes Honoré Coppet, vivant en Conarky et être inspiré par Momo que Wandel Soumah. Barry considéré Momo le musicien africain plus créatif.

Balla, Balla et Bembeya avait la responsabilité sur leurs épaules pour représenter l’identité et les racines culturelles guinéennes, les jeunes musiciens de l’étoile Kaloum étaient libres d’expérimenter. «Nous étions jeunes et nous avons joué la musique jeune, très cool, ouverte à toutes sortes d’influences, principalement de la musique cubaine. Musique guinéenne était à l’époque la lumière principale dans la scène de la musique africaine. Toutes les étoiles aujourd’hui de Salif à Manu admettre la prédominance de cette période de bandes comme Bembeya et Balla. Naturellement je m’a influencé par eux.»

Kaloum Star avait un grand succès et qu’elles ont joué non seulement en Guinée, mais aussi au Liberia, Sierra Leone, Guinée-Bissau et le Mali. Ils ont joué avec des étoiles comme Doc Albert, Aicha Kone et Richard Egues, flûtiste de la Habanero sextet, de qui Barry appris comment jouer la flûte. «Pas moins de notre succès est resté la bande de jeune de Conakry. Nous jouerait chaque semaine au buffet de gare de train. Lorsque les années quatre-vingt sont arrivés les autres orchestres disloqué, mais nous avons continué à jouer. Sans nier nos racines, que nous avons ouvert jusqu’à la musique jazz, de blues, à jazz-rock convaincus que nous devions continuer à maintenir les esprits jeune.»

Peut-être pour des raisons ethniques – ils n’étaient pas Malinke, mais Susu et Peuls – comme un fait Kaloum Star enregistrées pour Syliphone seulement trois singles et certains participation à certaines collections historiques une série discothèque. Leur premier album a été Felenko, enregistrée en France en 1997. Une fois que Momo Wandel est décédé et plus récemment Keletigue Traore, Mamadou Barry reste le vétéran de la vie sur le saxophone guinéens. Cette année, après presque 50 ans du transporteur, maître Barry publie Niyo, premier album sous son nom.

Près de maître Barry, nous trouvons le guitariste Mamadou Camara, son compagnon éternelle Djessu Mory Kante et le Yaya Diallo sur la guitare, Papa Kouyaté sur les percussions, Myriam Makeba et autres musiciens guinéens âgés dans un ensemble enrichi avec son traditionnel de la balafon, la kora et la flûte Peuls.

Les deux les riffs et les solos de Mamadou Barry flûte et saxophone sont élégantes et doux, si ils jouent des mélodies de palm-vin des temps anciens passés ou s’ils battent en afro beat de Niyo ou de Sedy ou si elles accompagnent les rythmes antiques de la forêt ou s’ils suivent les traces de Momo que Wandel comme dans le remake de prendre cinq de Brubeck joué dans quatre ou six. Cinq chansons instrumentales – « Musique sans libération conditionnelle » était le titre de l’album Syliphone grand – et quatre chanté, les perles de l’album. Quatre voix différentes, trois grands chanteurs de Guinée avec une voix originale ; Mallomou Seny, Missia Sara et Sina Tolno, chanteur de soul extraordinaire qui n’a pas même vingt et enfin le joueur de kora Kelontan Cissokho, qui joue et chante dans la chanson belle Nené.

Niyo est une musique ouverte, solaire et courageuse mais ne pas oublier le son des orchestres historiques. C’est la confirmation finale que l’artiste pendant la période d’or musicale guinéenne – comme les œuvres plus récentes de Momo que Wandel ou Sekou Bembeya – avait absorbé l’atmosphère de cette période extraordinaire ; l’amour et la vitalité qui a été difficile de trouver au sein de musique de la nouvelle génération, désormais privée d’espoir. Niyo est une évolution naturelle des productions Syliphone qui documenté de musique en mouvement constant. Nous suggérons que cela comme la gorge tropicale de Mamadou Barry est la musique qui réchauffe le cœur.
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BOPOL MANSIAMINA-NOU KA SONJE

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 BOPOL MANSIAMINA-NOU KA SONJE

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 BOPOL MANSIAMINA

Bopol est né au Congo-Kinshasa en 1949.

Il est guitariste, chanteur, arrangeur et producteur. Sa carrière longue et varié comme un musicien a commencé lorsqu’il rejoint Bamboula Orchestre avec Papa Noël vingt ans plus tard, en 1969. Il a été associé à certains autres bandes, à savoir le Rock A Mambo et Afrique Fiesta Sukisa avec le Docteur Nico. Bopol a été l’un des cofondateurs de continental de l’Orchestre en 1971 et à ce stade ont commencé à composer et publié 3 singles.
Au cours de 1973 – en Bopol 1976 a été avec Afrisa de Tabu Ley puis en 1976 il a trouvé le groupe Ya Toupas avec Ray Lema et Manuaku. Il a décidé d’aller à l’Afrique de l’Ouest en 1978, rejoindre Sam Mangwana, Lokassa et Mandjeku Dizzy en Afrique All Stars tout d’abord à Abidjan, puis de Lomé. Un an après que qu’il est allé solo et a publié les albums Pitie, je veux la réconciliation, la Force de mariage et Manuela.
En 1982, Bopol réglée en France et, avec Siaran Mbenza, Nyboma et Wuta Mayi, formé les Etoiles de Quatres Les très connus. Plus tard, en 1998, il a enregistré une album, Le très directe de Bopol sur lequel il est accompagné par plusieurs autres principaux musiciens congolais.
Plus récemment a en Bopol compositeur, guitariste et producteur sur les enregistrements de Samba Mapangala, Ujumbe

(2001) et de danse et de chant (2006). L’année 2002 a été une année de beaucoup plus de succès pour Bopol, y compris en tournée avec Mose Fan du ventilateur Somo Somo en Grande-Bretagne. Bopol joué le rythme guitare sur Du Déesse Mukangi nouvel album, Lettre Anonyme, 2002 et composé de la piste de titre.
Un autre musicien Bopol a travaillé étroitement avec Ricardo Lemvo est – il a été le guitariste sur de nombreuses pistes sur de Ricardo São Salvador album, and composed ‘Manuela’ on Mambo Yoyo.

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L’ ENSEMBLE ABRICOT-NOU KA SONJE

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L’ ENSEMBLE ABRICOT-NOU KA SONJE

L’ ENSEMBLE ABRICOT
            à la bananeraie

Jean Bénéto  1re Trompette
Daniel Ravaud  
2er Trompette
Marcel Chantely-Saxo-Ténor
Raoul Lordinot -Saxo- Ténor
Roland Pierre-Charles -Piano accordéon
Alex Théodose-Bassiste-Contrebasse
Léon Bertide -guitare-Vocal
Georges Palin Timbale
Pinel Romuld-Conga
Maurice Marie Louise -chant
Marcel Ravenet -chant
Chef D’orchestre : Marcel Chantelly
Direction Musicale : Daniel RAVAUD

 1-CHONGA (Guaguanco)
Vladimir Vassilief
2- Pliché Ti Nin (Biguine)
Léon Sainte-Rose
3- SANDRA (Calypso)
The Mighty Sparrow
4- CUANCO SALI DE CUBA (Boléro)
D.R.
5- BIENVENUE ( Compas direct)
Nemour -Jean Baptiste
7- EL BOOGALOO ESTA EN ALGOS (Boogaloo)
J. Ventura
8- BAILE GUAGUANCO ( Guaguanco)
T.Fuentes
9- CONVER VERGENCIA (Boléro)
  B.Gutierrez
10- SE QUEDO BOOGALOO (Boogaloo)
H. Santos
11- EL REY (Mérengué)
Porfi Jimenez
12- FESTIVAL COMPAS (Compas direct)
Nemour -Jean Baptiste
13- PEACE AND LOVE (Calypso)
The Mighty Sparrow

L’ ENSEMBLE ABRICOT est cette formation authentiquement Martiniquaise qui en l’espace d’une Année  à conquis les plus difficiles amateurs de bonne musique.

S’étant signalé comme le meilleur de la Martinique et s’étant alors  premis de bouter hors de cette charmante île aux fleurs.des formations hétérogène,L’ENSEMBLE ABRICOT,du même coup attirait l’attention de l’éditeur de disque Raymond Célini qui n’hésitait pas à son tour de lui consacrer un super-33 Tours longue durée, le premier du genre dans les Antilles Françaises.

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Raymond Célini peut être considéré comme un orpailleur dans le domaine du disque créole,tant il possède ce flair lui permettant de découvrir de merveilleux filons… du sillon ! L’ENSEMBLE ABRICOT est pour lui-et parconséquent pour vous acheteur- une pépite qui étincelera dans votre discocothèque.

L’ENSEMBLE ABRICOT Présente dans cet album toute une gamme de rythme,de la traditionnelle biguine aux rythmes latino -américains dans une formidable puissance d’originalité qui s’écarte de tout plagiat.Maintenant cet orchestre peut se féliciter d’être à l’heure actuelle le plus valable de la Martinique et il fait date déjà.

Il y a deux manières de savourer L’ENSEMBLE ADRICOT,du nom de ce fruit aux mille sensations agréables sous le palais: On danse sans se lasser et sans l’être parce que tout est bien harmonieux ou alors,on l’écoute de longues heures,de préférence le soir,toutes lampes éteintes,entre deux grands verres de punch parfumé à …l’abricot !

Et à  ceux qui se plaisaient à dire qu’à Madinina s’il y avait des fleurs,il n’y avait pas de musiciens de talent,nous dirons qu’ils se trompaient,mais que nous ne leur en voulons point,car ils seront les premiers à applaudir ces musiciens qui savent  » chauffer »…

                                                                      Jean CHOMEREAU-LAMOTTE

                                                                       ( Septembre 1968 )

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Biguine-Nou Ka Sonjé

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 Biguine-Nou Ka Sonjé

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Biguine

La biguine est une danse et une musique traditionnelle de la Martinique née au XIXe siècle

 

Créée à Saint-Pierre, capitale de l’île de la Martinique à cette époque, par des musicien qui associèrent le bèlè traditionnel avec la polka, la biguine se développa en trois styles distincts : la biguine de salon, la biguine de bal et la biguine de rue.

Par manque de reconnaissance dans l’île, de nombreux artistes martiniquais émigrèrent à Paris. Leur musique y connut un certain succès, jusqu’à susciter l’intérêt général lors de l’Exposition Coloniale de 1931. Le 14 novembre 1935, lors de la célébration du Tricentenaire du Rattachement des Antilles à la France, l’orchestre d’Alexandre Stellio se produisit à l’Opéra Garnier devant le Président de la République, Albert Lebrun, associant ainsi la biguine a un certain prestige.

La biguine suscita un grand engouement en France dans les années 30 puis des années 40 à 60, la période de l’Occupation ayant été peu propice à l’expression des artistes antillais.

Cependant, sa popularité déclina pendant les années 1970, avec l’arrivée des rythmes cubains et surtout haïtiens dont la cadence rampa et le compas.

Les liens avec le jazz
La biguine possède de nombreux traits communs avec le jazz de la Nouvelle Orléans, et a pu influencer son développement. Ceci explique qu’à leur arrivée à Paris, de nombreux musiciens antillais tels Ernest Léardé, Robert Mavounzy, Alexandre Stellio, Al Lirvat, Emilien Antile ont intégré sans la moindre difficulté le jazz à leur répertoire, musique jouée au même titre que la biguine dans les « bals Nègres » de l’époque.

 

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Une tradition encore vivante
De nos jours, la biguine n’a plus la même renommée hors des Antilles françaises, mais elle continue d’être un style honoré voire prestigieux dans celles-ci. Dans une société en perpétuel mouvement culturel, de nombreux artistes l’actualisent en lui apportant de nouvelles sonorités. Néanmoins, elle reste souvent interprétée, en particulier dans les bals, comme elle l’était à son âge d’or.

Le groupe Malavoi est une référence parmi les musiciens actuels inspirés par la biguine, avec une composition proche de celle de l’orchestre cubain Aragon, où les instruments à cordes ont une place prépondérante. La reprise par le groupe d’un titre de Léona Gabriel, Asi Paré, avec Edith Lefel, fut très populaire aux Antilles françaises, dans les années 90. Guy Vadeleux ou Gisèle Baka sont eux aussi souvent cités parmi les artistes actuels délivrant une musique proche de la biguine d’antan.

En danse, le Ballet Pomme-Cannelle de Basse-Pointe s’est forgé une renommée mondiale en se produisant en des spectacles où ils ont fait vivre les danses traditionnelles martiniquaises et en particulier la biguine, avec une authenticité, tant dans les habits que dans les pas, qui fut souvent appréciée des spectateurs.

Sur le plan cinématographique, le film Biguine, avec en vedette Micheline Mona et Max Télèphe, retraçant l’épopée d’un couple de musiciens de biguine, connut un vif succès aux Antilles françaises, lors de sa sortie en 2004. La bande-originale contient quelques célèbres morceaux, interprétés par Micheline Mona.

Ces nombreuses références sont représentatives de l’intérêt et de l’attachement que portent les martiniquais à ce genre qui constitue l’un des principaux de leur patrimoine. Fréquemment, des spectacles de biguine sont donnés lors des manifestations culturelles organisées par les mairies, les écoles, les centres culturels, les associations ou les particuliers, sensibilisant ainsi toutes les générations à cet aspect de leur tradition.
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Les grands noms de la Biguine
•Roger Fanfant (1900-1966), musicien guadeloupéen
•Henri Debs, musicien guadeloupéen
•Alexandre Stellio (1885-1939), musicien martiniquais
•Émilien Antile, musicien guadeloupéen
•Léona Gabriel, chanteuse martiniquaise
•Al Lirvat , musicien guadeloupéen
•Robert Mavounzy, musicien guadeloupéen
•Fernand Donatien(1922-2003), musicien martiniquais
•Sam Castendet(1906-1993), musicien martiniquais
•Barel Coppet(1920-2009), musicien martiniquais
•Ernest Léardée(1896-1988), musicien martiniquais
•Gérard Laviny, musicien guadeloupéen
•Fernande de Virel, musicienne guadeloupéenne (mère de Moune de Rivel)
•Honoré Coppet (1910-1990), musicien martiniquais
•Hurard Coppet , musicien martiniquais
•Félix Valvert, musicien guadeloupéen
•Eugène Delouche (1909-1975), musicien martiniquais
•Marius Cultier, musicien martiniquais
•Paulo Rosine(1948-1993), chanteur,musicien martiniquais
•Francisco, musicien martiniquais
•Maurice Jalier, musicien martiniquais
•Loulou Boislaville(1919-2001), musicien martiniquais
•Léona Gabriel (1891-1971), chanteuse martiniquaise
•Moune de Rivel, chanteuse guadeloupéenne
•Gertrude Seinin, chanteuse martiniquaise
•Gisèle Baka, chanteuse martiniquaise
•Malavoi,groupe martiniquais
•Max Ransay musicien martiniquais
•Abel Zenon

.Eddy Gustave

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Elvin Jones-Nou Ka Sonjé

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Elvin Jones-Nou Ka Sonjé

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Elvin Jones Né le 9 septembre 1927,

Décédé le-18 mai 2004) est un batteur de jazz.

Elvin est le frère du pianiste Hank Jones (1918-2010) et du trompettiste Thad Jones (1923-1986). Célèbre pour son jeu de batterie et pour son humilité, ce musicien de jazz qui prenait chaque concert comme un nouveau défi, côtoie et joue avec Bud Powell, Charles Mingus, Jay Jay Johnson, Miles Davis, Sonny Rollins dans le début de sa carrière. Il se distingue ensuite aux côtés du saxophoniste John Coltrane dans les années 1960. Il accompagna le Duke Ellington Orchestra pendant trois jours en Europe.
Quelques années avant sa mort, il sera à la tête de son propre groupe, Elvin Jones’s Jazz Machine. Les Jazzmen reconnaissent Elvin Jones, comme l’un des plus talentueux batteurs de l’histoire du Jazz. Il influencera de nombreux batteurs, notamment son disciple et ami Christian Vander.

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Dee Dee Bridgewater -Nou Ka Sonjé

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Dee Dee Bridgewater

Dee Dee Bridgewater (né le 27 mai 1950) est un chanteur du American Jazz.

 Elle est un double gagnant de Prix Grammy chanteur-compositeur, ainsi qu’un Prix Tony – gagnante actrice de la scène et l’hôte de la National Public Radio consortial radio affichent JazzSet avec Dee Dee Bridgewater. Elle est un ambassadeur de l’Organisation des Nations Unies pour l’ alimentation et l’agriculture Organisation.

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Biographie
Né Denise Eileen Garrett à Memphis, Tennessee, elle a grandi à Flint, au Michigan. Son père, Matthew Garrett, était un trompettiste de jazz et le professeur au lycée de Manassas, et par le biais de son jeu, Denise a été exposée au jazz dès le début. À l’âge de seize ans, elle a été membre d’un rocher et rhythm’n ‘ blues trio, chant dans les clubs dans le Michigan. À 18 ans, elle a étudié à l’ Université du Michigan avant elle est allée à l’ Université de l’Illinois à Urbana-Champaign. Avec leur jazz band, elle a tourné l’ Union soviétique en 1969. L’année suivante, elle a rencontré le trompettiste Cecil Bridgewater, et après leur mariage, ils déplacés à la ville de New York, où Cecil joue Horace Silver intrabande.

Le début des années 1970, Bridgewater rejoint l’ Orchestre de Jazz Thad Jones-Mel Lewis comme la chanteuse de plomb. Cela a marqué le début de sa carrière de jazz, et elle est effectuée avec la plupart des grands musiciens jazz du temps, comme Sonny Rollins, Dizzy Gillespie, Dexter Gordon, Max Roach, Rahsaan Roland Kirk et d’autres. Effectuée au Festival de jazz de Monterey en 1973. En 1974, son premier album propre, intitulé Afro Blue, est apparu, et elle aussi effectuées sur Broadway dans la musique The Wiz. Pour son rôle de Glinda la bonne sorcière elle a remporté un Prix Tony en 1975 comme « meilleure en vedette actrice », et la comédie musicale a également remporté en 1976 Grammy Award du meilleur Album Musical Show.

Par la suite, elle est apparue dans plusieurs autres productions sur scène. Après la France en tournée en 1984 avec musicale Mesdames perfectionné, elle déplacé à Paris en 1986. La même année elle voit à la journée de Lady comme Billie Holiday, pour quel rôle qu’elle a été nommée pour le Prix de Laurence Olivier. À la fin des années 1980 et au début des années 1990, elle est retournée dans le monde de la musique jazz. Elle a participé au Festival de jazz de Montreux en 1990, et quatre ans plus tard, elle a enfin collaboré avec Horace Silver, dont elle avait longtemps admiré et sort l’album l’amour et la paix : hommage à Horace Silver. Effectue également au Festival de jazz de San Francisco (1996). Son album hommage de 1997 Ella cher lui a remporté en 1998 Grammy Award du meilleur disque de Jazz Vocal, et l’album de 1998 Live à du Yoshi valait également un prix Grammy. Effectuée à nouveau au Festival de jazz de Monterey (1998). Elle a également explorées sur c’est nouveau (2002) les chansons de Kurt Weill et sur son prochain album J’ai Deux Amours (2005), les classiques français.

Son album Rouges, publiée en 2007, comprend des thèmes inspirés par l’Afrique et les contributions de nombreux musiciens de la nation d’Afrique de l’Ouest du Mali. Effectuée au Festival de jazz de San Francisco (2007).

Le 8 décembre 2007, réalisée avec le Quintette de Terence Blanchard au prestigieux John f. Kennedy Center for the Performing Arts à Washington.  Elle tourne souvent, y compris outre-mer concert partout dans le monde. Le 16 octobre 2009, a trouvé son ouverture, le Festival de jazz de JZ Shanghai, dans lequel Dee Dee couvert une bonne partie des musiques associées Ella Fitzgerald, avec des compositions Ellington et autres standards de jazz.

En 1992, elle a invité-rôle dans un épisode de la série intitulée « La bête ci-dessous » de Highlander.

[Modifier] Vie de famille
Bridgewater est mère de trois enfants, Tulani Bridgewater (à partir de son mariage avec Cecil Bridgewater), Moïse de Chine (à partir de son mariage avec le directeur de théâtre, le cinéma et télévision Gilbert Moses) et Gabriel Durand (à partir de son mariage actuel de promoteur de concert français Jean-Marie Durand).

Sélectives des prix et reconnaissances

Historique des prix Grammy Dee Dee Bridgewater
Année Catégorie Titre Genre Étiquette Résultat Notes
1989 Meilleures performances vocal jazz – femelle Vivre à Paris Jazz MCA Candidat
1994 Meilleure performance vocale jazz Garder la tradition Jazz Polygram Candidat
1996 Meilleure performance vocale jazz Amour et paix : un hommage à Horace Silver Jazz Verve Candidat
1998 Meilleure performance vocale jazz Ella cher Jazz Verve Vainqueur
1998 Meilleur arrangement instrumental accompagnant Vocal(s) Ella cher Jazz Verve Vainqueur pour la chanson «queue de coton»
2001 Meilleur disque de jazz vocal Vivre à du Yoshi Jazz Verve Candidat
2005 Album jazz vocal J’ai Deux Amours Jazz DDB Candidat
2007 Album jazz vocal Terre rouge Jazz DDB Candidat

Prix
Bridgewater est le premier américain à être intronisé pour le Haut Conseil de la Francophonie. En France, elle a reçu le prix des Arts et des lettres. Elle a également remporté le 1975 Tony Award de la meilleure actrice en vedette dans une musique pour sa prestation dans The Wiz.

Discographie sélective
Année Titre Genre Étiquette Billboard
1974 Afro Blue Jazz Trio
1976 Dee Dee Bridgewater Disco L’Atlantique
1977 Famille juste Disco WSM
1979 Mauvais pour moi Disco Elektra
1989 Vivre à Paris Jazz EmArcy
1992 À Montreux Jazz Verve
1993 Garder la tradition Jazz Verve
1995 Amour et paix : un hommage à Horace Silver Jazz Verve 13
1997 Ella cher Jazz Verve 5
2000 Vivre à du Yoshi Jazz Verve 20
2002 C’est un nouveau Jazz Verve 7
2005 J’ai Deux Amours Jazz DDB 16
2007 Terre rouge Jazz DDB 23
2010 Eleonora Fagan (1915-1959): To Billie baisers de Dee Dee Bridgewater Jazz EmArcy

Interprètes invité
1974 « Amour From The Sun »: avec Norman Connors (Buddah records).

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Son cubain-Nou Ka Sonjé

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Son cubain

Le son est un genre musical cubain apparu entre la fin du XIXe et le début du XXe siècle.

Dérivé du Changui que Nené Manfugas a introduit à Guantánamo puis en 1882 au carnaval de Santiago de Cuba, joué à ses débuts par un trio de musiciens : un tres, un bongo et un instrument de basse (la marimbula au début).

Le son cubain est basé sur un rythme à quatre temps. Il n’a guère de parenté avec son homonyme le son mexicain.

En 1909, le service militaire devenu obligatoire, des militaires de Santiago de Cuba se rendront à La Havane et y apporteront le son où le tempo s’accélèrera, et le nombre de musiciens passera à six : Sexteto Boloña, Sexteto Occidental ; le Cuarteto Oriental devient le Sexteto Habanero.

Peu à peu, des orchestres ont délaissé le danzon pour jouer du son.

Une variante du son, le sucu-sucu, naît dans l’Île des Pins (Cuba) (compositeur le plus célèbre : Eliseo Grenet).

Dans les années 1920, un des groupes les plus célèbres est le Trio de Miguel Matamoros avec des succès comme « Mamá, son de la Loma », « El que siembra su maíz »… Il est bientôt concurrencé par d’autres, comme le Sexteto Munamar, le Sexteto Machín, qui ont légué eux aussi des enregistrements inoubliables.

En 1927, Ignacio Piñeiro crée le Sexteto Nacional, qui deviendra ensuite Septeto Nacional, ajoutant pour la première fois dans l’histoire du son une trompette comme instrument principal.
En 1928, le Septeto Nacional est la vedette de l’Exposition universelle de Séville en Espagne.
Rita Montaner qui possédait une très belle voix de soprano, avec son pianiste Ignacio Villa, le célèbre « Bola de Nieve » (Guanabacoa [Cuba], 1911 – La Havane, 1971) triomphent ensemble à Paris avec le pregón-són du pianiste cubain Moisés Simons « El Manicero ».

La mode du son gagne les États-Unis d’Amérique (là bas on l’appelle rhumba), avec « El Manisero » (The Peanut Vendor) enregistrée par Don Azpiazu et le Havana Casino Orchestra et interprétée à Broadway par Antonio Machín.

En France, ce sont Don Barreto et les Lecuona Cuban Boys qui feront connaître, entre autres, le rythme du son.

En 1930, Arsenio Rodríguez fusionne le son avec le guaganco (une des formes de la rumba) et donne naissance au son montuno (Papauba et Para bailar son montuno).

Vers 1950, Beny Moré evolue le son avec autres ritmes cubains (Castellano que bueno baila usted et Vertiente Camaguey); les portoricains vont eux aussi adopter le son. L’un deux, Ismael « Maelo » Rivera, « El Brujo de Borinquen » sera sacré « Sonero Mayor ».

Carlos Puebla, à l’encontre de la tendance à en accélérer le rythme dans les années 40 et 50, puise dans la tradition du son dans un style mélancolique et humoristique avec des arrangements simples mais subtils, tout comme Los Compadres avant lui.

Cependant à Cuba, le son ne cessera d’évoluer sans jamais véritablement renier ses racines: son évolution se fera au gré des influences musicales et technologiques qui pénètrent à Cuba. Le cha cha cha, le mambo, le songo ou la timba sont en ce sens des descendants directs du son.

À partir de la deuxième moitié des années soixante, le son va constituer la base de ce qu’on nommera, d’abord à New York, la salsa, synthèse et évolution de plusieurs rythmes cubains et portoricains.

En 1989, lors d’un festival organisé par la Smithsonian Institute, Compay Segundo chante pour la première fois « Chan Chan ».

En 1997, Ry Cooder décide de reformer un groupe de son, avec des légendes oubliées : Buena Vista Social Club. Wim Wenders en fait un film documentaire en 1999 qui remporte un large succès.
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Divers artistes, cubain contrepoint : l’histoire de son Montuno

Révision : cubain contrepoint : historique de son Montuno
Diane Gordon
Les racines de la musique de danse latine pratiquement tous sont profondément dans le sol cubain. Cubain contrepoint : historique de Son Montuno retrace ces racines vers leurs origines espagnols et africains dans la campagne cubaine avec commentaires étendue par l’autorité de musique latine Morton marques. Cette version récente de bouleuse Records comprend vingt deux coupes de matériel définitif des enregistrements de champ pour les premières œuvres par des chiffres montagneuse de musique cubaine, tels que Arsenio Rodriguez.

Le fils, qui provient de la province d’oriente de la partie orientale de Cuba, était un groupe de guitare et instruments à percussion qui a été un précurseur de la musique cubaine moderne. Fils Montuno, du mot espagnol « monte », pour la montagne, désigne le style de conduite dur ainsi nommé pour l’appel et réponse montuno section extensible, une partie essentielle de la musique latine moderne. Le guajeo, la caractéristique de vamp piano à la musique latine, également appelé montuneando, dérivé de fils montuno.

Il est tentant de comparer le Contrepoint cubaine avec les bandes de Robert Johnson-présenté beaucoup publiés par Columbia Records, il y a deux ans. Les compilations présentent la musique séminal dirigé deux styles importants de la musique africaine américaine : le blues et le fils de Cuba. Mais la musique cubaine a toujours été une synthèse des éléments africains et européens, rendu possible, en partie, par fortes similitudes entre les styles musicaux de l’Afrique de l’Ouest et l’Espagne. Comme marques souligne, début sones joués par les producteurs de tabac espagnole, appelées guajiros, a inclus une section montuno montrant que mutuel a commencé depuis le début de la colonisation cubain.

Le continuum Latin, une expression inventée par expert de musique latine John Roberts de tempête, est clairement ici. Est inclus au début des travaux par Celia Cruz et Israël « Cachao » Lopez, deux grandes figures de la musique cubaine toujours à l’avant-garde, aujourd’hui, avec le Sonora Mantancera, parmi les plus importants conjuntos pionniers établis en 1924.

Puis, il y a certaines réductions par le Cachao All Stars, dirigé par l’homme qui a introduit la descarga, la session de bourrage de style jazz à la Havane 50 dans le ‘ s, et définir ainsi le stade de l’engouement de mambo de l’Europe et l’Amérique. Et latine bass jouer n’existerait pas sans cet homme.

Cubain contrepoint : historique de Son Montuno est essentiel à l’écoute et la lecture pour les amateurs de musique latine, avec le précieux quelques réserves. S’il s’agissait d’été agréable d’avoir une musique de la Bauza de Mario 81 ans et toujours active, la connexion clée entre la musique cubaine et de jazz américain. En outre, il est uniquement passant mention dans les notes sinon exhaustives et faisant autorités sur ce qui est essentiel motif de cinq-beat – clave – l’omniprésente qui est le pilier rythmique de tous les Cubains musique. Passe le concept de jouer dans clave est donc enracinée à l’oreille cubaine qui déclarent des musiciens qui à jouer « cruzao », ou de clave, seront cause danseurs enragé éteint la parole.

Dans le cas contraire, Contrepoint cubain est un document important et magnifique de Cuba music.n

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Black Stalin-Nou Ka Sonjé

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Black Stalin

Staline noir (né le Leroy Calliste, le 24 septembre 1941) est un leader calypsonian.

Né à San Fernando, Trinité et Tobago et George Elcina Calliste, il est l’un des quatre enfants. Staline a commencé à chanter calypso en 1959, mais il ne pas rejoindre une tente de calypso jusqu’à 1962 quand il a rejoint la Brigade du Sud. En 1967, il a rejoint tente de Calypso Revue de Kitchener et réussi à placer dans concurrence Monarch Calypso cette campagne.

Staline a remporté la compétition Calypso Monarch pour la première fois en 1979 et a gagné il à nouveau en 1985, en 1987, 1991 et 1995. Il a participé au San Fernando Boys’ R.C.

En 1979, il survole de l’ombre Mighty roi de la tente d’assistants et enregistré son premier album, « L’homme des Caraïbes ». Cette même année il marchait loin avec sa première couronne de Calypso Monarch pour ses deux compositions, «Unité des Caraïbes» et « Play One ».

En 1985, il a remporté la Couronne à nouveau avec « Schisme Ism » et « Dorothy attente » et à nouveau en 1987 avec un hommage à steelband intitulé « Mr.Pan Maker » et « Bun Dem » qui peut être considéré comme le premier d’une longue lignée d’incendie brûler chansons effectuées par des chanteurs Rastafarian dans les Caraïbes.

En 1987 il a également reçu la médaille d’argent de Hummingbird pour sa contribution à la culture de Trinité-et-Tobago.

En 1991, le Staline généralement dread et critique a pris un virage gagnant et marchait immédiatement avec la Couronne Calypso monarque à nouveau, avec «Regarder sur le côté brillant» et «homme noir Feeling à partie. En 1995, il alla chutney, avec un « Tribute to Sundar Popo, en l’honneur de son ancienne chanteuse d’ami et collègue.

En 1999, il a remporté le titre de roi de Calypso du monde avec les calypsoes « Black Man Feeling pour partie » et « Vin Boy », c’est-à-dire le plaisir à l’homme politique Dhanraj Singh.

Staline noir est devenue m. Leroy Calliste le 31 octobre 2008, lorsqu’il a été conféré avec un doctorat honorifique de l’Université des Antilles, Saint-Augustin pour son dévouement extraordinaire et sa contribution à la musique Calypso et culture à Trinidad et Tobago.

Références
Sando célèbre avec Black Staline.. .popular Barde devient 60 aujourd’hui-Joseph de Terry.
UWI, remise des diplômes de Saint-Augustin 2008

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Odetta -Nou Ka Sonjé

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 Odetta -Nou Ka Sonjé

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Odetta Holmes, (31 décembre 1930 – le 2 décembre 2008) appelée Odetta,

 A été un chanteur américain, actrice, guitariste, auteur-compositeur et un activiste des droits de l’homme, souvent appelé « La voix de la Civil Rights Movement ». Son répertoire musical se composait en grande partie de la musique américaine de folk, blues, jazz et spirituals. Un important figure dans le renouveau de la musique de folk américaine des années 1950 et 1960, elle était influent musicalement et idéologiquement d’entre les chiffres clés de la Renaissance-folk de l’époque, y compris de Bob Dylan, Joan Baez, Mavis Staples et Janis Joplin.

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Biographie 

 Carrière
Odetta est né à Birmingham, en Alabama, a augmenté à Los Angeles, en Californie, évolua Belmont au lycée et a étudié la musique à Los Angeles City College, tandis que les employés comme un travailleur domestique. Elle avait une formation Opéra depuis l’âge de 13 ans. Sa mère à espérer qu’elle entraînerait Marian Anderson, mais Odetta douter qu’une grande fille noire exécuterait jamais au Metropolitan Opera.  Sa première expérience professionnelle dans le théâtre musical en 1944, comme un membre de l’ensemble pour quatre ans avec le Hollywood Théâtre de marionnettes de revirement de situation, aux côtés d’Elsa Lanchester ; elle rejoint plus tard la société tournée nationale de la musique Rainbow du Finian en 1949.

En tournée avec Rainbow du Finian, Odetta « est tombé dans un groupe enthousiaste de jeunes balladeers à San Francisco », et après que 1950 concentré sur folksinging.

Elle a fait son nom en jouant à travers les États-Unis: à l’Ange bleu nuit (New York City), le affamés je (San Francisco) et Tin Angel (San Francisco), où elle et Larry Mohr enregistrement Odetta et Larry en 1954, pour Fantasy Records.

Une carrière soliste suivi, avec Ballads de Sings Odetta et Blues (1956) et À la porte de Horn (1957). Odetta Sings Folk Songs était l’un des albums de musique folk Best-seller de 1963.

En 1961, Martin Luther King, Jr. lui oint « La Reine de la musique de folk américain ».  La même année le duo Harry Belafonte et Odetta fait # 32 dans le UK Singles Chart avec la chanson est un trou dans mon pot. N’oubliez pas de nombreux américains ses performances à la marche de la circulation droits civils 1963 à Washington où elle chantait «Liberté O.»  Elle a examiné sa participation au mouvement des droits civiques comme étant «un des privés dans une très grande armée».

Élargir sa portée musicale, Odetta utilisé bande arrangements sur plusieurs albums plutôt que de jouer seul et musique lancé une plus « jazz » style de musique sur les albums comme Odetta et les Blues (1962) et Odetta (1967). Elle a donné une performance remarquable en 1968 au concert commémoratif Woody Guthrie et a été interrogée par Milton Okun pour sa compilation de chansons certaines d’ouverture de session sur! (New York : MacMillan Co.)

Odetta a également agi dans plusieurs films pendant cette période, y compris les Vacances Cinerama (1955), le film de William Faulkner sanctuaire (1961) et L’autobiographie de Miss Jane Pittman (1974).

Son mariage à Dan Gordon et Gary Shead a pris fin en divorce. Chanteur-guitariste Louisiana Red était un ancien compagnon.

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Carrière ultérieure
En mai 1975, elle semblait sur Say Brother programme la télévision publique, exécution « Give Me Your main » dans le studio, en plus de parler sur sa spiritualité, la tradition de musique d’où elle a attiré et son implication dans les luttes droits civils.

En 1976, Odetta effectuée dans l’opéra bicentenaire US « Être heureux puis Amérique » par John LaMontaigne, comme la Muse pour l’Amérique ; avec Donald Gramm, Richard Lewis, le choeur de Penn State University et l’ Orchestre symphonique de Pittsburgh. La production a été réalisée par Sarah Caldwell, qui a été le directeur de la compagnie d’Opéra de Boston dans le temps.

Odetta publié seulement deux albums de nouveau dans la période de 20 ans depuis 1977-1997 : Movin It On, en 1987 et une nouvelle version de Noël Spirituals, produites par Rachel Faro, en 1988.

Au début de 1998, elle re-focused ses énergies sur l’enregistrement et de tournée et sa carrière a pris une résurgence majeure. Le nouveau CD De Ella (enregistré en direct et dédié à son vieil ami Ella Fitzgerald lors de l’audience de son passage avant de marcher sur scène), a été publié en 1998 sur Silverwolf Records, suivie de trois nouvelles versions sur m. Records, qui cimenté un partenariat avec le pianiste, arrangeur/producteur Seth Farber et le producteur de Mark Carpentieri, y compris : Blues partout je Go, un 2000 Grammy nommée blues/jazz band hommage album pour les chanteurs de blues de grande Dame des années 1930 ; les années 1920 à la recherche d’un logement, un 2002 W.C. Handy prix nommé hommage de la bande à Belly principal ; et le 2007 Grammy nommée Gonna Let It Shine, un album live de l’Évangile et spirituelles des chansons pris en charge par Seth Farber et The Holmes Brothers. Ces nouveaux enregistrements et un monde actif tournée calendrier créé à la demande de son apparence star invité sur quatorze albums de nouveau d’autres artistes (entre 1999 et 2006) et la republication de quarante‑cinq anciens albums de Odetta et apparences de compilation.

Le 29 septembre 1999, le Président Bill Clinton a présenté Odetta avec National Endowment for the Arts ‘ National Medal of Arts. En 2004, Odetta a été honoré au Kennedy Center avec le « prix Visionary » avec un spectacle hommage par Tracy Chapman. En 2005, la Bibliothèque du Congrès a honoré lui avec son « prix légende vivre ».

Le 2005 film documentaire No Direction Home, dirigé par Martin Scorsese, souligne son influence musicale sur Bob Dylan, l’objet du documentaire de. Le film contient un élément d’archive de Odetta exécution « Waterboy » à la télévision, en 1959, et nous aussi entendre les chansons de Odetta « Mule Skinner Blues » et « No More enchères bloc pour me ».

En 2006, Odetta ouvert montre pour la chanteuse de jazz Madeleine Peyroux, et en 2006, elle a tourné les US, Canada, Europe et accompagné de son pianiste, qui comprenait présentée par l’Ambassade des États-Unis en Lettonie comme le conférencier lors d’une conférence des droits de l’homme, mais aussi dans un concert historique de 1 000 ans, salle de guilde Maza de Riga. En décembre 2006, la Winnipeg Folk Festival honoré Odetta avec leur « Lifetime Achievement Award ». En février 2007, The International Folk Alliance décerné Odetta comme «Traditionnel populaire artiste de l’année.»

Le 24 mars 2007, un concert hommage à Odetta a été présenté au théâtre Schlesinger Rachel par l’Association mondiale de la musique folk vivent avec performances et hommages vidéo par Pete Seeger, Madeleine Peyroux, Harry Belafonte, Janis Ian, Sweet Honey dans le rock, Josh White, Jr., (Josh White #Posthumous honore) Peter, Paul Marie, Oscar marque, Tom Rush, Jesse Winchester, Eric Andersen, Gravy ondulé, David Amram, Roger McGuinn, Robert Sims, Carolyn Hester, Donal Leace, Marie Knight, côte à côte et Laura McGhee (de l’Écosse).

En 2007, son album Gonna Let It Shine a été nominé pour un prix Grammy, et elle a réalisé un tour de concert automne majeur dans le spectacle « Les chansons de l’esprit », qui comprenait des artistes de partout dans le monde. Elle a tourné autour d’Amérique du Nord à la fin 2006 et début 2007 pour prendre en charge ce CD.
 

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 Tour final
Le 21 janvier 2008, Odetta a été le Président de la Conférence à commémoration de Martin Luther King, Jr. San Diego, suivie des spectacles de concert à San Diego, Santa Barbara, Santa Monica et Mill Valley, en plus d’être la seule invité de la soirée sur PBS-TV Smiley Tavis The Show.

Sur les 2 et 3 mai 2008, Odetta marquait le Festival Oberlin College Folk dans Oberlin, Ohio, où elle a parlé de sa vie au CAT dans le café crème et a donné un concert dans la Chapelle Finney.

Odetta a été honoré le 8 mai 2008 à une soirée hommage historique,  hébergé par Gravy ondulé. Effectué compagnons musiciens David Amram, Guy Davis, Vincent Cross et Christine Lavin ; cinéastes D. a. Pennebaker et Chris Hegedus ont assisté au concert, tenu à Macintosh Jim dans l’ East Village.

En été 2008, à l’âge de 77 ans, elle a lancé une autre tournée en Amérique du Nord, avec des concerts à Albany, New York et d’autres villes, chant fortement et en toute confiance dans un fauteuil roulant. Son jeu ces dernières années inclus « cette petite lumière de la mine (je suis Gonna Let It Shine) »,  du Leadership Belly « le Blues Bourgeois »,  (Un intérieur) SO de fort « , » parfois je Feel Like un enfant Motherless « et » maison du soleil levant « .
Elle a fait une apparence particulière sur le 30 juin 2008, The Bitter End sur Bleecker Street, New York City pour un concert hommage de Liam Clancy. Elle a ouvert le spectacle avec parfois I Feel Like a Child Motherless et terminé le premier ensemble avec un duo avec Clancy où ils chantait Blowine dans le vent. Sa voix forte a été très bien en evidence lors de sa dernière pièce solo, Quelque chose à l’intérieur si fort. La finale a vu son sur scène avec Clancy, Tom Paxton, Shane MacGowan, entre autres.

Son dernier « grand concert, » avant des milliers de personnes, a été le 4 octobre 2008, pour le Hardly Strictly Bluegrass Festival dans le Golden Gate Park de San Francisco.  Elle dernier effectuée à la salle de Hugh à Toronto le 25 octobre.

En novembre 2008, santé de Odetta a commencé à diminuer et elle a commencé à recevoir des traitements à l’Hôpital de Hill Lenox à New York. Elle espérait à effectuer à l’inauguration du Barack Obama sur le 20 janvier 2009,

Le 2 décembre 2008, Odetta mourut de maladie cardiaque à New York.

À son service commémoratif en février 2009 au Riverside Church à New York, les participants inclus Maya Angelou, Pete Seeger, Harry Belafonte, Geoffrey porte-outil, Steve Earle, Sweet Honey dans le rock, Peter Yarrow, Tom Chapin, Josh White, fils (fils de Josh White), Emory Joseph, Annie Chamaesyce, le chœur de chambre du lycée technique de Brooklyn et hommages Tavis Smiley et Joan Baez enregistrées sur une bande.

Influence
Odetta influencé des générations d’artistes, de Bob Dylan à Bruce Springsteen.

Harry Belafonte «dénommée lui une influence clée »sur sa carrière musicale.
Bob Dylan, qui dit, « la première chose qui m’activée au chant folklorique était Odetta. J’ai entendu un enregistrement de Sienne [Ballads de Sings Odetta et Blues] dans un magasin de record, arrière lorsque vous écoutez pourriez là des enregistrements dans le magasin. Droit puis et là, j’ai sorti et négociés ma guitare électrique et l’amplificateur pour une guitare acoustique, un plat-top Gibson. … [Cet album était] juste quelque chose de vital et de personnel. J’ai appris toutes les chansons sur cet enregistrement. C’était sa première et les chansons étaient:- »Mule Skinner », Waterboy « , Valet de carreau « , » (I’ve Been) ‘ Buked et (j’ai été) bafoué « .
En 1965, Odetta a enregistré un album de Dylan couvre, Dylan Sings de Odetta.
Joan Baez dit « Odetta était une déesse. Sa passion déplacé me. J’ai appris tout qu’elle chantait.»
Janis Joplin – « Janis passé la plupart de son adolescence à Odetta, qui était aussi la première personne Janis imitée lorsqu’elle a commencé à chanter à l’écoute ».
Thomas Winslow et sa fille Thomasina Winslow, les musiciens de Blues, annonçait son influence à leur musique. [citation nécessaire]
Poète Maya Angelou disait «si seulement un pourrait être certain que tous les 50 ans une voix et une âme comme Odetta viendrait le long, les siècles passerait vite et douleur nous serait difficilement reconnaître temps.»
Origine de John Waters scénario pour Hairspray elle mentionne comme une influence sur les beatniks.
Carly Simon cite Odetta comme une influence majeure et parle de « faibles de cours dans les genoux » quand elle a eu l’occasion de rencontrer dans Greenwich Village
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Discographie
De plus amples informations : Discographie Odetta
[Modifier] Filmographie
Titre de film ou du programme Info Année
Vacances Cinerama Film 1955
Lampe soit mes pieds. TV 1956
Ce soir avec Belafonte TV/musical variétés (Emmy Award) 1959
Toast de la ville. TV [ 30 ] 1960
Sanctuaire Drame  1961
Ont des armes à feu – Will Travel
épisode 159/226: «le retrait de Aaron Gibbs» Téléfilms [ 32 ] 1961
Les grues Spectacle TV/Talk/variétés. 1965
Festival film documentaire  1967
En direct depuis la fin de Bitter TV – concert 1967
Ville de clown
mettant en vedette Odetta & Bobby Vinton NBC musique spécial 1968
Dick Cavett afficher TV/Talk/variétés. 1969
Le show de Johnny Cash Variétés de TV/musical. 1969
Le spectacle de Virginia Graham TV  1971
L’autobiographie de Miss Jane Pittman Film TV 1974
Soundstage : Just folks
avec Odetta, Tom Paxton, Josh White, Jr. et Bob Gibson TV – concert spécial 1980
Rambline : Avec Odetta TV – concert spécial 1981
Cordes de la renommée doc.  1984
Parade de grâces de Macy 1989
Boston Pops
avec Odetta, Shirley Verrett et chœur de garçons de Harlem TV – concert 1991
Tommy Makem & amis TV – concert 1992
Le feu suivant le temps Film TV  1993
Revirement de situation
L’histoire de la se Yale doc.  1993
Odetta : Femme en (A) mouvement TV allemande – concert spécial 1995
Pierre, Paul et Mary : Lifelines TV  1996
National Medal of Arts et les Letteres Présentations C-Span TV 1999
La ballade de Jack Ramblin’ Drame  2000
W.C. annuel XXIe Handy Blues Awards Remise des prix  2000
Chansons pour un monde meilleur TV – concert spécial 2000
Plus tard… avec Jools Holland
avec Odetta et Bill Wyman & son rythme Kings BBC-TV. 2001
Politiquement Incorrect avec Bill Maher TV talk show 2001
Late Night with David Letterman Show TV/Talk/variétés. 2001
Oxygène pur TV – Talk Show 2002
Newport Folk Festival TV – concert spécial 2002
Janis Joplin : Pièces de mon cœur BBC-Biographie de TV spécial 2002
Get Up, Stand Up :
L’histoire de la pop et la contestation doc.  2003
Tennessee Ernie Ford Spectacle Variétés de musique TV (Re-Broadcast) 2003
Ralph Bunch : Une odyssée américaine PBS-Biographie de TV 2003
Frère Outsider : Vie de Bayard Rustin Biographie de PBS-TV. 2003
Présentation des prix visionnaire Présentation du prix PBS-TV. 2004
Foudre dans une bouteille – Salute pour le blues. doc. 2004
Aucune Direction Home. doc. 2005
Parler de Bob Dylan Blues BBC-TV concert spécial 2005
Odetta : Blues Diva PBS-TV concert spécial 2005
Odetta : Viss Notiek TV letton Journal hebdomadaire 2006
Un hommage aux professeurs d’Amérique Spécial de PBS-TV: Concert à l’hôtel de ville, New York
Odetta chante pot-pourri de chanson pour enfants de « Rock Island Line / Here We Go Looptie-Lou / Bring Me Little Sylvie de l’eau » 2007
Le Show Tavis Smiley Discussion de PBS-TV et les performances de la chanson «Conserver sur Movin It On» 25 Janvier 2008.
Scène de montagne HD: John Hammond, Odetta et Jorma Kaukonen PBS-TV concert spécial 2008
Selon Odetta BBC quatre entrevue et concerts de métrage, 30 min  6 Février 2009
Le jaune bittern Un Biopic de Liam Clancy, les frères Clancy 2009

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The Coasters-Nou Ka Sonjé

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The Coasters-Nou Ka Sonjé

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The Coasters

The Coasters sont un américain, Rhythm and Blues / rock and roll vocal groupe qui avait une chaîne de correspondances dans la fin des années 1950. Leurs chansons plus mémorables commençant par « Searchine » et « jeune sang », ont été écrits par l’équipe de productrice de Leiber et Stoller et la chanson, présenté par. Bien que les Coasters provient en dehors du grand public doo wop, leurs enregistrements ont été imités si souvent qu’ils deviennent une partie importante de la wop doo hérité dans les années 1960.

Histoire
Précurseurs des Coasters ont été Les Robins, un groupe de base rhythm and blues de Los Angeles, qui comprenait Carl Gardner et Bobby Nunn. Les membres d’origine des Coasters, qui a formé en octobre 1955, étaient afro-américains Carl Gardner, Billy Guy, Bobby Nunn, Leon Hughes (qui a été remplacé par le jeune Jessie sur un couple de leurs premiers enregistrements de Los Angeles) et le guitariste Adolph Jacobs. Jacobs quitte le groupe en 1959.

L’équipe de la chanson, présenté par Jerry Leiber et Mike Stoller avait démarré Spark Records et en 1955 produit « De Smokey Joe café » pour les Robins (leur 5ème unique avec Leiber-Stoller). L’enregistrement a été assez populaire que Atlantic Records offert Leiber et Stoller un contrat de production indépendante pour produire les Robins pour l’étiquette de l’Atlantique. Seuls deux de la Robins ‑‑ Gardner et Nunn ‑‑ étaient prêts à faire le déplacement en Atlantique, enregistrement leurs premières chansons dans le même studio, comme l’avait fait le Robins (enregistreurs de Master). En fin de 1957, le groupe déménagea à New York et remplacé Nunn et Hughes avec Obie Jesse et Will « Dub » Jones. Le nouveau Quatuor était dès lors stationné à New York (bien que tous ont des racines de Los Angeles).

Association des Coasters avec Leiber et Stoller a été un succès immédiat. Ensemble, ils ont créé une chaîne de hits good-humored « storytelling » qui sont le plus divertissant de l’époque d’origine du rock and roll. Leur premier single, « vers le bas au Mexique », était un R&B hit en 1956 et s’affiche (dans un réenregistrement de 1970 – toujours avec Gardner chantant le plomb) sur la bande sonore de Quentin Tarantino Mort. L’année suivante, The Coasters franchi pour les cartes nationales de manière big avec le recto-verso « jeune sang » / « Searchine ». Searchin a été frappé américain premier Top 10 du groupe et un les graphiques R&B 13 semaines, devenant le plus grand unique R&B de 1957 (toutes ces données ont été enregistrées à Los Angeles).

« Yakety Yak » (enregistré à New York), mettant en vedette King Curtis tenor saxophone, inclus la célèbre gamme de Gardner, Guy, Jones et de Gunter, est devenu uniquement nationale # 1 seul la loi et également un graphique R&B. Le prochain single, «Charlie Brown», atteint # 2 sur les deux tableaux. Cela a été suivie de « Along Came Jones », « Poison Ivy » (1 # pendant un mois sur le graphique R&B) et « Little Egypt (Ying Yang) ».

Modification des saveurs populaires et quelques modifications de la gamme, ont contribué à un manque de succès dans les années 1960. Pendant ce temps, Billy Guy était également travailler sur solo projets, ce chanteur de New York Vernon Harrell a été intentée pour remplacer Guy pour les spectacles de la scène. Membres ultérieure incluent Earl « Speedo » Carroll (plomb de The Cadillacs), Ronnie Bright (la voix basse sur de Cymbale Johnny « M. Bass Man »), Jimmy Norman et guitariste Thomas « Accolade » Palmer. Les Coasters signé avec l’étiquette de date du Columbia Records en 1966, mais ils n’ont jamais pu regagner leur ancienne gloire. Les Coasters avaient une entrée graphique mineur avec « Love Potion n° 9″ en 1959. En Grande-Bretagne, une publicité TV de Volkswagen 1994 utilisé du groupe « Désolé mais je suis Gonna Have To Pass » suivre, qui conduit à un placement graphique mineures dans ce pays.

Le groupe a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 1987, les membres de la configuration de 1958-ère de crédit. Les Coasters rejoint également le de la renommée du groupe vocal en 1999.

Plusieurs groupes utilisé le nom dans les années 1970, en tournée partout au pays, bien que Carl Gardner, unedes l’origine Coasters, tenue les droits juridiques. Gardner a continué à tour avec les Coasters et a fait plusieurs tentatives pour arrêter les fausses groupes sans connexion au groupe original d’utiliser le nom. A fin 2005 fils de Carl Carl Gardner, Jr. pris plus comme principal avec le groupe, lorsque son père retraité. Les Coasters 2008 : Carl Gardner Jr., Ronnie Bright, Alvin Morse, J.W. Lance et Thomas Palmer (gtr), avec Sr Gardner comme entraîneur.

Comme de 2009, tous les autres original membres du groupe, à l’exception de Leon Hughes et Carl Gardner, mortes. Certains anciens membres a subi une fin tragique. Saxophoniste et « cinquième Coaster » King Curtis a été poignardé à mort par deux junkies en dehors de son immeuble en 1971. Cornelius Gunter a été abattu à mort lors de la séance dans un parking souterrain de Las Vegas en 1990. Nate Wilson, un membre d’un des groupes de Coasters de Gunter offshoot, a été prise et son corps démembrée en 1980.

Ancien gestionnaire Patrick Cavanaugh a été reconnu coupable du meurtre après que Wilson menacé d’informer les autorités de l’intention du Cavanaugh pour acheter des meubles avec les chèques volés. Bien que Cavanaugh a été reconnu coupable du meurtre et étant donné la peine de mort en 1984, sa peine a été commuée à la vie en prison. Il mourut en 2006, dans la Prison d’état Ely du Nevada. Cavanaugh a 60.

Les Coasters continuent d’apparaître régulièrement sur les spectacles « rétro » et PBS spéciaux comme anciens favoris et sont disponibles pour les réservations.

La liste d’accès ci-dessous est Top Singles de Joel Whitburn de r & b et les positions de pop, publiées dans livre du projet de loi Millar « The Coasters » (1975).

À la fin juin, 2007 autobiographie « Carl Gardner : Yakety Yak je Fought Back – ma vie avec le Coasters de Carl Gardner » a été publié à AuthorHouse. Le 28 août 2007 Leiber-Stoller des Coasters produites enregistrements pour date/roi 1966-1972 a été publié sur un CD de Varèse Vintage (Varèse Sarabande), intitulé « Accueil bas » (302 066 844 2)- et le 12 décembre 2007, les enregistrements Atco complètes 1954-1966 ont été publiés sur un Rhino Handmade CD 4 – set, intitulé « est une Riot Goine sur : la ATCO ON de dessous » (Rhino RHM2 7740).

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 Héritage

Répertoire des Coasters a eu un impact significatif sur les artistes de rock des années ‘ 60 et ‘ 70 s. Par exemple, Leon Russell effectuée « jeune sang » lors du concert pour le Bangladesh en 1971, imitant l’arrangement du groupe de la chanson avec quatre voix solo différents ; Cody commandant et son aviateurs de Planet perdu enregistré « Riot dans la cellule bloc no 9 des Robins, » alors que Les Beach Boys enregistré une version de 1971 avec des paroles révisées par le chanteur du groupe Mike Love, intitulé «Étudiants démonstration temps.» Le chanteur de nouveauté Que Ray Stevens atteint n° 27 sur le pop U.S. simple graphique avec un remake 1969 de «Along Came Jones.» Elvis Presley inclus « Little Egypt » dans la piste audio pour son film 1964 roustabout. The Rolling Stones inclus « Bas Accueil Girl » comme une piste de l’album sur leur album U.S. 1965 Right Now. The Monkees atteint no 10 sur le graphique de singles Cashbox avec un remake de «D.W. Washburn.» Plusieurs chansons Coasters faisaient partie des Beatles ‘ répertoire avant le British art rupestre du groupe a commencé sa carrière d’enregistrement ; George Harrison est parmi les chanteurs sur l’enregistrement direct de Leon Russell susmentionné. The Grateful Dead de même effectué plusieurs chansons Coasters à ses débuts, même si cela a été influencé par un week-end en 1965 dans lequel il (pendant encore appelé Warlocks The) servi pickup bande pour les Coasters à un salon à Belmont, en Californie. Lorsque les Beach Boys et Grateful Dead rejoint sur scène pour effectuer un bref à Est Filmore la ville de New York, ils effectuée « Searchine » et «Émeutes dans le bloc de cellules n° 9.» De nombreux groupes ont enregistré «Poison Ivy.»

Hits des Coasters comprenant également une partie importante de la partition de la chanson pour la revue musicale de 1994 Smokey Joe du café, une rétrospective des chansons Leiber & Stoller qui ont reçu un prix Grammy et sept nominations Tony Award après ses débuts à Broadway 1995. Leur chanson « Baby, c’est le rock and roll » a servi à titre principal de recueil de poésies une biographie/lyriques de chansons Leiber & Stoller et un documentaire de télévision Bravo sur les compositeurs.

En outre, les chansons Coasters et les Coasters eux-mêmes ont été référés à par ultérieurement les musiciens populaires. Frank Zappa référencé le groupe dans les paroles de la chanson « État précédent Baby » sur son deuxième album, Véritablement libre. Sly Stone intitulé un no 1 frappé album 1971 par son groupe Sly & the Family Stone après la ligne balise « Riot dans le bloc de cellules nº 9″: il est une Riot Goine. Le folksinger David Bromberg cité de « Little Egypt » dans sa chanson 1972 «Sharon.» Paolo Nutini couvre régulièrement les Coasters [bas au Mexique] au cours de spectacles vivants.

 Enregistrement des équipes

 

La gamme d’origine (octobre 1955-1957) :

 

Carl Gardner, plomb
Bobby Nunn, bass
Billy Guy, baryton
Leon Hughes, ténor
Adolph Jacobs, guitare (à partir de 1956)
Jessie Young (subst. pour Hughes sur une session 1957)
La gamme classique (1958 – milieu 1961) :

Carl Gardner, plomb
Billy Guy, baryton
Cornell Gunter, ténor
Sera « Dub » Jones, bass
Albert « Sonny » Forriest, guitare (remplaçant Adolph Jacobs de 1959 précoce)
La gamme qualitative (moyenne 1961-1967) :

Carl Gardner, plomb
Billy Guy, baryton
Sera « Dub » Jones, bass
Earl « Speedo » Carroll, ténor
Thomas « Curley » Palmer, guitare (à partir de 1962)
Vernon Harrell (subst. pour Billy Guy sur scène pendant mi-fin des années 1960)
La gamme Renaissance (1968-1979) :

Carl Gardner, plomb
Earl « Speedo » Carroll, ténor
Billy Guy, baryton (jusqu’à 1973)
Jimmy Norman, baryton (à partir de 1973, en l’absence de 1979)
Ronnie Bright, bass
Thomas « Curley » Palmer, guitare
La gamme de résurrection (1980-1997) :

Carl Gardner, plomb
Jimmy Norman, baryton
Ronnie Bright, bass
Thomas « Curley » Palmer, guitare
La gamme actuelle (1998 – présent) :

Carl Gardner, plomb (entraîneur de 2006)
Alvin Morse, baryton (novembre 1997 – septembre 2008)
Primotivo Candelara, baryton (depuis octobre 2008)
Carl Gardner Jr., ténor (en l’absence de juillet 2001-novembre 2004 ; responsable de 2006)
J. w. lance, ténor (à partir de juillet 2001)
Ronnie Bright, bass (jusqu’à novembre 2009)
Eddie Whitfiled, basse (à partir de novembre 2009)
Thomas « Curley » Palmer, guitare
Hit singles graphique

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MANO RCI 

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Quincy Jones-Nou Ka Sonjé

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 Quincy Jones-Nou Ka Sonjé

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Quincy Jones
Plaisir de Quincy Jones, Jr. (né le 14 mars 1933),

c’est une musique américaine, chef d’orchestre, producteur, arrangeur musical, film compositeur, producteur de télévision et trompettiste. Au cours des cinq dernières décennies dans l’industrie du divertissement, Jones a gagné un Grammy Award enregistrement 79 les nominations,  Grammys, y compris un Grammy Award de la légende en 1991. Il est surtout connu comme le producteur de l’album thriller, par une icône pop Michael Jackson, qui a vendu plus de 110 millions d’exemplaires dans le monde entier,  et que le producteur et le chef d’orchestre de la chanson de bienfaisance « nous sommes le monde ».

En 1968, Jones et son partenaire de la chanson, présenté par Bob Russell est devenu les premiers afro-américains désignés pour un Academy Award dans la catégorie « Meilleure chanson originale ». La même année, il est devenu le premier afro‑américain à être désigné deux fois dans l’année même où il a été nominé pour le « Best Original résultats » pour son travail sur la musique de 1967 film En sang froid. En 1971, Jones recevraient l’honneur de devenir le premier américain de pays africains d’être nommé directeur et chef d’orchestre musical de la cérémonie des Oscars. Il a été le premier afro‑américain pour gagner de l’ERA Jean Hersholt prix d’action humanitaire, en 1995. Il est lié avec le concepteur sonore, Willie Burton de d. comme l’américain de pays africains plus désignés par Oscar, chacun d’eux ayant sept nominations. Au pari Awards 2008, Quincy Jones a été présenté le prix humanitaire. Il a été joué par Larenz Tate dans le biopic de 2004 à propos de Ray Charles, Ray.

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Contenu 
1 Enfance
2 Carrière musicale
3 Travaux avec Michael Jackson
4 Travail avec Frank Sinatra
5 Vie personnelle
6 Activisme social
7 Récompenses et reconnaissance
8 Media apparences
9 La culture brésilienne
10 Pays africains américains de vies
11 Discographie
12 Voir aussi
13 Références
14 Liens externes

Début de vie
Jones est né à Chicago, le fils aîné de Sarah Frances (née Wells), un complexe d’appartements gestionnaire et l’exécutif de banque qui souffrait de schizophrénie et plaisir Quincy Jones, SR., semi-professional, joueur de baseball et Charpentier.  Jones découvert la musique à l’école de grade à Raymond Elementary School sur le côté du Sud de Chicago et a repris la trompette. Lorsqu’il était 10, sa famille déplacé vers Bremerton, Washington et il lycée de Garfield d’assistées Seattle. Il était à Seattle répondant Jones tout d’abord les plus âgés de trois ans (mais toujours teenage) Ray Charles. Puis, il fréquenta Somerset Academy. [citation nécessaire]

En 1951, Jones a remporté une bourse d’études à l’ Assemblée Schillinger (maintenant Berklee College of Music) à Boston, Massachusetts. Toutefois, il a abandonné ses études lorsqu’il a reçu une offre de tournée comme un trompettiste avec le chef d’orchestre Lionel Hampton. Alors que Jones était sur la route avec Hampton, il affiche un cadeau pour l’organisation des chansons. Jones déplacé à New York, où il a reçu un certain nombre de commissions freelances en organisant des chansons pour des artistes comme Sarah Vaughan, Dinah Washington, Count Basie, Duke Ellington, Gene Krupa et son ami intime de Ray Charles.

Carrière musicale
En 1956, Jones a tourné à nouveau en tant que trompettiste et directeur musical de la bande de Dizzy Gillespie sur un tour du Moyen-Orient et d’Amérique du Sud, parrainé par l’ United States Information Agency. À son retour aux États-Unis, Jones a obtenu un contrat de ABC-Paramount Records et a commencé sa carrière d’enregistrement comme le leader de son propre orchestre. Jones s’est déplacé à Paris, France en 1957. Il a étudié la composition de musique et de théorie avec Nadia Boulanger et Olivier Messiaen. Il a également effectué à l’ Olympia de Paris. Jones est devenu directeur musical à Disques Barclay, le distributeur français pour Mercury Records et pendant les années 1950, Jones a tourné avec succès dans toute l’Europe avec plusieurs orchestres de jazz. Il a formé son propre groupe appelé « Le Jones Boys », qui comprenait des grands jazz Eddie Jones & trompettiste collègue Reunald Jones et organisé une tournée en Amérique du Nord et Europe. Bien que la visite a été un succès critique, planification budgétaire pauvre a un désastre économique et les retombées Jones à gauche dans une crise financière. Cité dans le musicien magazine, Jones a parlé de son épreuve, nous avait la meilleure bande de jazz dans la planète, et pourtant nous avons faim littéralement. ‘S quand j’ai découvert qu’il y avait la musique qu’il y avait de musique. Si je devais survivre, j’aurais d’apprendre la différence entre les deux.» Irving Green, tête de Mercury Records, obtenu Jones sur ses pieds avec un prêt et une nouvelle tâche comme directeur musical de la division de New York de la société. En 1964, Jones a été promu vice-président de la société, devenant ainsi le premier pays africains américains à détenir une telle position.

En 1963 Jones a permis de découvrir le chanteur Lesley Gore et certains de ses plus grands hits, y compris « c’est mon parti » produites. En 1964 Jones, à l’invitation du réalisateur Sidney Lumet, a commencé à composer un des premiers des 33 scores cinématographiques majeurs, il serait éventuellement écrire. Le résultat est le score pour Le Pawnbroker.

Jones a démissionné de Mercury Records et déplacé à Los Angeles pour composer des scores film à temps plein. Certains de ses compositions ont été pour les films de la marche, Don ‘ T Run, In Cold Blood, Thread Batrachoseps le, Dans la chaleur de la nuit, Bob & Carol & Ted & Alice, qui en vedette Merrilee Rush effectuant un couvert de Burt Bacharach classique « que le monde faut-il Now Is Love », Cactus fleur, L’escapade, Le travail italien et La couleur Purple. Il a également marqué pour la télévision, y compris le montre Roots, Ironside, Sanford et fils, et The Bill Cosby Show, ainsi que la musique thème pour Le nouveau Bill Cosby Show intitulé « Changements Chump, » qui servirait plus tard comme le thème pour le spectacle de jeu Now You See It.

Dans les années 1960, Jones a travaillé comme arrangeur pour certains des artistes plus importants de l’époque, y compris les Frank Sinatra, Ella Fitzgerald, Peggy Lee et Dinah Washington. Solo de Jones enregistrements également recueillies acclamer, y compris Walking dans l’espace, Gaula Matari, Smackwater Jack et Ndeda, vous êtes Got It Bad, girl, Chaleur de l’administration, Mellow Madness et j’ai entendu que.

Il est bien connu pour sa chanson 1962 « âme Bossa Nova », qui provient de l’album de Big Band Bossa Nova. « Âme Bossa Nova » a été un thème pour la Coupe du monde dans la 1998, le spectacle de jeu canadien Définition, le film de Woody Allen prendre l’argent et exécuter et le film de Mike Myers Austin Powers : International Man de mystère et fut échantillonné par groupe de rap canadien Dream Warriors pour leur chanson, « Mon définition d’un Boombastic Jazz Style ».

Jones, 1981-album The Dude a donné plusieurs singles hit, y compris les Ai No Corrida (un remake d’une chanson par Chaz Jankel), « Juste une fois » et « One Hundred Ways, » qui en vedette James Ingram sur chant de plomb et marqué premiers succès du Ingram.

En 1985, Jones a marqué l’adaptation cinématographique de Steven Spielberg de La couleur Purple. Il et Jerry Goldsmith (de Twilight Zone : The Movie) sont les seuls compositeurs outre John Williams d’avoir marqué un film de Spielberg théâtral. Après la cérémonie de American Music Awards de 1985, Jones a utilisé son influence pour attirer les plus grands artistes américain d’enregistrement de la journée dans un studio de fixer la piste «nous sommes le monde» à recueillir des fonds pour les victimes de la famine de l’Éthiopie. Lorsque les gens marveled à sa capacité de présenter la collaboration travail, Jones a expliqué qu’il avait demandé à afficher un simple signe sur l’entrée: «Vérifier votre Ego At The Door».

À partir de la fin des années 1970, Jones tenté de convaincre Miles Davis à re-perform la musique qu’il avait joué sur plusieurs albums classiques qui avaient été organisés par Gil Evans dans les années 1960. Davis avait toujours refusé, citant un désir de ne pas revenir sur le passé. En 1991, Davis, puis souffrent de pneumonie, ravisé et convenu effectuer la musique lors d’un concert au Festival de jazz de Montreux. L’album résultant de l’enregistrement, Miles & Quincy Live à Montreux, était dernier album publié de Davis (il mourut plusieurs mois par la suite) et est considéré comme un triomphe artistique.

En 1993, Jones a collaboré avec David Salzman pour produire l’extravagance de concert Une réunion américain, une célébration de l’inauguration de Bill Clinton comme président des États-Unis. En 1994, Salzman et Jones ont formé la société Quincy Jones/David Salzman Entertainment (QDE) avec Time/Warner Inc. QDE est une société diversifiée qui produit de technologie des médias, images animées, des programmes de télévision (Dans la maison, Le Prince de bel-air frais et MADtv) et magazines (Vibe et Spin).

En 2001, il a publié son autobiographie, Q:l’autobiographie de Quincy Jones. Le 31 juillet 2007, Jones en partenariat avec Wizzard Media pour lancer le Podcast de vidéo Quincy Jones. [ 7 ] Dans chaque épisode, Jones partage ses connaissances et son expérience dans l’industrie de la musique. Le premier épisode fonctionnalités Jones dans le studio, produisant « Knew j’aimait vous I » de Céline Dion, qui est en vedette sur le Ennio Morricone album hommage, Nous tous Love Ennio Morricone. Également noté permettant de produire des CD de Anita Hall : amour envoyer qui sort en 2009

[Modifier] Travail avec Michael Jackson
Lorsque vous travaillez sur le film The Wiz, Michael Jackson a demandé Quincy recommander certains producteurs pour son enregistrement solo à venir. Il a offert Michael certains noms, mais Michael finalement demandé si il souhaite lui permettant de produire son enregistrement. Michael a répondu qu’il aurait, et le résultat, Off le mur, a vendu environ 20 millions d’exemplaires et fait Jones le producteur d’enregistrement plus puissant dans l’industrie. Collaboration prochaine de Jones et Jackson que thriller a vendu un million de 110 réputés copie et est devenu l’album de vente plus élevés de tous les temps. [ 8 ] Jones a également travaillé sur l’album de Michael Jackson Bad, qui a vendu à 32 millions d’exemplaires. Après l’album Bad, Jones recommandé Jackson à Nouveau Swing de Jack inventeurs Teddy Riley et Babyface afin de Jackson pourrait « jour » son son.

Dans une interview de 2002, lorsque Jackson a demandé si il aurait jamais travailler avec Jones encore il a répondu « la porte est toujours ouverte ». Toutefois, en 2007, lorsque NME.COM demandé Jones une question similaire, il dit « homme Veuillez, j’ai assez de faire. Nous avons déjà. J’ai parlé à lui travailler à nouveau avec lui, mais j’ai aussi beaucoup à faire. J’ai 900 projets, je suis âgé de 74 ans. Me donner une pause ».

Après la mort de Jackson sur 25 juin 2009, Jones a dit :“ Je suis absolument dévastée à cette nouvelle tragique et inattendue. Pour Michael à prendre loin nous donc soudainement à un jeune âge, je ne suffit les mots. Théologie réuni sur Le Wiz nos âmes et nous a permis de faire ce que nous avons pu dans les années 80. À ce jour, la musique, nous avons créé ensemble sur Off The Wall, thriller et Bad est jouée dans tous les coins du monde et la raison pour cela est parce qu’il avait il…, tous les talents, de grâce, de professionnalisme et de dévouement. Il était l’animations ballerines et ses contributions et héritage est ressentie sur le monde pour toujours. J’ai perdu mon petit frère aujourd’hui, et la partie de mon âme a disparu avec lui. ” 

Travail avec Frank Sinatra
Jones d’abord travaillé avec Frank Sinatra lorsqu’il a été invité par la Princesse Grace à organiser un concert-bénéfice au Monaco Sporting Club en 1958. [ 10 ] Six ans plus tard, Sinatra embauché lui d’organiser et d’effectuer des deuxième album de Sinatra avec Count Basie, il peut être aussi bien Swing (1964). Jones menée et disposées album live de 1966 avec la bande Basie, Sinatra aux sables. [ 11 ] Jones était également l’arrangeur et chef d’orchestre lorsque Sinatra, Sammy Davis, Jr., Dean Martin et Johnny Carson effectuent avec l’Orchestre de Basie à Saint-Louis en un avantage pour la maison Dismas en juin 1965. Le reconnue a été diffusé à un certain nombre d’autres théâtres dans tout le pays et finalement libérée sur DVD.  Plus tard cette année, Jones était également l’arrangeur et chef d’orchestre lorsque Sinatra et Basie est apparu sur l’émission télévisée sur le 16 octobre 1965, « The Hollywood Palace ». [ 13 ] Dix-neuf ans plus tard, Sinatra et Jones alliée pour 1984 L.A. Est mon Lady, après un projet conjoint des Sinatra – Lena Horne a été abandonné.

 

Vie personnelle
Jones n’a jamais appris à conduire, citant un accident dans lequel il a été un passager (à l’âge de 14 ans) comme la raison.  Jones a été marié à trois reprises et a sept enfants :

à Jeri Caldwell depuis 1957 à 1966 ; ils ont une fille, Jolie Jones Levine.
pour Ulla Andersson de 1967 à 1974 ; ils ont deux enfants, Martina Jones et fils Quincy Jones III ;
à l’actrice Peggy Lipton de 1974 à 1990 ; ils avaient deux filles, actrices Kidada Jones et Rashida Jones.
Jones a également eu une brève affaire avec Carol Reynolds et eut une fille, Rachel Jones.
Jones datée et vécu avec l’actrice Nastassja Kinski, de 1991 à 1995. En février 1993, leur fille Kenya Julia Miambi Sarah Jones est né.
Activisme social
Activisme social de Jones a commencé dans les années 1960 avec son soutien de Dr. Martin Luther King Jr. Jones est un des fondateurs de l’Institut pour Black American Music (IBAM) dont les événements visent à mobiliser suffisamment de fonds pour la création d’une bibliothèque nationale d’art afro-américaine et la musique. Jones est également un des fondateurs du Festival des Arts noir dans sa ville natale de Chicago. Pendant de nombreuses années, il a travaillé étroitement avec Bono de U2 sur un certain nombre de questions philanthropiques. Il est le fondateur de la Quincy Jones Listen Up Foundation, un organisme sans but lucratif qui relie les jeunes avec la technologie, l’éducation, la culture et de la musique. Un des programmes de l’organisation est un échange interculturel entre les jeunes défavorisés de Los Angeles et l’Afrique du Sud.

En 2004, Jones a contribué à lancer le projet nous sommes l’avenir (WAF), qui donne aux enfants dans les régions pauvres et conflit-fait une chance de vivre leur peuvent et développer un sentiment d’espoir. Le programme est le résultat d’un partenariat stratégique entre le Glocal Forum, Quincy Jones Listen Up Foundation et Hani Masri, avec le soutien de la Banque mondiale, agences des Nations Unies et les grandes entreprises. Le projet a été lancé avec un concert à Rome, en Italie, en face d’un public de moitié-millions-personne.

Jones prend en charge un certain nombre d’autres organismes de bienfaisance, notamment le NAACP, GLAAD, Jeux de la paix, AmfAR et La Fondation Maybach.  Jones fait également partie du comité consultatif de HealthCorps. Le 26 juillet 2007, il a annoncé son endossement de Hillary Clinton pour le Président. Mais avec l’élection du Barack Obama, Quincy Jones a dit que sa conversation suivante « avec le Président Obama, [sera] à mendier pour un secrétaire des arts, »  invitant la circulation d’une pétition sur Internet demande Obama pour créer une telle position cabinet-niveau dans son administration.

En 2001, il devient membre honoraire du Conseil d’administration de Fondation de l’Amérique de jazz. Jones a travaillé avec Jazz Foundation of America pour enregistrer les maisons et la vie des musiciens de jazz et blues âgées d’Amérique, y compris ceux qui ont survécu Ouragan Katrina.

Récompenses et reconnaissance
De plus amples informations : liste de Quincy Jones des récompenses et distinctions
Media apparences
Jones avait un caméo dans la vidéo pour la chanson Puff Daddy « été autour du monde » de 1997 (comme « oncle Q »). La même année, Jones a fait un caméo dans la vidéo pour la chanson « Triumph » par Wu-Tang Clan. Rappeur Ludacris échantillonnés « âme Bossa Nova » de Jones pour son 2005 unique « numéro un spot ». Jones a été en vedette dans la vidéo ; qu’il exerçait également un caméo dans Austin Powers dans Goldmember, qui également en vedette « âme Bossa Nova » sur la piste. Jones avait une brève apparition dans la vidéo pour la chanson The Time « Jerk Out » de 1990. Jones a été une étoile invité sur un épisode de The Boondocks dans lequel il et le personnage principal, entreprend de Freeman, co-produit une pièce de Noël pour les écoles élémentaires du Huey. Il est apparu avec Ray Charles, dans la musique vidéo de leur chanson ‘ une monnaie Julep ‘ et également avec Ray Charles et Chaka Khan dans la vidéo de la musique de leur chanson, « I ‘ ll Be Good vous ».

Quincy Jones a accueilli un épisode de la longue NBC esquisse comédie show Live de nuit de samedi 10 février 1990 (saison du BN 15 [la saison 1989–1990]). L’épisode a été remarquable pour avoir dix invités musicales [ 22 ] (la plupart n’importe quel épisode de BN a jamais eu dans ses 30 ans sur les ondes): Tevin Campbell, Andrae Barty, Sandra Crouch, rappeurs Kool Moe Dee Big Daddy Kane, Melle Mel, Quincy D III, Siedah Garrett, Al Jarreau et prendre 6 et une performance de « Manteca du Dizzy Gillespie » par la bande BN (menée par Quincy Jones, lui-même).  Jones emprunt également Marion Barry d’identité dans l’esquisse alors récurrents, « The Bob Waltman spécial ». Quincy Jones serait plus tard producteur pour son propre spectacle de comédie esquisse : MADtv de FOX.

Jones est apparu dans le film de Walt Disney Pictures Fantasia 2000, présentation de la pièce de jeu de George Gershwin Rhapsody in Blue.Le 10 février 2008, Jones a présenté aux Grammy Awards. Il a présenté Usher Album de l’année à Herbie Hancock.

Le 6 janvier 2009, Quincy Jones a comparu sur Dernier appel avec Carson Daly pour discuter des différentes expériences au sein de sa carrière prolifique du NBC. Également discuté était la notion informelle de Jones devient le premier ministre de la culture pour les États-Unis — après l’inauguration en attente de la 44e président des États-Unis, Barack Obama. Carson Daly indiqué aux États-Unis comme étant un des seuls leader mondial pays, ainsi qu’avec l’Allemagne, à exclure cette position du gouvernement national. Cette idée a également été soumis à la discussion plus approfondie sur NPR et chronique de l’enseignement supérieur.

Le 12 décembre 2009, Jones effectuée à une réception privée pour les employés du dôme Alamo, à San Antonio, Texas USAA.

Culture brésilienne
Jones est un grand admirateur de la culture brésilienne et un film sur le Carnaval du Brésil est parmi ses projets récents: «l’un des événements plus spectaculaires spirituelles sur la planète»;  Simone, dont il cite comme «l’un des plus grands chanteurs world´s»,  Ivan Lins,  Milton Nascimento et Gilson Peranzzetta, «l’un des cinq plus grands producteurs arrangement du monde» stand comme fermer les amis et partenaires dans ses œuvres récentes.

African American Lives
Article détaillé : Vie African American
Pour la télévision de PBS 2006 du programme Américain de l’Afrique de vies, Jones avait son ADN testé ; les résultats trouvés d’Afrique de l’Ouest / Afrique centrale d’ascendance de descente de Tikar.

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Discographie
Article détaillé : Discographie Quincy Jones
Voir aussi
Liste des coups d’un numéro de danse (Etats-Unis)
Liste des artistes qui atteint le numéro un sur le graphique de danse US
Références
1.^ http://News.BBC.co.uk/2/HI/Americas/1510034.stm
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8.^ [1]
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11.^ (Jones), pp. 179–83.
12.^ Direct et Swingine : The Ultimate Collection Rat Pack, semblait R2 73922, 2003 (CD & DVD)
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16.^ Quincy Jones : famille et compagnons, films de Yahoo!
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18.^ John Schaefer entrevue avec Quincy Jones sur Soundcheck, le 14 novembre 2008.
19.^ Suzanne Perry, « une pétition en ligne demande Obama pour créer le secrétaire de la position des Arts », le 26 novembre 2008
20.^ « DeadlineHollywoodDaily ». DeadlineHollywoodDaily . http://www.deadlinehollywooddaily.com/should-US-have-Minister-of-the-Arts/ . Récupérée 2009-07-18.
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26.^ Télévision brésilienne, Rede Bandeirantes, 2006, Flash programme]
27.^ « » AllBrazilianMusic  »,  » Ivan Lins de A à Z  »». 18-10-2000 Allbrazilianmusic.com. . http://www.allbrazilianmusic.com/en/interview/interview.asp?Status=MATERIA&Nu_Materia=954 . Récupérée 2009-07-18.
28.^ « » LuaMusic.com  »». Luamusic.com.br . http://www.luamusic.com.br/alaide.htm . Récupérée 2009-07-18.
29.^ « Érudit aide noirs américains trace famille Roots: NPR ». NPR <!. 2008-02-06. . http://www.NPR.org/Templates/Story/Story.php?storyId=18741109 . Récupérée 2009-07-18.
Liens externes
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Site d’officiel Quincy Jones
Archives de la télévision américaine entrevue
Interview de mixage : Quincy Jones
Masters américain – Quincy Jones : l’histoire d’un musicien américain
Quincy Jones sur l’ Internet Movie Database
Association for Computing Machinery Entrevue vidéo avec Quincy Jones
Quincy Jones discours sur l’importance de la diplomatie culturelle dans le monde entier, Beijing, Chine, le 26 mai 2006.
Extraits vidéo de histoire orale de Quincy Jones à le projet national de leadership visionnaire
Clip vidéo du discours de Quincy Jones sur l’éducation à l’Institut film pour les ordinateurs de ACM 2006 dans des bourses d’études de divertissement (4 novembre 2006)

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 King Curtis

Curtis Ousley (Février 7, 1934 – 13 août 1971), qui a effectué sous le nom de stade Roi Curtis, était un américain saxophone virtuose connu pour rhythm and blues, rock and roll, soul, funk et soul jazz. Un chef de file de bande diversement, membre de la bande et musicien de session, il a été également directeur musical et producteur. Adepte au saxophone soprano, alto et ténor, il était surtout connu pour son distinctif riffs et les solos comme sur « Yakety Yak », qui plus tard devint l’inspiration pour Randolph bottes de « Yakety Sax » et son « Memphis Soul Stew ». 

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Carrière
King Curtis a commencé à jouer le saxophone à l’âge de douze dans la zone de Fort Worth. Il a intérêt à plusieurs genres musicaux, y compris de rhythm and blues, jazz et la musique populaire. Comme un étudiant poursuivant la musique il tourna vers le bas de bourses d’études du Collège afin de rejoindre la bande des Lionel Hampton.  Pendant son temps avec Lionel Hampton, il a réussi à écrire et à organiser la musique et à apprendre la guitare.  En 1952, Curtis a décidé de passer à New York et est devenu un musicien de session, enregistrement pour ces étiquettes de prestige, bonne, Capitol et Atco. Il a eu la chance d’enregistrer avec Nat Adderly et Wynton Kelly,  Buddy Holly et Andy Williams.

Stylistiquement, Curtis a pris inspiration de saxophonistes Lester Young, Louis Jordan, Illinois Jacquet, Earl Bostic et Gene Ammons.  Connu pour son style syncopée et percussion, il était versatile et puissant comme un musicien. Il a réuni un groupe pendant son temps comme un musicien de session notamment Richard Tee, Cornell Dupree, Jerry Jemmott et Bernard Purdie.

Déplacer dans Rock
King Curtis apprécié de jouer de jazz et de rock, mais a décidé qu’il rendrait plus d’argent comme un musicien de rock. Depuis les années 1950 jusqu’à ce que le milieu des années 1960, il a travaillé comme un joueur de session, enregistrement sous son propre nom et avec les autres comme les Coasters, avec qui il a enregistré «Yakety Yak.» Buddy Holly lui engagé pour la session de travail, au cours de laquelle ils enregistrement « Reminiscing ». Ses singles les plus connus de cette période sont « Soul Twist » et «Soul Sérénade.»

En 1965, il a déplacé pour Atlantic Records et enregistré son plus grand succès singles, « Memphis Soul Stew » et « Ode à Billie Joe » (1967). Il a travaillé avec Les Coasters, conduit la bande de sauvegarde de Aretha Franklin The Kingpins. Les Kingpins ouvert pour les Beatles au cours de leurs performances en 1965 au Shea Stadium. Curtis produit des enregistrements, souvent travailler avec Jerry Wexler et enregistrées pour Groove Records au cours de cette période.

En 1970, il est apparu avec Aretha Franklin et Le roi broches sur Aretha Live à Fillmore West et un autre enregistrement, Roi des Live Curtis À la Fillmore West, qui comprenait une version de « Memphis Soul Stew » et couvre de Led Zeppelin « Whole Lotta Love » et de Stevie Wonder « signé, sceller, livré je suis vôtre ». La gamme de ces spectacles inclus : orgue Hammond joueur Billy Preston, bassiste Jerry Jemmott, guitariste Cornell Dupree, Pancho Morales (percussions), batteur Bernard Purdie « Pretty » et Les cornes de Memphis. Une couverture de Whiter Shade of pale de Procol Harum «  » a été prélevée sur cet album et utilisée comme la musique de titre dans le culte britannique de film de comédie, Withnail & I. En juillet 1971, Curtis enregistrées saxophone solos sur « c’est si dur » et « Je Don ‘ T Wanna Be une maman soldat je Don ‘ T Wanna Die » partir de John Lennon imagine.
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Mort
Vers minuit le 13 août 1971,  Curtis vers son appartement brownstone sur Ouest 86th Street à New York a été lugging une unité de climatisation lorsqu’il a remarqué deux junkies utilisaient des drogues sur les étapes à son domicile. Lorsqu’il a demandé à quitter, un argument a commencé.  Rapidement, l’argument est devenu chauffé et transformé en une poing-lutte avec l’un des hommes, 26 – ans Juan Montañez. Soudain, Montañez sorti un couteau et poignardé Curtis dans la poitrine. Curtis a réussi à wrestle le couteau absent et poignarder son agresseur quatre fois avant la réduction. Montañez échelonnées loin de la scène et Curtis a été pris à l’ Hôpital de Roosevelt, où il mourut de ses blessures moins d’une heure plus tard.

Montañez a été arrêté à l’hôpital même pour que Curtis avaient été prises. Lors de l’enquête sur le meurtre des agents de police a appris qu’un autre homme avait été admis à l’hôpital de Roosevelt à coups de couteau dans le même temps que Curtis, ils ont rapidement réalisé que les deux événements ont été connectés. Montañez a été inculpé de meurtre de Curtis et ensuite condamné à une peine d’emprisonnement.

Le jour des funérailles de Curtis Atlantic Records fermé leurs bureaux.  Jesse Jackson administré le service, et comme les mourners déposés, band de Curtis ‘Le Kingpins’ a joué « Soul Sérénade ». Parmi ceux présents ont été Aretha Franklin Cissy Houston, Brook Benton, Duane Allman.  Franklin a chanté la clôture spirituel « Never Grow Old » et Stevie Wonder effectuée « Abraham, Martin & John et maintenant King Curtis ».

Curtis fut enterré par la suite un rouge de granit – crypt mur fronted dans le mausolée ‘Ouest Galerie de Cour Forsythia’ à Pinelawn parc Farmingdale, New Jersey, même cimetière qui détient jazz grands Count Basie et John Coltrane.

Prix
En 1970, Curtis a remporté la Meilleure Performance instrumentale r & b Grammy pour « jouer des jeux People ».

Curtis a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame le 6 mars 2000.

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 Discographie 

King Curtis
Les bonnes années cinquante vieux (1959)
Ont sax tenor, Will Blow (1959)
Azur (1960)
King Soul (1960)
Réunion de l’âme (1960)
Partie heure (1961)
Difficulté à l’esprit (1961)
Old or (1961)
Train de nuit (1961)
Doin ‘ Le Twist Dixie (1962)
Pays Soul (1962)
Twist d’âme et d’autres classiques d’or (1962)
C’est le temps de la partie (1962)
Best of (1962)
Sérénade Soul (1964)
Hits joue faite par Sam Cooke (1965)
Ce sentiment Lovin ‘ (1966)
Vivre au paradis du petit (1966)
Jouent les grands succès de Memphis (1967)
Memphis Soul Stew (1967)
Esprit doux (1968)
Sax en mouvement (1968)
Groove instantanée (1969)
Tout le monde Talkin (1970)
Préparez-vous (1970)
Blues à Montreux (1971)
[Modifier] King Curtis et les Kingpins.
King Size Soul (1967)
Éternellement, Soul (1968) avec la Shirelles
Soul Twist (1962) avec les nuits nobles
Vivre à Fillmore West (1971)

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Krosfyah-Nou Ka Sonjé

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 Krosfyah-Nou Ka Sonjé

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Krosfyah

Krosfyah est une bande Soca de le île des Caraïbes, de la Barbade.

Ils sont plus connus pour leurs coups « Bourrage de route », « Pump Me Up » et « Sak Passe ». Formé en 1989 par Edwin Yearwood, cette bande est l’une des bandes Soca plus connus et les plus réussies de la Caraïbe.

Les joueurs de l’équipe de krosfyah sont comme suit :

1. Edwin Yearwood Lead Vocalist/ Songwriter
2. Anthony Bailey Guitarist/ Vocalist/ Songwriter
3. Khiomal Nurse Vocalist/ Songwriter
4. Mario Burnett Bassist
5. Neil Burnett Drummer
6. Antonio Rudder Keyboardist
7. Corey Jordan Keyboardist
8. Ronald Taylor Sound Engineer
9. Aynsley Greaves Monitor Engineer
10. Paul Reynolds Tour Sales Executive
11. Andrew Weekes Barbados Sales Executive
12. Michael Agard Managing Director
13. Felix Forde Tour & Support Services Manager
14. Ingrid Holder P.R Manager/ Corporate Secretary

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SOCA n’a jamais été aussi cool ! Bottes de combat, des vêtements amples, brillamment colorés bandanas shachihoko dreads funky et coloré ‘ fros ; krosfyah incarne la fraîcheur. Combiné avec des mélodies infectieuses, comprennent des spectacles et des rythmes lancinants qui parlent une langue de seul hanches, krosfyah a réinventé soca telle que nous la connaissons.

Depuis quinze ans, krosfyah a été tournée du monde incitant les fans sur trois continents dans une frénésie soca ! Pourtant, malgré sophomore CD le groupe (partie intégrale – Pump Me Up) ventes (totalisant plus de 300 000 unités à ce jour sans l’aide d’une étiquette majeure), les gars restent humbles. Comme Edwin Yearwood, auteur-compositeur principal pour krosfyah indique, «nous sommes juste un tas de mecs île qui aiment à jouer de la musique.» Et la musique de jeu est exactement ce qu’ils font. Si amusant 20 ou 20 000, krosfyah toujours offre une performance de tension !

L’évolution des krosfyah de jouer des couvertures pour les touristes sur circuit hôtel de la Barbade à la tournée du monde et l’exécution de leur musique originale pour dignitaires comme Nelson Mandela s’est produite sur une période de sept ans. Tandis que quelques critiques a jamais douté le potentiel de krosfyah, plus jamais imaginé ce niveau de succès, dans un laps de temps aussi.

En 1994, krosfyah ont publié leur premier album, « Partie intégrale », qui a propulsé le groupe de l’obscurité à la bande soca populaire sur le île de la Barbade et leur remporté le titre convoité « bande de l’année ».

En 1995, le groupe a publié « Ultimate partie-pompe Me Up ». Non seulement a fait cet album produire la chanson hit, «Pump Me Up », qui est devenu l’hymne national pour les jeunes de la Barbade, mais il s’est rendu sur les mers au Canada où il atteint le statut Or convoité en janvier 1997. Comme vous le lire, il continue de recevoir des excellentes ventes et des examens dans les Caraïbes, en Amérique du Sud, les États-Unis et en Europe, tandis que toujours trouver son chemin dans nouveaux marchés internationaux. L’album Plaça sans précédent des honneurs lors de son chanteur de plomb Edwin Yearwood: « Partie Monarch », « Route Monarch Champion » et « Calypso roi » en 1995. La victoire de triple-couronne par un artiste marquera la première et la fois seulement pour la date, de l’histoire de l’annuel cultures au Festival des Barbade, qu’un tel exploit jamais a été accompli.

En 1996, le succès de troisième album du krosfyah, «Haut but», a conduit à des prix plus. L’album a également réalisé la chanson hit, « Wet Me », qui a dominé le graphique de la musique dans le île voisine de Trinidad et Tobago.

1997 a exposé un six piste cd, intitulé « Fyah Riddims », 3 tunes depuis que l’album avait une bonne exécute, ceux étant «Bloc de route», « Route un vol » & « Rachat de me ». Noël de cette année était un album de 6 piste intitulé « Fyahside Noël », avec les favoris tels que « My Sweet Lord », « No Noël Without You », « Fils de Jah », « Fin du lien » et «Fête».

1998

En 1998, krosfyah est apparue depuis le studio avec un nouvel album, « Hot Zone » et un nouveau chanteur de file, Ray Armstrong. « Hot Zone », comme l’ensemble de ses prédécesseurs, produites hit chansons comme « Pompage des hydrocarbures », « Calor » & « Appetite » qui a permis à la bande à tour entre les États-Unis et l’Europe à des vitrines de la musique et les festivals.

1999

Comme si ne pas d’être arrêté, krosfyah publié encore un autre album « krosfyah.com » en 1999 avec succès comme « Agony » (qui a vu Edwin Yearwood couronné Monarch partie de 1999 pour la troisième fois), « Ragga Beenie », « Forkin », « Be-sa-me » et de « Corps Sexy », au nom de quelques.

2000

L’an 2000 s’est avérée pas différent. Krosfyah marqué leur retour au festival culturel du leur patrie – cultures sur – avec un autre exploit remarquable. Chanteur principal avec la bande, m. Edwin Yearwood, a remporté son quatrième titre de partie Monarch avec la piste ‘Fiah Fiah’, qui est en vedette sur son premier album solo « Influencées par : la bonne et bajoutez en me ». Cet album a été publié aux côtés krosfyah propre « The Best of krosfyah vol. 1″. Cette compilation de correspondances dans le passé et y compris deux nouvelles pistes, continue à démontrer musical ingéniosité de krosfyah.

2001

Le retour à rogner sur pour krosfyah en effet s’est avéré pour être l’une de leurs meilleures décisions jamais. Suivant la tendance des dernières années, krosfyah publié encore un autre album primé pulsatoire. «Kool Under Fire», le nom de l’album, est un titre de raccord pour cette bande jamais dynamique. Le succès de cet album comprend l’optimisation de la Barbade 2001 Road mars, ‘Sak Pasé’, qui a été chanté par Edwin et l’infirmière Khiomal effervescent, qui rejoint également la bande, la même année. «Émancipation »(un autre habilement logé et convenablement intitulée chef-d’œuvre qui reflète notre liberté, et certains saveur espagnol dans »Amor Plenty ». Ces chansons certainement ajoutera à la poursuite du succès du groupe.

2002

Un souscrirais que tout sera bon et il y aura mauvaise. Toutefois, le succès est fourni lorsque vous réalisez parmi elle que tous vous pouvez avoir la situation « Verrouiller bas ». album de 2002 du krosfyah est certainement un témoignage de la puissance de la volonté de relever haut. Les fonctionnalités d’album le réglage de la Barbade de la culture placer troisième chanson « Bourrage de route », avec rapidement rythme hits, « Fire Man » et « Ride It » et des titres cool « Satisfaction » et « Ling Tong ». Guitariste plomb Anthony Bailey, a débuté son album solo intitulé « Occultées Message » la même année, un cd de 20 piste qui doit être entendu.

2003

Polyvalence de Krosfyah continue à être évident même dans leurs titres de l’album. «Enchanté », simple mais la réflexion est le titre de l’album de 2003. Le flava est cool, rafraîchissante et totalement krosfyah (toujours réaliste et leurs fans et partisans). Une chanson « Famille » a été écrit spécifiquement pour leurs fidèles partisans, en particulier ceux qui fréquente le babillard électronique sur le site Web du krosfyah. Incluent les autres chansons « French Kiss » mettant en vedette une mélodie aromatisée française et un certain nombre de ragga-soca appelé « Désolé ».

2004

« Zéro tolérance », c’est le titre de l’album de 2004, qui parle clairement contre, piratage de musique, drogues et la violence. C’était sans aucun doute l’attitude qui la bande et M. Edwin Yearwood a eu tout au long de la finale du monarque partie, de laquelle Edwin a remporté pour la cinquième fois, avec une chanson intitulée « Invasion », parmi les nombreuses musiques populaires hors de l’album. Avec les autres occurrences comme « Strong précédente » et « Pression » par Khiomal, Keep Rolling It »et la douce mélodie de canne à »sucre », qui a placé 2e dans Monarch Final le populaire. Cet album est encore un autre exemple classique de musicalité pure.

Pour son 15e anniversaire, le 31 décembre 2004, la bande mises encore un autre chef-d’œuvre classique, « The Best of Krosfyah Vol. 2″ et d’ajouter que la cerise sur le gâteau, responsable des interprètes et interprète de la bande, M. Edwin Yearwood, a récemment signé un accord d’album 6 avec VP Records – Division de musique waistline, étant la première Soca agir pour être signée à cette étiquette. Avec l’accroissement de la présence de Soca dans le marché international et le genre d’être entrés dans le Grammy Awards, le meilleur est encore à venir de cet musique maestro et sa bande.

2005

2005 introduit suite encore un autre chef d’oeuvre musical intitulé « Timeless ». Entre les mains du temps rouler par la musique obtient seulement mieux avec l’âge, avec un mélange solid des artistes invités comme Bunji Garlin sur le tous à bord remix, Friendz mettant en vedette Lil Rick et les années 1980 remake du rock en Éthiopie, mettant en vedette Adonija, cet album est certain de remplir votre musique pallate pendant de nombreuses années à venir, les chansons de signature « Chef Gone », « Yardie Graduate » et « Sweetest Thing » mis en nomination pour le meilleur Ragga Soca de l’année 2005 et un des plus demandés pour la saison et ont remporté, sont quelques des mémoires sur cet album « Timeless ».

2006

Il y a rien comme « Sweet seize », et qui est où krosfyah à EN2006, ils célèbrent leur 16e anniversaire en grand style, avec une piste 14 album intitulé « Jamais flamboyant » et gagner « Bande de l’année » à la Barbade Music Awards avec Mega Hits – « Bienvenue à la bande », « Nous prêt à aller », les dames tune – « Agua », « No Wall fleurs », « Hotspot », « Naufrage Sand », « Elle a Got It avoir » et plus « Nothing doux », qui sont simplement un échantillon de la fyah qui va faire fondre vos oreilles, comme ils enflamment une fois de plus votre âme avec un EverBlazing Fyah. Vous avez juste à avoir cet album, car il n’y a rien Sweeter. Tony Bailey a également remporté un prix Best Ragga Soca unique hommes au premier annuel Barbade Music Awards pour la bande avec sa chanson soca ragga «Sweetest Thing.»

2007

Une année va assurer par rapide, un dans la foulée de # 1 d’un grand succès 2006 album, Barbade bande est « Fire insonorisées » pour 2007 tous, gagnant « bande de l’année » & Edwin – « Hommes Entertainer de l’année ». Soul SOCA tunes, tels que « It Feels comme », « All my Life », « C’est en tenant sur », « Got ce Feeling », « Supérieur » et « Les Jâh est votre Light » sont quelques à ajouter dans les salles de la Soca. Hits Fiery raconter les histoires de « Bashment Bacchanal », je dire mercis certains cause plus, avez « Got ce Feeling » et « Where I Wanna Be ». C’est la Soca ou Die pour cette bande célébrant 18 ans au 31 décembre 2007.

2008

« Le voyage » continue comme cette bande original nips rapprocher pour son 20ème anniversaire. De la même façon à 1995 lorsque trois couronnes ont remporté, 2008 s’est avéré pour être pas différent, avec Khiomal gagner la partie Monarch avec Unleash la bête et qu’il l’a fait, tandis que Edwin capturé la route mars Tune avec « Handle ya Bizniz » & monarque populaire l’avec « Nah Missin Me », qui a un bruit de krosfyah de signature d’une pompe me up et a été un grand favori à la maison et à l’étranger. La bande a remporté « Bande de l’année » & Khiomal – « Hommes Entertainer de l’année ». Parler à un album bien arrondi, vous écoutera à chaque phase du début à la fin et demander d’où le reste ? Vous pouvez être pris avec un « bon GAL», «dans un bourrage » « So Like » et « Nous Chippin »"Till Morning » avec »mon meilleur ami », « Début de folie » et « Gestion ya Bizniz », « C’est mon Carnaval » et « Nah Missin Me ». Cheenatonah tout le monde !

2009

«Kings of the Groove» est certainement un titre de raccord, avec un autre hôte de Tunes qui restera dans l’histoire. Edwin a pris Monarch titres la route mars & populaire encore une fois avec la chanson hit uptempo « in de milieu ah de route », et la bande a remporté « Bande de l’année », « Bande de la décennie », tandis que Edwin a eu « Hommes Entertainer de l’année » & « Best Uptempo Soca unique – mâle » au 5ème annuel Barbade Music Awards 2010. Le « Carnaval sur my Mind », « Toute nuit long », « Trouble », « Elle est Going vers le bas », entre autres, permet à comprendre pourquoi ils sont appelés « Les rois de Groove ».

S’il est vrai, que krosfyah sont « juste un tas d’insulaires qui aiment à jouer de la musique », joueurs de krosfyah (Edwin Yearwood, Anthony Bailey, infirmière Khiomal, Corey Jordan Neil Burnett, Antonio Rudder et Mario Burnett) chaque ajout, un ingrédient unique à leur musique magique.

2010
Krosfyah honoré par NCF pour 20 ans contribution 3 août 2010 08 h 35

LA bande Krosfyah a été honoré par le ministère de la culture et de la Fondation nationale de la culture, le dimanche soir pour leur contribution de 20 ans de musique barbadien.

Dans ce qui était, mais un autre point important dans une année de célébration, la bande marquait Digicel Red Hot Cohobblopot cette année exécution – en 40 minutes – d’entre les coups passées et présentes. Par la suite, ministre du développement communautaire et de la Culture Steve Blackett, flanqué de Knight de Kenneth NCF président et CEO Dr Donna Hunte-Cox, ont la bande une sentence «Icônes musicales» pour leur contribution à la croissance de la culture locale.

Krosfyah membres Felix Forde et Mike Agard fondateurs, a déclaré que le geste était une touchante.

«Il s’agissait d’une touchante au nom de la NCF ; c’est formidable de voir le ministère de la culture à se derrière nous,» a déclaré Agard.

Constatant que la bande a déjà effectué dans Saint-Vincent, Antigua, St Maarten, St. Croix et à la Barbade avec des concerts de la célébration, Forde dit que la bande aurait effectuer un concert élogieuses majeur à Toronto pour septembre. Un autre est prévue pour l’Angleterre.

«Les performances ont été va bien et ce soir était un autre célébration.»

Agard a révélé qu’un coffret anniversaire spécial de chansons remastered sera en vente bientôt pour les fans.

«Il est actuellement étant terminé à Miami où nous parlons,» il a dit, ajoutant que la bande se réjouit à accélérer son aussi loin que possible.

Le 20e anniversaire a commencé sur le 31 décembre 2009, à l’heure exacte à laquelle la bande joué leur premier concert il y a 20 ans.

Autres plans pour le 20ème anniversaire du Krosfyah ont vu leur adoption d’école primaire local fort de l’école primaire de Half Moon.

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et de réalisations de krosfyah

* 1993 The Nation Entertainment Awards Most Improved Act
* 1994 The Nation Entertainment Awards Band of the Year
* 1994 Arts Support Alliance Band of the Year 1994
* 1995 The Nation Entertainment Awards Band of the Year
* 1995 Barbados Road March Third Place “Crank It”
* 1995 National Cultural Foundation Best Community Band 1995
* 1996 Caribbean Music Awards Album of the Year ’95 – “Pump Me Up”
* 1996 Boston Caribbean Music Awards Best International Group Award
* People’s Choice Award (Edging out Shaggy,
* Buju Banton and SuperBlue)
* 1996 Edwin received the keys to the City of Boston from the Mayor’s Office
* 1996 Barbados Malibu Congaline Festival Road March “Yardie”
* 1996 Barbados Crop Over Festival Band of the Year
* 1996 K103 Radio, Montreal, Canada Champion “Battle of the Bands”
* ‘Street Sounds” R&B program (Pump Me Up, the first Soca song to have ever entered the competition, beating Prince’s new release 30 – 4.)
* 1996 Reggae Soca Awards – Miami Best Soca Group 1996
* The Ultimate Party CD turns GOLD. (January)
* 1997 Music Manufacturing Services Certified Gold Record – Canada
* 1997 Trinidad Music Awards Best Song” All Aboard” written by Edwin
Yearwood for the band Atlantik.
* 1997 Boston Caribbean Music Awards Best International Group 1997
* 1997 Caribbean Music Awards Best Group 1997
* Best recording of the year “Ultimate Party – Pump Me Up”.
* 1997 Sunshine Music Awards – N.Y. Best Recording By a Group
* 1999 World Beat Music Awards For Their Contribution to Soca Music
* 2001 Barbados Crop Over Festival Road March “Sak Pasé”
* 2002 Barbados Crop Over Festival 3rd Place Road March Song “Road Jam”
* 2003 Trinidad Carnival Hottest Overall Soca Brass Band
* 2006 Barbados Music Awards Band of the Year – January
* 2006 13th Reggae Soca Music Awards Best Soca Group & Album of the Year – May
* 2006 Barbados Music Awards Band of the Year & Raga Soca of the year Tony Bailey
* 2007 Barbados Music Awards Band of the Year
* 2008 Barbados Music Awards Band of the Year & Best Soca Single
* 2008 Rd March, Party & People’s Monarch Handle ya Bizniz, Unleash & Nah Missin Me
* 2009 Barbados Music Awards Band of the Year
* 2009 Rd March & People’s Monarch In de Middle ah de Road
* 2010 Soca Royale Party Monarch 2nd place Edwin Yearwood
* 2010 Road MArch 2nd place Edwin Yearwood
* 2010 Notable Award from Ministry of Culture & NCF 20yrs contribution to Barbadian soca music

Certaines interprétations notables krosfyah

* 1995 St. Kitts Music Festival
* 1996 Cartegena Music Festival – Columbia (Hailed as one of the best bands of entire festival)
* 1996 Cohobblopot – Barbados
* 1996 Stadtgarten at POPKOM Music Festival – Germany
* 1996 Museumsuferfest – Frankfurt, Germany
* 1996 Miami Carnival
* Air Jamaica U.S. Promotional Tour
* Trinidad Carnival
* 1997 Suriname Tour
* 1997 Radio City Music Hall
* 1997 Bahamas Musik Festival
* 1997 BTA UK Tour
* 1997 Curacao / Aruba / Suriname Tour
* 1997 Reggae Riddums Festival – New Orleans
* 1997 Central Park Summerstage – New York
* The Onyx – MIDEM Latin America & Caribbean Music Market – Miami
* 1997 Montserrat – free Christmas Concert
* Trinidad Carnival
* Sinbad Music Festival – Aruba
* 1998 Bermuda Tour
* Germany & Amsterdam Tour
* Bonaire Tour
* 1998 Caricom Heads of State Concert – St. Lucia
* Trinidad Carnival
* 1999 Colleges across the USA
* New Orleans Jazz Festival
* 1999 Montreal Jazz Festival
* 1999 Washington Carnival
* 1999 African Festival, Washington, DC
* Museum of Fine Arts, Richmond, VA
* 1999 Afrobean, San Francisco, CA
* Afrikadey Festival (Dundey), Calgary
* World Beat Music Festival, Trinidad
* Pirates Week Festival
* 1999 Spirit of Unity Tour
* 1999 WOMEX Trade Fair, Berlin, Germany
* Trinidad Carnival
* Trinidad Hilton
* 2000 University of Central Florida
* 2000 Clayton State College
* 2000 International Sunfest
* Boat Ride, New York
* 2000 Crop Over 2000, Barbados
* 2000 Carifesta Fascination Cruise Ship
* Trinidad Carnival
* St. Vincent Pre-Election Celebration
* Jamaica Bacchanal Village
* Congaline Festival, Barbados
* Island In the Park with Air Jamaica
* Belgium & Netherlands
* Crop Over 2001, Barbados
* Miami Carnival
* World Creole Music Festival, Dominica
* Montreal, Quebec
* St. Philip’s Carnival, Barbados
* Trinidad Carnival
* Jamaica Carnival
* Spectakula Barbados
* Crop Over 2002, Barbados
* Trinidad Carnival
* Cayman Is Quincentennial Celebrations
* Crop Over 2003
* Brooklyn Museum
* St. Lucia Wet Fete
* 2003 St. Croix
* 2003 Tortola
* 2003 St. Thomas
* 2004 Bonaire
* 2004 Trinidad Carnival
* 2004 Labour Day
* 2004 Tortola/ Bonaire/ St. Croix/St. Thomas
* 2004 Guadelope/ St. Vincent/ Antigua/Dominica
* 2004 England/ Holland/ UK
* 2005 Barbados – Crop Over Festival
* 2006 Unite the Nations – Toronto
* 2006 Barbados – Crop Over Festival
* 2006 N.Y – Labour Day Weekend
* 2006 Hartford – Sept. 8
* 2006 Guyana – Oct. 28
* 2006 Suriname – Nov. 4
* 2007 Bonaire/ Curacao Carnival- Jan
* 2007 Calgary – March 3
* 2007 London/Holland June 16/17
* 2008 Crop Over – Barbados
* 2009 St. Martin Carnival
* 2009 Crop Over – Barbados
* 2009 Virginia Festival
* 2010 St. Maarten
* 2010 St. Thomas/St. Croix
* 2010 St. Vincent
* 2010 Grenada
* 2010 Suriname
* 2010 Krosfyah BDF Fete
* 2010 Soca Gold Plantation
* 2010 Grand Performance Cohobblopot
* 2010 Crop Over Barbados
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Bo Diddley – Nou Ka Sonjé

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 Bo Diddley – Nou Ka Sonjé

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Bo Diddley (30 Décembre 1928 – le 2 juin 2008) était le nom de scène pour la Grèce Otha Bates, un chanteur américain rock and roll, guitariste, auteur-compositeur et inventeur. Il était connu comme « L’origine » en raison de son rôle clé dans la transition entre le blues à rock & roll, influencer un hôte des actes légendaires notamment Buddy Holly, Jimi Hendrix, The Rolling Stones, Brownsville Station et Eric Clapton. Il introduit les rythmes plus insistante, conduites et une guitare tracer sonore sur un vaste catalogue de chansons. En conséquence, il a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame et reçu Lifetime Achievement Awards de la Fondation de Rhythm and Blues  et un Grammy Award de National Academy of Recording Arts et sciences. Il était connu en particulier pour ses innovations techniques, y compris sa guitare rectangulaire de la marque.
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Histoire
Carrière
Né à McComb, Mississippi, comme la Grèce Otha Bates, qu’il a été adopté et soulevé par cousin sa mère, Gussy McDaniel, dont il a assumé, devenant la Grèce McDaniel de prénom. En 1934, la famille McDaniel déplacé vers la zone de côté sud largement noire de Chicago, où le jeune homme abandonné le nom Otha et devint connu comme la Grèce McDaniel, jusqu’à ce que ses ambitions musicales exigé qu’il prendre sur une identité plus accrocheur. À Chicago, il a été un membre actif de son local Ebenezer Baptist Church, où il a étudié le trombone et le violon, devenir assez compétents sur ce dernier pour le directeur musical pour les inviter à rejoindre l’Orchestre, avec qui il effectuées jusqu’à l’âge de 18 ans. Il a le plus impressionné, cependant, par la musique pulsatoire, rythmique, qu’il a entendu à un local Église Pentecôtiste, ainsi qu’un intérêt dans la guitare.

Inspiré par un concert où il a vu John Lee Hooker effectuer, il a complété son travail comme un menuisier et le mécanicien avec un développement carrière busking sur les coins de rues avec des amis, y compris Jerome Green (c. 1934–1973),  dans un groupe appelé le Hipsters (plus tard la Langley Avenue Jive CAT.). Pendant l’été de 1943–44, il a joué pour obtenir des conseils sur le marché de la Rue de Maxwell dans une bande avec Earl Hooker.  En 1951, il a joué dans la rue, avec le soutien de Roosevelt Jackson (sur les laveuses basse) et Jody Williams (dont il avait enseigné à jouer de la guitare).  Williams a joué plus tard guitare de plomb « Who You Love? » (1956).  En 1951 il débarqua une tache régulière au Club 708 sur Côté du Sud, de Chicago avec un répertoire influencé par Louis Jordan, John Lee Hooker et Muddy Waters.

En fin de 1954, il est alliée à un joueur d’harmonica Billy Boy Arnold, batteur Clifton James et bassiste Roosevelt Jackson et enregistré des démonstrations de « je suis un homme » et « Bo Diddley ». Ils ré les chansons aux Studios d’échecs avec un soutien ensemble comprenant Otis Spann (piano), Lester Davenport (harmonica), Frank Kirkland (fûts) et Jerome Green (maracas). L’enregistrement a été publié en mars 1955, et le côté-A, « Bo Diddley », est devenu un succès de R&B # 1.

McDaniel adopta le nom de scène « Bo Diddley ». L’origine du nom est un peu flou, comme plusieurs histoires différentes et revendications existent. Bo Diddley, lui-même a dit que le nom du premier appartenait à un chanteur son adoptifs mère connaissait, tout en harmonicist Billy Boy Arnold a dit un jour dans une interview qu’il était à l’origine le nom d’un humoriste local qui Leonard Chess emprunté pour le nom de titre et l’artiste chanson pour premier single de Bo Diddley.

Succès dans les années 1950 et 1960
Sur 20 novembre 1955, il apparaissait sur The Ed Sullivan Show, une télévision populaire variété show, où il furieux de l’hôte. «J’ai fait deux chansons et il a obtenu folle,» Bo Diddley rappeler plus tard. «Ed Sullivan dit que j’étais un des premiers garçons colorés à jamais double-cross lui. Dit que je n’aurais pas ces six derniers mois.» Le spectacle avait demandé qu’il chante le Merle Travis – logés Tennessee Ernie Ford frappé « Seize tonnes », mais lorsqu’il est apparu sur la scène, il a chanté « Bo Diddley » au lieu de cela. Cette substitution a entraîné son interdit d’autres apparences.

La demande est venu parce que les gens Sullivan entendu Diddley légère chantant « Seize tonnes » dans les loges. Les comptes du Diddley de l’événement étaient incompatibles.  Diddley a déclaré qu’il était le premier intervenant noire apparaisse sur Sullivan show, quand en fait les Afro-américains avaient été figurant sur le spectacle depuis 1949.

Chess inclus Diddley enregistrement de « Seize tonnes » sur l’album Bo Diddley est un Gunslinger,  qui a été initialement publié en 1960.

Il continua à avoir des coups à travers le reste des années 1950 et même les années 1960, notamment « Pretty Thing » (1956), « Homme Say » (1959) et « Vous ne peuvent pas juge un ouvrage par la couverture » (1962). Il a publié une chaîne dont les titres, y compris la Bo Diddley est un Gunslinger et Ont guitare, Will Travel, étaient de renforcer sa légende self-invented des albums. Entre 1958 et en 1963, Vérificateur Records publié le 11 albums entiers par Bo Diddley. Bien qu’il a percé un artiste croisé avec des auditoires blancs (figurant dans les concerts d’Alan Freed, par exemple), il adaptées rarement ses compositions aux préoccupations adolescentes.

En 1963, il rôle dans une tournée avec le Everly Brothers et Little Richard UK. The Rolling Stones, encore à peine connu en dehors de Londres à ce moment, est apparue comme un acte de prise en charge sur la même facture.

Est en outre de nombreuses chansons enregistrées par lui, en 1956 il coauteur, avec Jody Williams, le pionnier chanson pop « Love Is Strange », un succès pour Mickey et Sylvia en 1957.

Bo Diddley a été l’un des musiciens mâles premiers américains à inclure des femmes dans son groupe, y compris « La duchesse » Norma-Jean Wofford, Peggy Jones (aka « Lady Bo »), Cornelia Redmond (aka cookies) et Debby Hastings, qui conduit sa bande pour les finales de 25 ans de sa carrière d’exécution. Il a également paramétrer un des premier enregistrement home studios.

Années plus tard
Durant les décennies, lieux de Bo Diddley allant des clubs intime de stades. Le 25 mars 1972, il a joué avec Le Grateful Dead à l’ Académie de musique à New York. Partie de ce concert comme 30 de volume de achat de Dick concert album série la bande publié le Grateful Dead. Le début des années 1970, la bande sonore du film animé révolutionnaire Fritz The Cat contenait également sa chanson « Bo Diddley », dans lequel un oiseau inactif pops-doigt le long de la piste.

Bo Diddley a passé de nombreuses années au Nouveau-Mexique, vivant en Los Lunas Nouveau-Mexique de 1971 à 1978 tout en poursuivant une carrière musicale. Il a servi pour deux heure et demi que le shérif adjoint dans patrouille le Comté de Valence Citizens’ ; pendant ce temps il personnellement acheté et a fait don de trois voitures de poursuite de patrouille routière.  À la fin des années 1970, Diddley Los Lunas à gauche et déplacés vers Hawthorne, en Floride, où il a vécu sur une grande succession dans un accueil personnalisé fait-cabane, dont il a contribué à bâtir. Pour le reste de sa vie, il a passé de temps entre le Nouveau-Mexique et la Floride, vivant des cours des 13 dernières années de sa vie en Archer, Floride, une ville de petit élevage près de Gainesville.

Il est apparu comme un acte d’ouverture pour le The Clash dans leur 1979 US tournée ; dans les Légendes de guitare (filmé direct en Espagne, 1991) avec Les Paul, B.B. King, Albert Collins, le George Benson, entre autres et a rejoint The Rolling Stones en tant qu’invité sur leur concert de 1994 de diffusion du Voodoo Lounge, exécution « Who You Love? » avec la bande. Sheryl Crow et Robert Cray est également apparurent sur la spéciale de télé à la carte.
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Bit agissant pièces
Son caractère pawnbroker l’offre Louis Winthorpe III « cinquante bucks » créé un des plus cité des scènes de 1983, Lieux de vente. La fin des années 1980, il associées à Bo Jackson dans les publicités du célèbre « Bo Knows » de Nike, dire sa une seule ligne: «Bo, vous ignorez Diddley!»

En 1998, le Bo est apparu aux côtés des guitaristes légendaires B.B. King, Eric Clapton et Jeff « Skunk » Baxter en tant que membres de la Boys Gator Louisiane dans le film Blues Brothers 2000.

Distinctions
Bo Diddley obtenu de nombreuses distinctions en reconnaissance de son rôle important comme l’un des pères fondateurs de rock and roll.

1986 : intronisé à Temple de la renommée de la Région de Washington Music Association.
1987 : intronisé au Rock and Roll Hall of Fame et le Rockabilly Hall of Fame.
1990 : Prix d’excellence de durée de vie de Guitar Player magazine.
1998 : Prix d’excellence de durée de vie depuis la Fondation de Rhythm and Blues et de l’ Académie nationale des sciences et des arts de l’enregistrement.
1999 : Son enregistrement de 1955 de sa chanson « Bo Diddley » intronisé au Grammy Hall of Fame comme un enregistrement durable importance qualitative ou historique.
2000 : Intronisé dans l’hôtel de musiciens du Mississippi Temple de la renommée et Temple de la renommée de la North Florida Music Association.
2002 : Pionnier de divertissement Award de l’association nationale des radiodiffuseurs de propriété noirs et un prix de l’icône de la musique de diffusion Incorporated (IMC)
2008 : Bien que confirmé avant sa mort en juin 2008, un diplôme honorifique a été conféré Bo par l’ Université de Floride en août 2008.
2009 : Secrétaire d’état du Floride annonce induction de Bo en Floride artistes de la renommée (induction surviennent pendant le mois du patrimoine de Floride, mars 2010).
En 2003, représentant américain John Conyers a rendu hommage à Bo Diddley dans la chambre des représentants des États-Unis décrivant lui comme « un des pionniers du rock and roll, qui a influencé des générations vrais ».

En 2004, Mickey et enregistrement de 1956 de Sylvia de sa chanson, « Love Is Strange », a été intronisé dans le Grammy Hall of Fame comme un enregistrement d’importance qualitative ou historique, et il a été intronisé au Blues de la Fondation Blues Hall of Fame. En 2004, Rolling Stone lui classé n ° 20 sur leur liste des 100 meilleurs artistes de tous les temps.

En 2005, Bo Diddley a fêté son 50e anniversaire en musique avec visites réussies de l’Australie et l’Europe, et avec un affiche partout en Amérique du Nord. Il a effectué sa chanson 20ème cérémonie annuelle d’induction « Bo Diddley » avec Eric Clapton, Robbie Robertson, bassiste de longue date et directeur musical Debby Hastings au Rock and Roll Hall of Fame et au Royaume-Uni, le magazine Uncut inclus son 1957 premier album « Bo Diddley » dans son annonce de la ‘ 100 musique, film & TV moments qui ont changé le monde ‘.

En 2006, le Bo Diddley a participé comme le pavillon d’un concert de collecte de fonds organisée populaires, au profit de la ville de Ressorts de l’océan, Mississippi, qui avait été dévasté par l’Ouragan Katrina. Le « keys de Floride pour Katrina aide » avait initialement été défini pour le 23 octobre 2005, lorsque Ouragan Wilma barreled via les clés de la Floride, le 24 octobre, causant mayhem inondation et économique. En janvier 2006, les clés de la Floride avait récupéré suffisant pour héberger le concert de levée de fonds au profit de la Communauté plus durement touchés d’océan Springs. Lorsque vous êtes invité à propos de la collecte de fonds que Bo Diddley a déclaré, «c’est des États-Unis. Nous croyons en aidant les uns les autres. « .  Dans une interview avec Holger Petersen, sur Samedi nuit Blues sur CBC Radio à l’automne 2006  Bo Diddley a commenté sur le racisme qui existait dans l’établissement de secteur musique pendant le début de sa carrière qui a vu privé de ses droits d’auteur de la partie plus grand succès de sa carrière.

Bo Diddley a effectué un certain nombre de spectacles dans tout le pays en 2005 et 2006 avec les collègues de rock and Roll Hall de membre Johnnie Johnson Band, mettant en vedette Johnson sur les claviers, Richard Hunt sur fûts et Gus Thornton sur basse. Mais depuis 1985 jusqu’à sa mort, sa bande tournée comprenait Debby Hastings (basse/musicale directeur), Frank Daley (guitare), Yoshi Shimada ou Sandy Gennaro (fûts) et son gestionnaire personnel, Margo Lewis (claviers).

Maladie
Le 13 mai 2007, le Bo Diddley a été admis aux soins intensifs dans Creighton University Medical Center de Omaha, Nebraska, suite à un tracé après un concert en Conseil Bluffs, Iowa, le 12 mai. À partir du spectacle, il avait reproché qu’il n’a pas se sentir bien. Il a mentionné la fumée dans les incendies qui ont été ravagent la Géorgie du Sud et souffler Sud vers la zone près de son domicile à Archer, en Floride. Néanmoins, il a livré un spectacle énergique à une foule enthousiaste. Le lendemain, comme Bo Diddley dirigeait back home, il semblait dazed et confuse à l’aéroport. Son directeur, Margo Lewis, appelé 911 et sécurité dans les aéroports et Bo a été immédiatement prises par ambulance à Creighton University Medical Center et admis à l’ unité de soins intensifs, où il est resté pendant plusieurs jours. Après de nombreux tests, il a été confirmé que le Bo Diddley avait subi un AVC.  Il avait une histoire de l’hypertension et de diabète, et le contour affecté le côté gauche de son cerveau, réceptif et expressive aphasie (discours dépréciation) à l’origine. Le tracé a été suivi d’une crise cardiaque, subi à Gainesville, en Floride, le 28 août 2007.

Alors que la restauration du contour et la crise cardiaque, Diddley est arrivé à sa ville natale de McComb, Mississippi, début novembre 2007 pour le dévoilement d’une plaque consacré à lui sur les traces de Blues National attestant qu’il a été «acclamé comme un fondateur de rock and roll.» Il n’était pas supposé faire, mais comme il écoute de la musique de musicien local Jesse Robinson, qui a chanté une chanson écrite pour cette occasion, Robinson senti qu’il voulait effectuer et lui remis un microphone. C’était la première et dernière fois Bo Diddley effectuées publiquement après avoir subi un AVC.

Mort
Bo Diddley est décédé le 2 juin 2008, de l’insuffisance cardiaque chez lui à Archer, en Floride.   Garry Mitchell, un petit-fils de Diddley et l’un des membres de la famille plus de 35 chez du musicien lorsqu’il mourut à 1: 45 h EDT (05 h 45 GMT), a déclaré que sa mort n’était pas inattendu. «Il y avait une chanson de l’Évangile qui était chanté (à son chevet) et (lorsqu’il a été fait) il a dit ‘wow’ avec un pouces jusqu’à», Mitchell a dit Reuters, lorsque vous êtes invité à décrire la scène au style du Diddley. «La chanson était ‘Marche dans le ciel’ et dans ses dernières paroles, il dit «Je vais vers le ciel.»»

Ses funérailles, un service de quatre heures « retour », a eu lieu le 7 juin 2008, douches de fortune église à Gainesville, en Floride et conservés en harmonie avec l’esprit de dynamique de la vie et la carrière de Bo Diddley. Les nombreux présents scandé « Hey Bo Diddley » comme une bande de gospel jouée la musique de la légende. Un certain nombre de musiciens notables envoyé des fleurs, y compris : George Thorogood, Tom Petty et Jerry Lee Lewis.  Little Richard, qui avait été demandant son public pour prier pour Bo Diddley tout au long de sa maladie, avait honorer les engagements de concert dans Westbury et New York le week-end des funérailles. Il a pris le temps de se rappeler de Bo Diddley, son ami d’un demi-siècle, effectuer son homonyme tune en son honneur.

Après le service funéraire, un concert hommage a eu lieu au centre Martin Luther King, également en Gainesville et en vedette sa tournée band, The Band de Hastings Debby et artiste invité Eric Burdon.

Dans les jours suivant sa mort, hommages lui ont été servis par George w. Bush, la chambre des représentants des États-Unis et un nombre de différentes des musiciens et des artistes interprètes ou exécutants, y compris les Eric Burdon, Elvis Costello, Ronnie Hawkins, Mick Jagger, B. b. King, Tom Petty, Robert Plant, Bonnie Raitt, George Thorogood, Robert Randolph et la bande de la famille et Ronnie Wood. Il était à titre posthume obtient un diplôme de docteur of Fine Arts par l’ Université de Floride pour son influence sur la musique populaire américaine et dans sa série de radio « People d’Amérique » a propos de personnes influentes dans l’histoire américaine, le service de radio Voice of America hommage à lui, décrivant comment «son influence était tellement répandu qu’il est difficile d’imaginer quelle rock and roll serait ont sonné comme sans lui.» Mick Jagger a déclaré que « il était un musicien merveilleux, original, qui était une force énorme en musique et une grande influence sur les Rolling Stones. Il a été très généreux envers nous dans nos premières années et nous avons beaucoup appris de lui. Jagger a également salué l’étoile fin comme un d’un musicien aimable, ajout, «nous verra jamais son comme nouveau.  Comme son bassiste Debby Hastings dit : il était que la course a été construite le rocher.» [citation nécessaire]

Le film documentaire récapitulative vous juste : l’histoire de Maxwell rue par le directeur, Phil Ranstrom fonctionnalités dernier sur caméra entrevue de Bo Diddley.

Son nom de scène est un écho au nom de Bo, choisi en avril 2009 par le Président Barack Obama de famille comme le « premier chien ».

En novembre 2009 la guitare utilisée par Diddley dans sa performance jamais dernier stade vendus à 60 000 $ aux enchères. [citation nécessaire]

Battre le Bo Diddley

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Hank Jones-Nou Ka Sonjé

Hank Jones (de son vrai nom Henry « Hank » Jones) est un pianiste de jazz américain, né le 31 juillet 1918 à Vicksburg (Mississippi) et mort le 16 mai 2010 à Calvary Hospital Hospice dans le quartier du Bronx de New York des suites d’une brève maladie.

Biographie
Henry Jones est né le 31 juillet 1918 à Vicksburg dans l’état du Mississippi. Ses parents déménageront rapidement après sa naissance avec la perspective d’un nouveau travail dans l’état du Michigan et pour une maison plus spacieuse de 3 étages en brique rouge avec la famille qui s’agrandit rapidement.

Hank Jones est le troisième enfant et premier fils d’une fratrerie de 6 garçons et 4 filles, il avait 2 sœurs ainées qui jouaient du piano : « Ma sœur aînée était une enfant prodige du piano dès l’âge de 10 ans. Mais elle est morte dans un accident de patins à glace. Ça été un terrible drame pour nous tous ». C’est aussi le frère d’Elvin Jones, batteur historique de John Coltrane, et du trompettiste et arrangeur Thad Jones.

Le père d’Hank est un ouvrier d’usine de voiture et est un membre très actif d’une communauté religieuse Baptiste. Sa mère eut fort à faire au foyer avec ses 10 enfants à élever et à éduquer et chante régulièrement. À la question « Tes parents écoutaient-ils beaucoup de musique à la maison ? » posé par Jean-Michel Reisser « Beethoven » en août 2006, Hank Jones répondra : « Oh oui. Mon père jouait de la guitare en amateur. Il aimait les gospels, le Blues et la musique religieuse. Il était très religieux. Nous avions des disques et j’écoutais tout ce que je pouvais : Duke Ellington, Fats Waller, Earl Hines, les big bands de Jimmie Lunceford, Benny Carter … et beaucoup de Blues. Mes parents ne vivaient pas dans le luxe mais ils s’en sortaient. J’ai commencé à prendre des leçons de piano vers mes 10-11 ans. »

Il passe sa jeunesse et grandit à Pontiac (Michigan) près de Detroit, où sa famille s’est installée. Comme ses 10 frères et sœurs, il apprendra et étudiera le piano vers 10, 11 ans, avec une professeur pianiste et chanteuse. « De ce point de vue, comme la plupart des pianistes afro-américains, ma formation et mon apprentissage sont d’un classicisme absolu », dira-t-il dans une interview au Monde en juillet 2009. En effet, il n’apprend pas le jazz, mais « toute la base indispensable du piano plus la composition ». Grâce à son émérite professeur, il dit avoir « acquis une solide technique classique de l’instrument ».
Il sera influencé par des pianistes comme Earl Hines, Teddy Wilson ou encore Art Tatum et surtout Fats Waller qui faisait alors un programme radio hebdomadaire. C’est aussi cette époque que le jeune Hank vers 7 h 30 « avait les oreilles collées contre le poste de radio » familial pour écouter les larges diffusions d’enregistrements albums de Fats Waller. Les dimanches, lui et ses frères écoutent les retransmissions radio locales de l’orchestre The Detroit Symphony.

À 13 ans, en 1931, il commence déjà à jouer pour des bals et des stations de radio locales. Il était payé 30 cents le « gig ». Avec ça, il « s’achetait 2 hamburgers. C’était rien mais je le faisais. » Faits que son père, en qualité de diacre de communauté religieuse Baptiste désapprouvait totalement.

A 15 ans, Hank Jones continue son aventure et commence à se produire dans des boîtes de jazz de Detroit.
Vers l’âge de 20 ans, autour de 1938, on le retrouve dans des salles et avec des orchestres locaux, aux alentours de Pontiac, sa ville natale, puis dans les Etats du Michigan et de l’Ohio et avec toujours des groupes locaux à Lansing puis Grand Rapids[2]. Il fait équipe avec le « Territory Band » de Benny Carew. Là, il rencontre alors deux musiciens qui allaient devenir des géants du saxophone ténor Wardell Gray et Lucky Thompson qui l’invite à New York, dans la 52e rue, en 1944 pour travailler à l’Onyx Club avec le trompettiste Hot Lips Page. C’est un soir de cette année 1944, que débarque toujours à l’Onyx Club Ray Brown pour voir jouer Hank avec Hot Lips Page. À l’entracte, Dizzy Gillespie arriva et Jones lui présenta le jeune Ray Brown qu’il engage dès le lendemain pour répéter avec Charlie Parker, Bud Powell et Max Roach.

En 1943, à Buffalo, il tourne avec un trio original composé d’un saxophone ténor et d’un contrebassiste. Notre pianiste terminait chaque soir sa prestation vers 23 h 00. Il filait alors prestement à un autre club de jazz, le « McVan’s » où se produisait chaque soir jusqu’à 1 h 00 du matin son idole Art Tatum: « Le regarder jouer ne suffisait pas car ses doigts allaient beaucoup trop vite. Il fallait écouter les harmonies. Ensuite, je commençais à déceler certaines choses. Après écoutes, je reconnaissais certains traits qu’il interprétait et pourquoi il les jouait de cette façon. C’est comme ça que j’ai pu comprendre un tout petit peu ses phrases, sa technique et ses interprétations surhumaines. Je m’essayais juste à côté de lui pour ne rien perdre de ce qu’il faisait ! C’était absolument incroyable ! Il jouait sans effort. Tout coulait d’office. Même encore aujourd’hui, quand je le réécoute, je ne peux toujours pas croire ce que j’entends. Un pur génie ! »

Il se rapproche donc d’Art Tatum, mal-voyant et s’occupe de lui : « Je m’occupais souvent d’Art Tatum : j’allais le chercher chez lui (il vivait dans un hôtel) pour l’emmener au « Three Deuces » car il ne pouvait pas se déplacer seul. »

Affiche d’un spectacle de Hawkins.Et, c’est à New York, qu’en 1944, il joue avec Andy Kirk et découvre avec Coleman Hawkins, l’un des plus grands saxophonistes de l’époque, les musiciens bebop. Il est rapidement attiré par ce nouveau style au point de chercher lui-même à le maîtriser. Jones, en écoutant alors notamment les autres pianistes modernes comme Bud Powell, commence à s’adapter lui-même aux mélodies et aux changements harmoniques qui caractériseront le bebop.

Appelé par John Kirby, Cousin Joe, Howard McGhee, Coleman Hawkins, Andy Kirk, et surtout Billy Eckstine en 1945, pour étoffer son le big band, il transforme son jeu en expérimentant la créativité ambiante et devient une référence pianistique.

Depuis les nightclubs, les clubs de jazz jusqu’à la scène de Broadway, Jones accompagnera presque tous les artistes majeurs de la scène jazz comme en atteste ce qui suit. C’est le début alors d’une grande et longue carrière professionnelle qui sera récompensée en 2008 d’une National Medal of Arts et en 2009 d’un Grammy Award.

Après toutes ces expériences entre 1944 et 1946 dans de nombreux d’orchestres et styles différents, Norman Granz l’appelle. Il vient de fonder son premier label Clef Records. Norman Granz décide d’engager Hank et Ray pour ses « Jazz At The Philarmonic concerts » (= JATP) et ils partent en tournées ensemble à l’automne 1947 : ce qui lui offre la possibilité de jouer avec Roy Eldridge, Charlie Parker, et Max Roach. C’est ainsi qu’il enregistra un peu plus tard pour le label de Norman Granz avec Charlie Parker plusieurs sessions en quartet avec Ray Brown à la contrebasse, Shelly Manne ou Buddy Rich à la batterie.

De 1947 à 1952, il devient toujours grâce Ray Brown l’accompagnateur de Ella Fitzgerald
Brown, en homme d’affaires avisé, suggéra à Norman Granz son trio et Ella pour étoffer ses JATP. ll s’occupera de toutes les négociations : contrats, interviews, voyages etc. du groupe qui devient l’un des ensembles les mieux payés et qui voyagera pendant 5 années sur plusieurs continents, notamment en Grande-Bretagne en 1948 et en Europe en 1952. Cette même année, Ray Brown divorcera d’Ella Fitzgerald au retour d’Europe et cela sonnera, pour Hank et Ray, le glas du trio qui l’accompagna si chaleureusement ces 5 dernières années. Norman Granz restera le manager d’Ella pour laquelle il créera Verve Records en 1955. Ray et Hank doivent se trouver un autre boulot…

Encore en 1952, il rejoint alors Artie Shaw et ensuite travaille avec Johnny Hodges, puis Tyree GlennEntre 1953 et 1956, il se sédentarise en renonçant aux tournées et signe avec Savoy Records qui lui offrit un « bon contrat » pour devenir le pianiste attitré de ce label de disques. Avec Wendell Marshall ou Paul Chambers à la contrebasse, Kenny Clarke ou Shadow Wilson à la batterie, ils constituaient la rythmique maison que l’on retrouve sur de nombreux albums produits par Onzie Cadena, grand et réel fan de jazz. Il joue avec Kenny Clarke pour enregistrer l’une des toutes premières sessions de Cal Tjader en leader de formation.

Hank Jones enregistre son premier album « Opus De Funk » avec Milt Jackson , Frank Wess, Kenny Clarke et le bassiste Eddie Jones. Ce fut un hit et reste un classique de l’époque.

Et c’est ainsi qu’en 1956[14], il rencontre Benny Goodman, leur collaboration s’étendra sur de nombreuses années jusqu’en 1973. On le demande aussi pour enregistrer avec Lester Young, Milt Jackson, Cannonball Adderley et son Julian Cannonball Adderley, et Wes Montgomery.

Ce pianiste au toucher délicat et au phrasé impeccable devient alors un « sideman » très recherché durant les années 1950 et 1960.

Il forme ensuite, en 1956, avec Milt Hinton (contrebasse), Osie Johnson ( batterie) et Barry Galbraith (guitare), un quartet appelé The New York Rhythm Section.

Un des albums qui a marqué le Jazz à cette époque, c’est le fameux « Something Else » avec Cannonball Adderley, Miles Davis, Sam Jones Art Blakey et bien sûr Hank Jones en 1958 dont l’idée revient à Alfred Lyon, le patron de « Blue Note ».

Hank Jones a rencontré alors comme il le reconnaitra lui-même plus tard tous les plus grands : « Dizzy, Charlie Parker, Roy Eldridge, « Sweets » Edison, Buddy Rich, Shelly Manne, Jay Jay Johnson, Stan Getz, Lionel Hampton, Lester Young, Bill Harris, Benny Carter, Johnny Hodges, Gene Krupa, Buddy DeFranco, Clark Terry, Les Paul, etc … Tous. ». Une chance extraordinaire dans une vie de musicien dont il est l’un des seuls à pouvoir en faire état.
Il rejoint en 1959 la chaîne CBS où il resta 17 ans, pour devenir le pianiste de leurs shows. Il auditionne et joue avec toutes sortes d’artistes ( « chanteurs, danseurs, conteurs, comiques parfois » ) et a même travaillé comme pianiste de fosse avec Ray Bloch. Il enregistre aussi des jingles de programmes et des musiques de films. Avec le recul, il considère que ce fut pour lui une grande expérience car il a « encore appris énormément de choses, surtout à devenir un pianiste tout terrain, capable de jouer un maximum de choses avec tous ces gens totalement différents ».

Il participera aussi à un instant demeuré célèbre dans l’histoire de la présidence des États-Unis quand il accompagnera Marilyn Monroe chantant “Happy Birthday” au président John F. Kennedy, qui venait d’avoir tout juste 45 ans, au cours d’une Garden party du mouvement démocrate organisée au Madison Square Garden en mai 1962 Ed Sullivan Show… Mais hélas pas le voir.

En 1975, la télé CBS se sépare de ses « musiciens maison ». Hank Jones revient sur le devant de la scène du Jazz et on l’avait presque oublié…

Jones reprend de plus belle ses activités d’enregistrements, en tant que soliste, en duo avec d’autres pianistes (incluant John Lewis et Tommy Flanagan), ou encore avec différentes sortes de petites formations, la plus connue étant le Great Jazz Trio et dont la demande insistante japonaise en ait l’instigatrice en 1976
C’est à cette époque qu’il développe une affinité naissante et nouvelle pour les claviers et pianos électriques.

Il recommence donc à écumer les clubs de jazz et part au Japon en 1976 pour participer à plusieurs festivals, et notamment celui de Concord Records, où il recevra un accueil chaleureux. Il enchaîne en 1977 sur des tournées européennes et sur l’enregistrement en trio d’un album avec Ray Brown et Jimmie Smith pour le label Concord : il y joue d’anciens standards d’une façon dite actuelle au piano électrique Fender Rhodes avec doigté. Cette même semaine, il enregistre aussi 2 autres albums dont un avec le guitariste Tal Farlow qui revenait sur la scène après 10 ans d’absence.

The Great Jazz Trio ne s’est produit qu’une seule semaine en « live » au club Village Vanguard de New-York avec ses membres d’origine : Ron Carter et Tony Williams, deux membres du quintette de Miles Davis des années 60. Tous les albums produits ensuite seront des albums studio.
En 1978, il conduit et interprète la bande originale composée principalement autour de la musique de Thomas Fats Waller pour la comédie musicale de Broadway Ain’t Misbehavin’  dont le rôle principal est tenu par Irene Cara et qui sera récompensé par 4 Tony Awards dont celui de la meilleure musique.

Son talent est internationalement reconnu et il commence à enregistrer de nombreux albums sur des labels français et japonais t Eddie Gomez et Al Foster, puis en 1982 Jimmy Cobb replaça Foster. Le trio enregistre aussi avec d’autres stars invitées comme Art Farmer, Benny Golson, et Nancy Wilson.

Toujours au début des années 1980, Jones devient titulaire au poste de pianiste du Cafe Ziegfeld au centre de Manhattan. Il effectuera en parallèle une tournée au Japon pendant laquelle il joue et enregistre avec George Duvivier et Sonny Stitt.

Toujours dans les années 1980, estimant que l’on pouvait l’entendre sur de nombreux albums, il décide de recentrer sa carrière sur la réalisation d’albums et de projets personnels.

Ses projets variés des années 1980 incluent des performances avec les pianistes John Lewis et le désormais vétéran du style Bebop né à Detroit Tommy Flanagan qui, en interview dans Jazz Spoken Here, qualifiera Jones comme étant « un grand pianiste de solo » et « un grand accompagnateur ».

En 1989, le National Endowment for the Arts (et)  lui décerne la qualité et le titre de Jazz Master, la plus prestigieuse récompense de la nation américaine en matière de jazz.

En 1995, il va aller à la rencontre de la musique mandingue en enregistrant en compagnie du Malien Cheikh Tidiane Seck aux claviers l’album de World music
« Sarala ».

Charlie Haden en concert en 1990Considéré comme musicalement versatile, il enregistrera l’album Steal Away fait de chants religieux (spirituals), de chansons folk et d’hymnes en duo avec le contrebassiste Charlie Haden. Des concerts du même tonneau suivront…

Il sera également introduit au prestigieux International Jazz Hall of Fame de l’ASCAP qui lui a décerné un Hall of Fame’s Jazz Living Legend Award en 2003.
En 2006, Hank Jones avoue au journaliste Jean-Michel Reisser à qui il se livrera en interview, « jouer plus que jamais », surtout à son âge. « Tous les jours, 2 à 3 heures, après le petit déjeuner ». il s’exerce : « les gammes majeurs, mineurs, altérées, des arpèges dans les douze tons les 2 mains ensemble à l’octave, des arpèges brisés, des gammes brisées ». Il concèdera « ne travailler jamais l’improvisation » : « Cela doit être spontané et jamais répétitif. J’ai deux pianos à la maison. Un piano droit situé en bas des escaliers et un Baldwin en haut ». Toujours au même journaliste, en réponse la question « Dans les années 40 et 50, beaucoup de musiciens sont morts dû aux drogues. En as-tu pris? », il confesse : « Jamais. Quand j’ai constaté les dégâts que cela causait, je me suis tenu hors de toutes ces horreurs : je ne bois pas, ne fume pas, fais attention à ce je mange. C’est sûrement à cause de cela que je suis encore en vie aujourd’hui. Même si Stan Getz , Miles ou Sonny Stitt sont morts plus tard, ils ne sont pas venus très vieux. Un vrai gâchis. ».

Hank Jones passe enfin les dernières années de sa vie à New York dans le Upper West Side de Manhattan. Il a également une maison à Hartwick (État de New-York). L’album You Are There, sur lequel il se produit en duo avec la jeune chanteuse italo-américaine Roberta Gambarini à qui il donne la réplique sort en 2007. Deux ans auparavant, on retrouvait Hank Jones sur le disque For My Father (2005) avec le bassiste George Mraz et le batteur Dennis Mackrel, ainsi que sur l’album de Joe Lovano : Joyous Encounter (2005).

Bien que la pensée d’une retraite méritée lui ait traversé l’esprit, à 87 ans, Jones reste très resté, concerts dans le monde entier, enregistrements multiples et enseignement en classe de maîtrise de jazz (jazz master classes) d’écoles diverses, comme l’Université de Harvard et l’Université de New York.

Il enregistre aussi avec le pianiste Brad Mehldau et le Montreal Jazz Festival 2008 présentera Hankdans un extraordinaire duo concert avec Brad Mehldau : c’était comme s’ils dansaient l’un avec l’autre d’une danse parfaite.

Toujours très actif pour son grand âge, il donne encore en 2009 une série de concerts en Europe notamment au festival Jazz à Vienne, au festival de Jazz à La Villette à Paris, à Genève, en République Tchèque et à Istanbul.

En Juillet 2009, on retrouve ainsi Hank Jones toujours aussi dynamique jouant au Jazzaldia Festival de San Sebastian en Espagne.

Cheikh Tidiane Seck, à quelques jours des retrouvailles entre de ces deux musiciens dans le cadre du festival Jazz à La Villette 2009, dira à propos d’Hank Jones : « Pour moi, Hank représente l’essence de l’humilité. Sur le disque, il est là sans prétention, mais il apporte beaucoup. Hank montre qu’on peut jouer en restant soi-même, tout en sonnant différemment ».

En février 2010, il était encore en tournée au Japon.

Atteint d’un cancer à la prostate qui n’est cependant pas la raison de son décès, selon son imprésario Jean-Pierre Leduc, et souffrant depuis le mois de mars, il s’éteint le dimanche, 16 mai 2010, à Calvary Hospital Hospice dans le quartier du Bronx de New York où il était hospitalisé.

Hank Jones devait revenir en Europe cet été 2010, avec notamment à son programme un concert en juillet, au festival Jazz à Beaupré, à Saint-Cannat près d’Aix-en-Provence. Il devait également se produire au prestigieux club de jazz Birdland à New York, la semaine suivant sa disparition, mais, les médecins inquiets de son état de santé, ne lui donneront pas l’autorisation d’envisager ce dernier départ…

Pleased to Meet You, des enregistrements avec le pianiste Oliver Jones forment le dernier album publié de son vivant, selon Jean-Pierre Leduc. Juste avant sa mort, il avait enregistré un duo en artiste invité avec la vocaliste Hilary Kole, qui doit sortir en août 2010 sur le label Justin Time Records. Son dernier enregistrement est un album de duos avec le contrebassiste Charlie Haden, à paraître en 2010 chez Universal France.

Il a été marié à Theodosia Hank à laquelle il survivra de nombreuses années comme à un certain nombre de ses neveux et nièces.

Reconnaissance professionnelle
La National Medal of ArtsTony Award : meilleure musique pour la comédie musicale de Broadway Ain’t Misbehavin’ en 1978. Hank Jones conduit et interprète la bande originale composée principalement autour de la musique de Thomas Fats Waller, une de ses idoles.
National Endowment for the Arts – NEA Jazz Master : nomination et récompensé en qualité de Jazz Master en 1989.
JazzFest : nomination dans l’ordre des Jazz Master (2002).
ASCAP the American Society of Composers, Authors and Publishers Award : Il a été également introduit dans l’ordre du prestigieux International Jazz Hall of Fame qui lui a décerné un Jazz Living Legend Award (2003).
National Medal of Arts : nomination dans l’ordre en 2008.
Grammy Award : nomination dans l’ordre en 2009 pour l’accomplissement de sa longue carrière.
Jazz Journalists Associations : Pianiste de l’année (2009)
Congressional Achievement Award : nomination dans l’ordre qui lui a décerné un Congressional Achievement Award (en ?…)
Renchérissant de superlatifs, les critiques professionnels estiment unanimement qu’Hank Jones possède un toucher pianistique exceptionnel : talent dont il a toujours douté lui-même.

Pendant près de 35 années, il fut un homme de l’ombre étant principalement un sideman d’albums le plus notablement avec Ella Fitzgerald.

Ses compères musiciens admirent son imagination, sa versatilité musicale et son style particulier, qui mélange avec tact, l’urbanité et la conduite rythmique des pianistes d’Harlem, la dextérité d’Art Tatum et l’harmonie de style du bebop.

Décrivant l’habileté d’Hank Jones à interpréter une large variété de styles musicaux, un critique musical ira jusqu’à écrire dans la revue Down Beat[2] : « L’énigme d’Hank Jones est simple, il n’est pas seul : il y a Jones le pianiste classique; Jones le pianiste bopper; et Jones le pianiste modern jazz. »

Jean-Pierre Leduc, depuis de longues dates le dernier manager d’Hank Jones et représentant la maison de disques Justin Time Records rapporte à sa disparition : « Aujourd’hui, nous célébrons son esprit, son cadeau, sa joie, sa sagesse et son amitié. Hank a vécu et a respiré la musique qu’il jouait et n’était jamais loin d’un clavier, même à la fin. Son incroyable explosion de productivité quelques ces dernières années ( les concerts, des enregistrements, des collectes de fonds,…) était sans précédent et vraiment remarquable. ».

Reste de lui l’image d’un artiste talentueux, accompli, efficace, simple et discret…

Hank Jones à propos de lui-même et du jazz
« Il faut se remettre en cause à chaque instant, c’est à ce prix que l’on connaît l’indispensable sérénité de l’improvisation », disait-il dans une interview donnée en juillet 2009 au quotidien français Le Monde, avouant ne pas aimer les termes de jazz ou de be-bop (et)  , un genre où il s’est particulièrement illustré, car ces étiquettes « manquent de respect pour l’art qu’elles désignent ».

L’idole d’Hank Jones : Art Tatum dans le film The Fabulous Dorseys (1947)A la question du même journaliste du journal Le Monde qui lui demandait s’il se considérait comme un géant du jazz, il répondait: « Non, peut-être en suis-je un nain appliqué ».
« C’est là que j’y ai rencontré Art Tatum. Je le connaissais déjà à travers ses disques et c’était mon idole. La première fois que je l’ai entendu, je croyais qu’ils étaient deux pianistes, Art et Tatum ! Quand j’ai su que c’était qu’un seul homme qui jouait ainsi, je ne pouvais pas le croire. » Hank Jones – Propos d’interviews d’août 2006.
« En 1949, Charlie Parker me demanda de faire partie de son groupe. J’ai refusé. Je pensais que je ne serais pas à la hauteur. Puis, à la suite de « Something Else », Miles me demanda aussi de rejoindre son quintet. J’ai également décliné l’offre pour les mêmes raisons. » Hank Jones – Propos d’interviews d’août 2006.
Anecdotes

Hank Jones a déclaré en interview à propos de Thelonious Monk : « Un jour, il me dit : « viens à la maison, j’ai quelque chose à te montrer ». Je pensais qu’il allait me dévoiler certains de ses secrets. Il s’assit au piano et me demanda de relever ce qu’il allait jouer. C’était une toute nouvelle composition. Il me dit : «note le titre : « Monk’s Mood ». Je l’ai écrit exactement comme il me l’a interprété. »

Discographie

Le pianiste Hank Jones reste l’un des musiciens les plus prolifiques de toute l’histoire de l’enregistrement grâce à une carrière exceptionnellement longue. Elle débute en 1944 en enregistrements sonores pour s’étendre jusqu’à février 2010, date de sa dernière tournée au Japon. Il a enregistré environ 780 albums en tant que sideman et plus de 150 en leader[3]… Le choix reste donc extrêmement vaste dans son immense discographie.

Hank Jones, leader, Hank Jones, en solo ,
Hank Jones, sideman ,Compilations

Une sélection d’albums Hank Jones par Hank Jones

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Bibiographie

(fr) Hank Jones – Par Alain Gerber (Édition Hland) ∫ ISBN 9782918830115 (Disponible également en pdf[40]).
Voir aussi
Archives Médias
(fr) Open jazz par Alex Dutilh : Hommage à Hank Jones – Emission du lundi 17 mai 2010 de 19h10 à 20h diffusée sur France Music.
(en) New York Times : Hank Jones, Versatile Jazz Pianist, Is Dead at 91 – Article de Peter Keepernews paru le 17 mai 2010.
(en) The New Yorker : The Dean : Listening to Hank Jones. – Article de Whitney Balliett publié le 15 juillet 1996.
(en) The New Yorker : Autumn in New York : Hank Jones’s late-flowering mastery. – Article de Gary Giddins publié le 4 juin 2007.
(en) Fresh Air : Interview d’Hank Jones en 2005- Par Terry Gross sur Fresh Air
(en) Times Newsline : Jazz legend Hank Jones Dies At 91 – Publié le 18 mai 2010.
(en) New York Daily News : Hank Jones, world-class jazz pianist and Marily Monroe accompaniest, dies at age 91 – Article de David Hinckley paru le 17 mai 2010

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Alfred Marie-Jeanne-Nou Ka Sonjé

 

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 Alfred Marie-Jeanne-Nou Ka Sonjé

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Alfred Marie-Jeanne

Alfred Marie-Jeanne, né le 15 novembre 1936 à Rivière-Pilote (Martinique), est un homme politique français. Leader du Mouvement indépendantiste martiniquais (MIM), il est actuellement député de la 4e circonscription (Sud) de la Martinique.

Biographie
Alfred Marie-Jeanne est issu d’une famille modeste. Il effectue ses études primaires à Rivière-Pilote. Puis il réussit au concours des bourses ce qui lui permet de poursuivre ses études secondaires au lycée Schoelcher de Fort-de-France. Après l’obtention de son baccalauréat (série mathématiques), Alfred Marie-Jeanne s’inscrit à l’École normale pour suivre les deux années de formation nécessaires pour devenir instituteur. Il est nommé pour son premier poste d’instituteur aux Terres-Sainville (Fort-de-France). Dans les années 70, il obtient à l’Université Antilles-Guyane une maîtrise en sciences économiques. Puis, Alfred Marie-Jeanne se présente au concours de PEGC, il réussit et reçoit son affectation comme professeur de mathématiques dans sa commune au collège Jacques-Roumain.

Alfred Marie-Jeanne s’engage en politique en 1971 en se présentant pour la première fois aux élections municipales à Rivière-Pilote, il n’appartient à ce moment-là à aucun parti politique mais est proche des idées de gauche. Aux municipales de 1971, Alfred Marie-Jeanne est élu pour la première fois, Maire de Rivière-Pilote, en obtenant 2102 voix contre 1519 à son adversaire de Droite, Jules Sauphanor. Puis, aux élections cantonales de 1973, il est élu conseiller général du canton de Rivière-Pilote avec 2 470 voix soit 61,08%.

En 1973, Il crée avec d’autres militants dont Garcin Malsa, le mouvement « La Parole au peuple » qu’il transforme le 1er juillet 1978 en Mouvement indépendantiste martiniquais. Aux législatives de 1973, Alfred Marie-Jeanne conclu une alliance politique avec le Parti progressiste martiniquais. Il est candidat dans la circonscription du sud et son suppléant est un militant PPM, Rodolphe Désiré. La base de cette alliance politique a pour objectif : la lutte pour la reconnaissance par les autorités françaises, du droit à l’autodétermination de la Martinique. Mais cette entente politique entre Alfred Marie-Jeanne et le PPM est un échec, il obtiendra un faible score 1920 voix et sera éliminé dès le premier tour.

Alfred Marie-Jeanne après avoir créé « La Parole au peuple » radicalise son discours nationaliste. En 1974, il adresse au candidat socialiste François Mitterrand un document présentant ses grandes orientations pour la Martinique: Il considère que la Martinique est une nation et revendique: le droit à l’autodétermination, un protocole d’accession à l’indépendance, des relations basées sur la coopération avec l’Europe etc. Alfred Marie-Jeanne grâce à son charisme et son franc-parler devient incontestablement le leader de la mouvance nationaliste en Martinique.

Au début des années 90, Alfred Marie-Jeanne change de stratégie et assouplit sa position. Le MIM décide de participer aux élections nationales, de participer à la gestion des affaires politiques locales et prend part dans le débat sur l’assemblée unique en proposant l’ARU (l’Assemblée régionale unifiée), c’est-à-dire une fusion du conseil régional et du conseil général. L’assemblée régionale unifiée qu’il propose sera dotée de pouvoirs législatifs et réglementaires. En 1990, aux élections régionales sa liste obtient 7 sièges au conseil régional, puis en 1992, 9 sièges. En 1993, Alfred Marie-Jeanne se présente 20 ans après aux élections Législatives et obtient au deuxième tour 17 912 voix, mais c’est le candidat de droite, André Lesueur qui l’emporte.

En 1997, aux élections législatives, Alfred Marie-Jeanne est élu au second tour, député de la Martinique avec 28 916 voix (64,08%) face au candidat de droite, André Lesueur. Aux élections régionales de 1998, la liste conduite par Alfred Marie-Jeanne obtient 24,6 % des voix et gagne 13 sièges au conseil régional. Il est élu président du conseil régional grâce au soutien de quelques élus de gauche avec 18 voix face au candidat de droite, Pierre Petit. Le 19 décembre 1999, il signe avec Antoine Karam, président du conseil régional de la Guyane et Lucette Michaux-Chevry, présidente du conseil régional de la Guadeloupe, « La déclaration de Basse-Terre ». Dans cette déclaration, les trois présidents de régions réclamaient un statut de région autonome pour la Guyane, la Guadeloupe et la Martinique.

En octobre et novembre 2000, Alfred Marie-Jeanne, lance le « Projet Martinique ». Ce projet doit permettre à la Martinique de se doter d’un nouveau statut de « région d’Outre-Mer » (ROM) autonome et prévoir un régime fiscal et social adapté aux spécificités de l’île. En 2001, lors des élections municipales, il tenta sans succès de conquérir la mairie de Fort-de-France, bastion historique du PPM (Parti progressiste martiniquais), mais le MIM gagne néanmoins 10 sièges dans l’opposition au Conseil Municipal de Fort de France. En 2002, aux Législatives, il obtient 16 194 voix au 2e tour et est réélu député de la Martinique. En 2004, il est triomphalement réélu président du conseil Régional. La liste des « Patriotes » MIM – CNCP a obtenue 74 860 voix et dispose 28 sièges sur 41 au conseil régional, une majorité confortable pour diriger la région de Martinique. Alfred Marie-Jeanne a annoncé plusieurs chantiers prioritaires comme la mise en place du haut débit avec l’ADSL, la dépollution des sols agricoles infectés par les pesticides et la construction d’un institut des métiers du sport.

En mai 2006, six ans après le « Projet Martinique », Alfred Marie-Jeanne lance le SMDE (Schéma martiniquais de développement économique). Le SMDE sera conçu comme un outil de développement pour la Martinique de demain. Défini dans une dynamique globale, ce schéma permettra d’affirmer les priorités en matière économique et dans tous les domaines contribuant au développement économique de l’île tels que : Emploi et formation professionnelle – Environnement, aménagement du territoire et développement durable – Mise en valeur des ressources naturelles – Coopération régionale et internationale – Recherche et innovation.

Aux élections législatives de juin 2007, Alfred Marie-Jeanne est réélu confortablement Député de la 4e circonscription de la Martinique avec 26 673 voix (68,46%). Il arrive en tête dans les 13 communes que compte la circonscription et distance son adversaire de l’UMP, André Lesueur de 14 384 voix. Alfred Marie-Jeanne siège à l’Assemblée nationale depuis le 26 juin 2007, dans le groupe de la gauche démocrate et républicaine.

Le 10 janvier 2010, une consultation de la population martiniquaise a eu lieu sur un éventuel changement de statut de leur département en une collectivité d’outre mer régie par l’article 74 de la constitution française et dotée d’un juste degré d’autonomie. Une majorité d’électeurs, 79,3 %, a répondu « non » à ce changement de statut. Le rejet du statut d’autonomie par le peuple est un revers pour Alfred Marie-Jeanne puisqu’il avait appelé à voter « oui ». Après cet échec, il a appelé à voter « oui » le 24 janvier 2010 pour la fusion du conseil régional et du conseil général en une collectivité unique régie par l’article 73 de la constitution française. Les électeurs Martiniquais ont approuvé ce choix à 68,4%.

Aux élections régionales des 14 et 21 mars 2010, la liste « Les patriotes martiniquais et sympathisants » conduite par Alfred Marie-Jeanne arrive au second tour en deuxième position avec 66309 voix et obtient 12 sièges. Alfred Marie-Jeanne est battu par le candidat du PPM, Serge Letchimy. Le 23 mars 2010, Alfred Marie-Jeanne dans une lettre adressée à la population, annonce qu’il renonce à son siège de conseiller régional dans l’opposition, il est remplacé par le 13ème de sa liste, Sylvain Bolinois.

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Synthèse des mandats électifs 
Maire de Rivière-Pilote (Martinique) de 1971 à 2000
Conseiller général de Rivière-Pilote (Martinique) de 1973 à 1997
Conseiller régional de la Martinique de 1990 à 2010
2e vice-président du conseil régional de la Martinique de 1992 à 1998
Président du Conseil régional de la Martinique de 1998 à 2010 (réélu en 2004).
Député de la Martinique depuis 1997 (réélu en 2002 et 2007)
Mandats en cours
À jour au 24 mars 2010

Député de la 4e circonscription (Sud) de la Martinique

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M. Alfred Marie-Jeanne
Circonscription d’élection : Martinique (4ème)
Groupe politique : Gauche démocrate et républicaine
Commission : Membre de la commission du développement durable et de l’aménagement du territoire
Profession : Professeur de mathématiques
Suppléant : M. Louis-Félix Duville

Mandats et fonctions à l’Assemblée nationale
Mandat : Réélu le 16/06/2007 (Date de début de mandat : 20/06/2007 (élections générales))
Commission :
Membre de la commission du développement durable et de l’aménagement du territoire
Anciens mandats et fonctions à l’Assemblée nationale
Élu le 01/06/1997 – Mandat du 01/06/1997 (élections générales) au 18/06/2002 (Fin de législature)
Réélu le 16/06/2002 – Mandat du 19/06/2002 (élections générales) au 19/06/2007 (Fin de législature)
Mandats locaux en cours
Membre du conseil régional (Martinique)
Anciens mandats locaux
Conseil municipal de Rivière-Pilote (Martinique)
du 14/03/1983 au 12/03/1989 (Maire)
du 20/03/1989 au 18/06/1989 (Maire)
du 25/06/1995 au 18/03/2001 (Maire)
Conseil régional de Martinique
du 23/03/1992 au 15/03/1998 (Vice-président du conseil régional)
du 16/03/1998 au 28/03/2004 (Président du conseil régional)
du 29/03/2004 au 14/03/2010 (Président du conseil régional)
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Biographie

Il est né le 3 juillet 1942 dans les projets de logements Cabrini-vert, du Nord de Chicago, partie d’un seul parent, famille de sept membres dans un petit appartement. Mayfield chante d’abord devant le public dans église des voyage Soul spirites sa grand-mère à l’âge de 7 ans, l’église où il a obtenu et conservé son appréciation de la vie de la musique gospel noire. Il aimerait aussi avoir la musique blues électrique, nouvellement florissant autour de lui à Chicago, une forme de musique noire bientôt à avoir un tel impact sur les jeunes rockers blancs du monde sur. Boucler la boucle du talent de Mayfield était enthousiasme de sa mère pour la poésie qu’il a hérité et transformé la chanson lyrique.

Une courbe d’apprentissage. Autodidacte à la guitare par le tout début de son adolescence, approche de Mayfield pour cet instrument a été également distinctif, réglage de la guitare pour les touches noires du piano. C’est de lui fournir un son singulier tout au long de sa carrière (apprentissage de la guitare basse, piano, saxophone et batterie vint plus tard). Il chantait aussi, d’une voix de ténor doux qui fait beaucoup usage de fausset.

 Lycée abandonnent. À l’âge de 16 ans. Mayfield quitte l’école, laissant pour former un cinq pièces groupe appelé The Roosters. Plus tard, le nom changerait pour les Impressions. Le chanteur était Jerry Butler, membre de la Congrégation de la grand-mère de Mayfield. En 1958, un an après Mayfield quitte l’école, les Impressions a marqué un ressortissant frappé pour votre précieux Love – une des chansons annonçant l’émergence de la Chicago Soul des années 60. Butler (et sa voix de plomb) s’est rendu en solo après « For Your Precious Love, » laissant la plupart des responsabilités pour les Impressions à Mayfield, qui a endossé ce bien.

 Faire une impression. Mayfield est maintenant en charge d’un groupe qui avait modifiés de cinq à trois pièces, une rareté, vocalement, dans le domaine de r & b/soul à l’époque. Mais Mayfield il a tourné à son avantage, taking over (cette caractéristique Fausset, encore une fois) comme chanteur et assembler des arrangements et des harmonies à trois voix qui a travaillé à mettre le groupe à part. Résultat : Les Impressions est devenu un groupe moteur de l’âme des années soixante, avec une chaîne cohérente de chart hits. Le groupe a même réussi à prendre position contre l’arrivée des Beatles comme dominants de la carte. Lors de l’Invasion Britannique a commencé – 1964 – les Impressions accumulé pas moins de cinq Top 20 hits cette année, toutes conçues et adaptées de Mayfield

Les hymnes des années soixante. En 1964, Mayfield a écrit le prescient « garder le Pushine, » un signe qu’il entrait dans une autre phase de sa carrière et, comme un jeune homme noir, payait attention à ce qui se passait et ce qui doit être adressée. . « Keep On Pushine « a servi comme un hymne de droits civils, un favori de Martin Luther King, comme c’était une autre composition de Mayfield, probablement son plus connue, « People Get Ready. » Les deux chansons est devenu incorporés dans le mouvement national pour les droits civils et sociaux, a entendu tous les rassemblements et les marches, chansons comme source d’inspiration.

Faire le Point. Mayfield a exprimé la nécessité d’un changement dans ses chansons. Mais il est toujours l’homme d’affaires et il s’assure que les chansons seraient, pour parler franchement, obtenir airplay et vendre les records, avec son fond de gospel et harmonies soul, « People Get Ready » est livré sans exagérations ou aliénation, le poing dans un gant de velours. Le message est positif et ferme. Mayfield a écrit et enregistré d’autres chansons pour refléter la population noire américaine plus conscience de soi et le besoin de changement. « Nous sommes un vainqueur, » « Le présent est mon pays, » « choix de couleurs, « Check Out Your Mind. » et plus. »People Get Ready » résonne en particulier à tout moment, quelle que soit la cause, l’une des raisons pourquoi National Public Radio a choisi comme l’un des 300 dossiers plus importants du XXe siècle.

Amen, Superfly ! Un succès précoce pour les Impressions est qu’un Évangile propulsé Mayfield original, « Amen. » Choisi pour la bande originale d’un film de Sidney Poitier 1963, « Lys du champ, » il est devenu carte d’appel de Mayfield à Hollywood. Mais Mayfield aurait dû attendre près d’une décennie avant de son impact réel, via son plus grand succès commercial enregistrement, la bande originale de « Superfly », un film « blaxploitation ». Ici, il a montré la capitale du film, que « vous n’avais pas besoin une pièce de la taille d’un terrain de football de porter la musique in…. être un Henry Mancini ». Pour la bande originale du film « Superfly », Mayfield a été écrivain, interprète, producteur, et il a fourni une image en chanson concise de l’existence du ghetto et sa collision avec des drogues de la rue. « Superfly » et « Dead de Freddie, » du film, ont été répertoriés parmi les plus grandes chansons de soul inner city. Tout graphique, ils revel pas dans les excès de la culture de la violence, en fait créer un contrepoint à l’intrigue du film. Au moment où qu’il a créé la musique de « Superfly », Mayfield avait quitté les Impressions. Sa musique traverse encore un autre changement, la guitare jouant de plus en plus, axé sur le rythme, les critiques ont noté que travail de Mayfield sur la bande originale du film « Superfly » en 1972 a souligné la façon du réalisme gritty des rappeurs et des artistes hip hop qui a suivi deux ans plus tard. Le magazine Rolling Stone a placé « Superfly » # 69 dans la liste des 500 plus grands albums. Suivi des autres musiques de Mayfield : beaucoup sous-estimé « Claudine » (avec Gladys Knight), « Sparkle » (Aretha Franklin), « Un morceau de l’Action » (Mavis Staples) et « Short Eyes » (à qui agissait également Mayfield). Dans tous ces Mayfield a été écrivain, interprète, arrangeur, producteur.

Vol Solo. Maintenant Mayfield avait son propre label, ne Records et était gravement en danger de réclamer le titre Hardest Working Man en Show Business, production de l’aliment de base, Mavis Staples, Leroy Hutson, Aretha Franklin, Gladys Knight et les pépins, les Impressions et plus, pour les autres labels et ne. Il s’installe dans le funk, a reconnu la génération Disco (notamment avec « Do Do Wap est forte en Here » (à partir de la bande originale du film « Short Eyes »). Tout cela a été une façon de « People Get Ready » mais a été coupé par le même groove.

Le Lion en hiver. 13 Août 1990. La journée Mayfield faisait quelque chose qu’il avait fait un millier de fois, le Sound Check pour un concert en plein air, sur scène au champ de Wingate, Flatbush, Brooklyn. Mais des vents violents renversa la plateforme d’éclairage de scène et Mayfield était dessous. Il a survécu mais paralysé du cou vers le bas, sa colonne vertébrale écrasée dans trois endroits différents. Étonnamment, Mayfield a trouvé son chemin du retour. Incapable de jouer guitare (ou tout autre instrument), il pourrait toujours chanter même grâce à elle entend surmonter certains obstacles redoutables comme son dernier « New World Order » a révélé. Faire équipe avec une nouvelle génération d’artistes que Mayfield retourne en studio d’enregistrement. Maintien à l’écriture. Tenue sur l’enseignement. Maintien sur pushine.

Curtis Mayfield mourut, 57, le 26 décembre 1999. Il laisse derrière lui de Altheida, sa veuve, six fils, trois filles et sept petits-enfants. Et des millions d’adeptes dans le monde entier.

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Musique de la République démocratique du Congo

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 Nou Ka Sonjé Yo

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Musique de la République démocratique du Congo

Il est difficile, en raison d’aléas entourant la signification des différents termes décrivant la musique de la République démocratique du Congo. Le pays lui-même était anciennement appelé le Zaïre et est maintenant parfois appelé Congo-Kinshasa pour distinguer la République du Congo (ou du Congo-Brazzaville). Dans cet article, le Congo fera référence spécifiquement à la République démocratique du Congo, sauf indication contraire. En dehors de l’ Afrique, la plupart toute musique depuis le Congo est appelée soukous, avec plus de précision qui désigne plutôt à une danse populaire dans les années 1960. Le terme rumba ou rock-rumba est également utilisé de façon générique pour désigner la musique congolaise, même si les deux mots ont leurs propres difficultés et ni ne sont très précises ni descriptif avec précision. Depuis le Congo n’ont aucun terme pour leur propre musique en soi, bien qu’ils ont utilisé muziki na biso (notre musique) jusqu’à la fin des années 1970 et maintenant le nom de la plus commun est « ndule » qui signifie simplement la musique dans le dialecte lingala. La plupart des chansons de la République démocratique du Congo sont chantées dans le dialecte « lingala », principalement parce que c’est le dialecte qui est la plus parlée dans le pays.
Fois coloniale
Depuis l’époque coloniale, Kinshasa, capitale du Congo, est l’un des grands centres de l’innovation musicale, classement aux côtés de Nairobi, Lagos, Johannesburg et à Abidjan en influence. Le pays, toutefois, était taillé dans les territoires contrôlés par nombreux groupes ethniques, dont beaucoup avaient peu de choses en commun avec eux. Chaque maintenu (et continuent de le faire) leurs propres traditions de musique folklorique et il y avait peu d’une identité musicale de pan-congolais jusqu’en 1940.

Comme beaucoup de l’Afrique, Congo a été dominé pendant l’ère 2 de guerre mondiale par la rumba, une fusion de latine et Afrique styles musicaux qui proviennent de le île de Cuba. Musiciens congolais affectés rumba et adapter ses caractéristiques pour leurs propres instruments et de saveurs. Après 2 de guerre mondiale, maisons a commencé à apparaître, y compris les CEFA Ngoma, Loningisa et Opika, chaque émission de nombreux enregistrements 78 tr/min ; Radio Congo Belge a également commencé radiodiffusion pendant cette période. Alexandre de Bill, un belge travaille pour CEFA, introduit des guitares électriques au Congo.

Musiciens début populaires comprennent Feruzi, qui est dit avoir popularisé rumba pendant les années 1930 et les guitaristes comme Zachery Elenga, Antoine Wendo Kolosoy et, plus influentially, Jean Bosco Mwenda. Aux côtés de la rumba, les autres genres importés comme balancer américains, français cabaret et ghanéens highlife étaient aussi populaires.

En 1953, la scène de la musique congolaise a commencé à se démarquer avec la formation de Jazz africaine (dirigé par Joseph « Grand Kalle » Kabasele), le premier orchestre à temps plein pour enregistrer et exécuter et les débuts de quinze ans, guitariste Francois Luambo Makiadi (aka Franco). Les deux irait à être certains des meilleurs étoiles musique congolaise. Jazz africains, qui comprenait Kabasele, parfois appelé le père de la musique congolaise moderne, ainsi que des camerounais légendaire saxophoniste et claviériste Manu Dibango, est devenu un des groupes plus connus en Afrique, principalement en raison de « L’indépendance Cha-Cha-Cha », qui a célébré l’indépendance du Congo et est devenu un hymne pour africains du continent des années 1960.

[Modifier] Grandes bandes (1930s–1970s)
Dans les années 1950, Kinshasa et Brazzaville est devenu lié culturellement, et de nombreux musiciens déplacement entre eux, plus important encore, y compris de Nino Malapet et le fondateur de OK Jazz, Jean Serge Essous. Technologie d’enregistrement avait évolué pour permettre une lecture plus les temps et les musiciens axés sur le seben, un saut instrumentale percussion avec un tempo rapide qui était commun dans la rumba. OK jazz et de jazz africains continuent d’effectuer tout au long de la décennie, jusqu’à ce que l’Afrique Jazz s’est désintégré dans le milieu des années 1960. Tabu Ley Rochereau et Dr Nico puis forment Fiesta africaine, qui a incorporé des nouvelles innovations de tout au long de l’Afrique ainsi que les Américains et les Britanniques soul, rock et pays. Fiesta africains, dura cependant, seulement deux ans avant de se diviser et formé de Tabu Ley Orchestre Afrisa International au lieu de cela, mais ce nouveau groupe n’était pas capable de rivaliser avec OK jazz influence très longtemps.

La plupart des musiciens plus influents de l’histoire du Congo issu d’un ou plusieurs de ces grandes bandes, y compris Sam Mangwana, Ndombe Opetum, Vicky Longomba, Dizzy Madjeku et Kiamanguana Verckys. Mangwana a été le plus populaire de ces artistes solos, gardant un fidèle fanbase même en passant à l’Afrique Vox et le Festival des Marquisards à Afrisa, suivi par OK jazz et un retour à Afrisa avant la constitution d’un groupe Afrique de l’Ouest appelée l’ Afrique All Stars. Mose Fan Fan de jazz OK également prouvé influents, introduction congolais rumba à l’ Afrique de l’est, en particulier au Kenya, après le déplacement il en 1974 avec Somo Somo. Rumba sont également répartis à travers le reste de l’Afrique, avec de Brazzaville Pamela M’ounka et Tchico Thicaya vers Abidjan et Ryco Jazz en tenant son congolais pour les Antilles française. Au Congo, étudiants au lycée de Gombe est devenu entranced avec rock américain et funk, surtout après que James Brown a visité le pays en 1969. Los Nickelos et Thu Zahina issu haut de Gombe, avec le premier déplacement à Bruxelles et à ce dernier, bien que n’existant que brièvement, devenir légendaire de leur stade énergique qui inclus montre frénétique, des fûts funky pendant la seben et un souvent psychédélique sonore. Cette période de la fin des années 60 est la soukous ère, bien que le terme soukous maintenant a un sens plus large de beaucoup et fait référence à tous les développements ultérieurs de la musique congolaise ainsi.

[Modifier] Zaïko et post Zaïko (1970s–1990s)
Stukas et Zaïko Langa Langa étaient les deux bandes plus influents à sortir de cette ère, avec Zaïko Langa Langa étant un motif de départ important pour les musiciens comme Pepe Feli Bozi Boziana, Evoloko Jocker et Papa Wemba. Un son pop plus fluide et salé développé au début des années 1970, dirigé par Bella Bella, CHOKKAM CHOKKAM et Lipua Lipua, tandis que Kiamanguana Verckys promu un bosselée garage – comme son qui a lancé les carrières de Pepe Kalle et Kanda Bongo Man, entre autres.

Au début des années 1990, la scène de la musique populaire congolais a décliné terriblement. La plupart des musiciens plus populaires de l’époque classique avaient perdu leur bord ou morts, et le Président Mobutu du régime a continué à réprimer la musique indigène, renforcer le statut de Paris comme un centre pour la musique congolaise. Pepe Kalle, Kanda Bongo Man et Rigo Starr étaient tous basée à Paris et ont été les plus populaires musiciens congolais. Nouveaux genres comme madiaba et du Tshala Mwana mutuashi atteint une certaine popularité. Kinshasa avait toujours populaires musiciens, toutefois, y compris les Bimi Ombale et Dindo Yogo. En 1993, bon nombre des plus grands individus et bandes dans l’histoire du Congo ont réuni pour un événement qui a aidé à revitaliser la musique congolaise et aussi jumpstarted les carrières de bandes populaires comme Suédois suédois. Une autre caractéristique importante dans la culture du Congo est sa musique sui generis. La RDC a fusionné ses sources ethniques musicales avec la rumba cubaine et Meringues pour donner naissance à Soukous. Les chiffres influents de Soukous et ses ramifications (N’dombolo, Rumba Rock) sont Franco Luambo, Tabu Ley, Lutumba Simaro, Papa Wemba, Koffi Olomidé, Kanda Bongo, Ray Lema, Mpongo Love, Abeti Masikini, Amisi Reddy, Pepe Kalle et Nyoka Longo. Un des pionniers de l’Afrique rhumba – musique moderne Tabu Ley Pascal Rochereau.Congolese plus talentueuses et respectés est également influencé en partie par sa politique. Au Zaïre, puis en 1965, Albert prit, et malgré la corruption massive, échec économique désespérée et le soulèvement militaire tentative de 1991, il détenait le jusqu’à la veille de sa mort, en 1997, lorsque le Président, Laurent Kabila. Kabila hérité d’une coque ingouvernable près d’une nation. Il il renommé de la République démocratique du Congo, mais il ne pourrait pas effacer les effets dévastateurs des legs belge et Albert, et le pays est maintenant en état de guerre chronique. Mobutu inculqué une peur profonde de la dissidence et malheureusement impossible de développer les vastes ressources de son pays. Mais les murs, il construit autour de son peuple et ses tentatives pour stimuler la fierté culturelle et nationale ont certainement contribue à l’environnement qui élevés de musique pop plus influent de l’Afrique. Appelez il soukous, rumba, musique Zairois, Congo, ou kwasa-kwasa, le son pop émanant de la capitale du Congo, Kinshasa a façonné la culture africaine moderne plus profondément que toute autre.

Afrique produit des genres musicaux qui sont directes dérivés de Soukous congolais. Certains des bandes africains chantent en Lingala, la langue principale de la RDC. Le même congolais Soukous, sous la direction de « le sapeur » Papa Wemba, a donné le ton pour une génération de jeunes gars qui robe dans coûteux clothing.The concepteur de nombreux chanteurs et instrumentistes qui a traversé Zaïko Langa Langa a poursuivi en scène de musique animé de Kinshasa règle dans les années 80 avec ces bandes comme des stars de Choc et Viva la Musica de Papa Wemba. Un ancien membre de Viva la Musica, Koffi Olomidé, a été incontestablement la plus grande star de Zaïre/congolais depuis le début des années 1990. Ses rivaux chef est deux anciens combattants de la bande Wenge Musica, J.B. Mpiana et Werrason. Mpiana et Werrason chacun prétend être à l’origine du ndombolo, un style qui intersperses cris avec des pics de melody vocale et d’harmonie sur un din frénétique de guitares électriques, les synthétiseurs et les fûts. Tellement répandu est aujourd’hui ce style que de Koffi Olomidé même de répertoire actuel est principalement ndombolo. Actuellement musique de la République démocratique du Congo est domoninated par la danse « ndombolo » et bien représenté par la plus récente de la superstar Congo : Ipupa Fally est un intervenant de fort de la République démocratique du Congo qui travaillé avec le légendaire Olomidé Koffi dans son groupe, Quatier latine, avant branchement sur son propre. Ses performances sont énergiques, sa livraison éminentes. Ventilateurs femelles aiment regarder comme il fouets ses chansons vers de nouveaux sommets dans le temps pour ses hanches pivotantes (une partie de la raison pour laquelle il a fait les dix sexiest liste des hommes). Le mélange de reggae, âme ; rhumba et ndombolo se sont révélées son élixir magique. Il a effectué à EPUISÉ auditoires à Paris et à New York et continue à gagner la reconnaissance à l’échelle internationale pour sa musique.

Son prix inclure l’attribution de Césaire de la Musique pour mieux les artiste masculin de l’année (octobre 2007); il a reçu un disque d’or pour son album, le Droit Chemin et a été nominé pour le meilleur élément de musique et meilleure artiste dans le prix de musique noire qui se tiendra à Coutonou, Bénin le 12 janvier 2008. Droit Chemin, produite par les Maïka Munan (qui a travaillé avec des musiciens congolais célèbres comme Tabu Ley Rochereau, Bel M’Bilia, Papa Wemba, Afia Mala), a été reçu avec critique et est extrêmement populaire avec ses fans. La vidéo est bien faite et déplace les ndombolo plusieurs fonctions. On peut demander combien de temps il sera avant son déplacement apparaître sur un hiphop vidéo comme le déplacement de big suivant.

Références
Ewens, Graeme. « Coeur de Danceness ». 2000. Dans Broughton, Simon et Ellingham, marquer avec McConnachie, James et Duane, Orla (éd.), musiques du monde, vol. 1: Afrique, Europe et Moyen-Orient, pp 458-471. Rough Guides Ltd, Penguin Books. ISBN 1-85828-636-0.
Stewart, Gary. (2000) Rumba sur la rivière : une histoire de la musique populaire des deux Congos verso. ISBN 1-85984-744-7. Raconte l’histoire de la musique congolaise, l’histoire et la culture populaire.

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Serge Letchimy-Nou Ka Sonjé

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Serge Letchimy (né le 13 janvier 1953 au Gros-Morne en Martinique)

est un homme politique français partisan de l’autonomie martiniquaise. Maire de Fort de France de 2001 à 2010. Il est actuellement député de la Martinique et président du Conseil régional de la Martinique depuis le 26 mars 2010.

Formation et profession
Il est titulaire d’une licence de géographie et depuis 1984 d’un doctorat en urbanisme et aménagement obtenu à la Sorbonne à Paris.

Serge Letchimy est urbaniste de profession et ancien directeur général de la société d’économie mixte d’aménagement de Fort-de-France (SEMAFF). Il a dirigé cette société d’économie mixte de 1988 à 2000. En 1999, alors qu’il est directeur, la SEMAFF reçoit à Paris un SEM d’Or récompensant cette structure.

Carrière politique

Sous l’étiquette du PPM, il est élu maire de Fort-de-France le 18 mars 2001 et succède à Aimé Césaire.

Il est conseiller général du canton 6 de Fort-de-France de 1992 à 2004.

Serge Letchimy est président de la Communauté d’agglomération du Centre de la Martinique (CACEM) du 20 avril 2001 au 11 avril 2008.

Serge Letchimy a été aussi conseiller régional du 21 au 24 mars 2004, mais il a dû démissionner pour respecter la loi sur le cumul des mandats.

Le 23 octobre 2005, il est élu président du PPM, lors du 17e Congrès du parti.

Aux élections législatives de juin 2007, Serge Letchimy est élu député de la troisième circonscription de la Martinique en obtenant 16 055 voix (67,77%) face au député sortant, Philippe Edmond-Mariette. Serge Letchimy est à l’Assemblée Nationale, apparenté au Groupe socialiste, radical, citoyen et apparentés depuis le 26 juin 2007.

Le 9 mars 2008, Serge Letchimy est réélu dès le premier tour maire de Fort-de-France en recueillant 23 227 voix soit 82,62% des suffrages exprimés. C’est le maire le mieux élu de la Martinique lors des élections municipales de 2008.

Le 10 janvier 2010, une consultation de la population martiniquaise a eu lieu sur un éventuel changement de statut de leur département en une collectivité d’outre mer régie par l’article 74 de la constitution française et dotée d’un juste degré d’autonomie. Serge Letchimy pourtant autonomiste avait fait le choix de voter « non » à cette consultation. Une majorité d’électeurs, 79,3 %, avait répondu « non » à ce changement de statut. Puis, il avait appelé à voter « oui » le 24 janvier 2010 pour la fusion du conseil régional et du conseil général en une collectivité unique régie par l’article 73 de la constitution française. Les électeurs Martiniquais ont approuvé ce choix à 68,4%. Lors des débats autour de cette consultation, Serge Letchimy proposait « la troisième voie », c’est-à-dire une autonomie constitutionnalisée.

Lors des élections régionales des 14 et 21 mars 2010, la liste « Ensemble, pour une Martinique nouvelle » conduite par Serge Letchimy arrive en tête au second tour avec 78 193 voix. Il dispose d’une majorité de 26 élus sur 41 pour diriger le conseil régional de la Martinique.

Serge Letchimy a été élu officiellement président du conseil régional, le vendredi 26 mars 2010 en recueillant 26 voix sur 41. Il a démissionné du conseil municipal de Fort-de-France pour se mettre en conformité avec la loi limitant le cumul des mandats. C’est son ancien 1er adjoint, Raymond Saint-Louis-Augustin qui a été élu le 7 avril 2010, par le conseil municipal, nouveau maire de Fort-de-France.
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Parcours politique
Conseiller général du 6e canton de Fort de France de 1992 à 2004
Maire de Fort de France du 18/03/2001 au 26/03/2010
Conseiller régional du 21 au 24 mars 2004 et depuis le 21 mars 2010
Président de la Communauté d’Agglomération du Centre de la Martinique (CACEM) du 20/04/01 au 11/04/08
Député de la troisième circonscription de la Martinique depuis 16/06/2007
Président du Conseil régional de la Martinique, depuis le 26 mars 2010
Mandats en cours

Mandats en cours
Député de la troisième circonscription de la Martinique depuis 16/06/2007
Président du Conseil régional de la Martinique, élu le 26 mars 2010.
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 conseil régional de la Martinique siège dans l’hôtel de région situé à la rue Gaston Defferre dans le quartier Cluny à Fort-de-France. Le Conseil Régional de la Martinique est présidé depuis les élections régionales des 14 et 21 mars 2010 par Serge Letchimy du PPM.

L’exécutif et la commission permanente
L’exécutif :

 

Le président du conseil régional est Serge Letchimy depuis le 26 mars 2010

La commission permanente : (15 élus dont 12 vices-président et 3 assesseurs)

1er vice-président : Catherine Conconne, 2è vice-président : Maurice Antiste, 3è vice-président : Patricia Telle, 4è vice-président : Didier Laguerre, 5è vice-président : Yvette Galot , 6è vice-président : Luc-Louison Clémenté, 7è vice-président : Jenny Dulys, 8è vice-président : Justin Pamphile, 9è vice-président : Jocelyne Pinville, 10è vice-président : Daniel Robin, 11è vice-président : Daniel Marie-Sainte, 12è vice-président : Miguel Laventure.

3 assesseurs : Marie-Hélène Léotin, Francis Carole, Marie-Line Lesdéma.

Composition du conseil régional par groupe politique
Les 41 élus du conseil régional depuis les élections régionales des 14 et 21 mars 2010

Majorité:

La liste « Ensemble, pour une Martinique nouvelle» (PPM, FSM, MPF, Osons Oser, DVG, Mouvement Vivre à Schoelcher et société civile), conduite par Serge Letchimy obtient 26 sièges.
Les 26 élus : Serge Letchimy, Catherine Conconne, Maurice Antiste, Patricia Telle, Didier Laguerre, Yvette Galot, Luc-Louison Clémenté, Jenny Dulys, Justin Pamphile, Jocelyne Pinville, Daniel Robin, Karine Roy-Camille, Daniel Chomet, Christiane Mage, Simon Morin, Marie-France Thodiard, Jean Crusol, Marie-Thérèse Casimirius, Fred Lordinot, Marlène Lanoix, Camille Chauvet, Karine Galy, José Maurice, Elisabeth Landi, Thierry Fondelot, Manuela Kéclard-Mondésir.

Opposition :

La liste des « Patriotes martiniquais et sympathisants  » (MIM, Palima, CNCP, sympathisants), conduite par Alfred Marie-Jeanne obtient 12 sièges.
Les 12 élus : Daniel Marie-Sainte, Marie-Hélène Léotin, Francine Carius, Francis Carole, Sandrine Saint-Aimé, Jean-Philippe Nilor, Claudine Jean-Théodore, Louis Boutrin, Marie-Line Lesdéma, Vincent Duville, Aurélie Dalmat, Sylvain Bolinois.

La liste « Rassembler la Martinique » (UMP, FMP) conduite par André Lesueur obtient 3 sièges.
Les 3 élus : André Lesueur, Chantal Maignan, Miguel Laventure

Le président sortant Alfred Marie-Jeanne a décidé le 23 mars 2010 de ne pas siéger au conseil régional présidé par Serge Letchimy, il est remplacé par Sylvain Bolinois.

Les commissions sectorielles
La commission développement durable, transport et énergie – Président : Daniel Chomet
La commission des affaires économiques – Président : Jean Crusol
La commission économie sociale et solidaire – Président : Justin Pamphile
La commission culture et patrimoine – Président : Yvette Galot
La commission BTP et équipement – Président : Luc-Louison Clémenté
La commission des affaires financières et du budget – Président : Fred Lordinot
La commission agriculture et élevage – Président : José Maurice
La commission coopération et affaires européennes – Président : Karine Galy
La commission pêche, aquaculture, ressources marines et affaires maritimes – Président : Maurice Antiste
La commission éducation et formation professionnelle – Président : Daniel Robin
La commission enseignement supérieur, innovation et recherche – Président : Elisabeth Landi
La commission santé – Président : Marlène Lanoix
La commission logement et habitat – Président : Simon Morin
La commission sports – Président : Thierry Fondelot
La commission affaires juridiques, avis et textes à caractère réglementaire et législatif – Président : Chantal Maignan
La commission d’appel d’offres – Président : Didier Laguerre
La commission évaluation du SAR – Président : Camille Chauvet
La commission partenariat public privé – Président : Didier Laguerre
La commission spéciale de maîtrise d’oeuvre – Président : Manuella Kéclard-Mondésir
La commission délégation service public – Président : Daniel Robin
La commission ad hoc plan de relance et grands projets structurants – Président : Catherine Conconne
La commission ad hoc préparation de la collectivité unique – Président : Didier Laguerre
La commission ad hoc plan jeune – Président : Justin Pamphile
La commission ad hoc tourisme – Président : Karine Roy-Camille
La commission ad hoc évaluation et prospective – Président : Daniel Robin
La commission ad hoc octroi de mer et fiscalité – Président : André Lesueur
La commission ad hoc risques majeurs et naturels – Président : Jocelyne Pinville

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Les anciens présidents du conseil régional
Camille Petit (1974-1983)
Aimé Césaire, PPM (1983-1986)
Camille Darsières, PPM (1986-1992)
Émile Capgras, PCM (1992-1998)
Alfred Marie-Jeanne, MIM (1998-2010)

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